Современные скульптуры фото: D1 81 d0 be d0 b2 d1 80 d0 b5 d0 bc d0 b5 d0 bd d0 bd d0 b0 d1 8f d1 81 d0 ba d1 83 d0 bb d1 8c d0 bf d1 82 d1 83 d1 80 d0 b0: скачать картинки, стоковые фото D1 81 d0 be d0 b2 d1 80 d0 b5 d0 bc d0 b5 d0 bd d0 bd d0 b0 d1 8f d1 81 d0 ba d1 83 d0 bb d1 8c d0 bf d1 82 d1 83 d1 80 d0 b0 в хорошем качестве

Самые необычные скульптуры мира: 10 фото

Наши города полны величественных памятников и потрясающих скульптур, каждая из которых имеет свою историю, но только немногие из них являются действительно необыкновенными. Ниже представленны 25 самых креативных памятников и скульптур, которые добавляют цвета и эмоции в самых скучные городские пейзажи.

1. Мустанги Роберта Глена, Техас, США

 mustangsoflascolinas.com

2.Экспансия Пэйджа Брэдли, Нью-Йорк, США

Anastasia Tank

3. Прохожие, Вроцлав, Польша

4. Лосось, Портленд, Орегон, США

 Ava Hirschsohn

5. Купающиеся мальчики, Сингапур

 gaartu.livejournal.com

6. Обувь на набережной Дуная, Будапешт, Венгрия

 Nikodem Nijaki

7. Скрученный пистолет,Нью-Йорк, США

 dailyphotostream.blogspot.com

8. Свобода, США

Julija K.

9. Черный призрак, Клайпеда, Литва

10.

Les Voyageurs, Марсель, Франция

 Bruno Catalano

LES VOYAGEURS – самая необычная бронзовая скульптура в мире. Ее чаще всего называют «рваная» из-за своей оригинальной структуры. Эта композиция создана современным французским скульптором Бруно Каталоно. Les Voyageurs – это целая серия фигур, украшающих не только улицы Марселя, но и многие знаменитые мировые выставки, посвященные современному искусству.

11. Нельсон Мандела, ЮАР

 marcocianfanelli.com

12. De Vaartkapoen, Брюссель, Бельгия

 panoramio.com

Столь забавная скульптура называется De Vaartkapoen (Де Ваарткапоен), что в переводе vaart означает «канал», «kapoen» — «нахальный». Памятник установлен в 1985 году на одной из улиц Брюсселя в районе Моленбик.

Сюжет здорово напоминает сцену из комикса: из канализационного люка, как черт из табакерки, неожиданно высовывается молодой шутник и сваливает полицейского с ног, хватая блюстителя порядка за ногу.

Автор шедевра — веселый и талантливый бельгийский скульптор Том Францен.

13. Перегон скота, Даллас, Техас, США

 theworldofgord.com

14. Паук, Лондон, Великобритания

 Alf Gillman

15. Бегемоты, Тайбэй, Тайвань

 Patche99z

16. Тонущее здания возле государственной библиотеки в Мельбурне, Австралия

 Anonymous Panda

17. Игуана парк, Амстердам, Нидерланды

 Sanchez Herrero

18. Человек на работе, Братислава, Словакия

 Lukas Jaborka

19. Михай Эминеску, Румыния

 Dan Dima

20. Война Эджеабат, Турция

 Ionut Naidin

21. Подвешенный Зигмунд. Необычный памятник Фрейду в Праге

 civicartsproject.com

По одной из популярных версий Давид Черный тем самым вот так, символически, показал оторванность (или даже отчужденность) интеллигенции от простого народа. Нам трудно судить так ли это на самом деле.

И не столь важно это, наверное.

Главное в другом: мастер вложил в свое творение такую магическую притягательность, что гости Праги никогда не простят себе, если не посмотрят на потешно подвешенного каменного Фрейда.

22. Kelpies, Грейнджмут, Великобритания

 Andrew Milligan

23. Четыре свиньи на Рандл-молл, Аделаида, Австралия

 peterclayton.com.au

24. Неизвестные, Рейкьявик, Исландия

 geoffdeburca

25. Акула, Оксфорд, Великобритания

 artmoscow.wordpress.com

Сайт может содержать контент, не предназначенный для лиц младше 18-ти лет.

Источник: https://cameralabs.org/6310-25-samykh-kreativnykh-skulptur-i-statuj-so-vsego-mira

Самые необычные статуи в мире (10 фото)

Среди шедевров скульптуры всего мира попадаются довольно необычные работы. О некоторых из них бродит столько легенд и слухов, что порой кажется, что эти статуи живые. В этой подборке вы познакомитесь с самыми странными и забавными статуями в мире.

«Тотем», Лёвен, Бельгия Монумент воздвигнут в честь 575-й годовщины основания Лёвенского католического университета. Автор «Тотема» — бельгийский скульптор и художник Ян Фабр, причём необычное изваяние представляет собой гигантского жука, «насаженного» на почти 25-метровую иглу, что должно символизировать, по замыслу Фабра, «исследовательский дух университета и города».

«Поедатель детей», Берн, Швейцария Такое на первый взгляд жуткое название носит старинный фонтан, расположенный в швейцарском городе Берне. По некоторым данным, скульптура была создана в XVI-м веке, но кто её воздвиг и зачем, сейчас не совсем ясно. Согласно распространённому мнению, «Поедатель» появился на улицах города во время одного из карнавалов, чтобы пугать маленьких детей.

Автор изваяния в виде огромной белой головы — популярный испанский художник Жауме Пленса.

Скульптура под названием «Мечта» высотой около 20-ти м была воздвигнута по просьбе городского совета английского города Сент-Хеленс в 2009-м году, как пояснил представитель города, чтобы «отражать чаяния местного общества».

«Мечта», Сент-Хеленс, Великобритания Кстати, подобную скульптуру в виде головы 14-летней девочки с закрытыми глазами, но несколько меньшего размера, чем статуя в Англии, Жауме Пленса установил на одном из пляжей Рио-де-Жанейро.

«Рука Пустыни», Атакама, Чили Гигантские пальцы, будто раскапывающие песок пустыни, чтобы позволить выбраться остальному телу (исходя из размера руки, это должен быть настоящий великан), придумал и воплотил в жизнь чилийский скульптор Марио Ираррасабаль.

Два похожих монумента за авторством Марио, представляющих собой огромные руки, есть также в США и Уругвае.

«Озимандис на равнинах», штат Техас, США Этот странный истукан, а точнее, всего две ноги появились в Техасе по прихоти эксцентричного американского миллионера Стэнли Марша 3-го (именно так, через арабскую тройку — Стэнли не любит пользоваться римскими цифрами) в 1997-м году.

В монументе заключён глубокий философский смысл: идея навеяна стихотворением одного из величайших английских поэтов XIX-го века Перси Шелли «Озимандис», в котором рассказывается о бессмысленности воздвижения памятников.

Шутливая мемориальная доска, установленная на монументе, гласит, что Шелли написал стихотворение на этом самом месте после того, как увидел эти «руины», что, конечно, не может быть правдой, так как изваянию менее 20-ти лет.

Автор «Озимандиса» — художник Лайтинг Макдафф, а «носки» на ступнях позже пририсовали неизвестные шутники.

«Мамаша» (фр.

«Maman»), Оттава, Онтарио (и не только) Скульптурная композиция за авторством Луизы Буржуа, знаменитого американского скульптора и художницы французского происхождения, состоит из 9-метровой бронзовой паучихи и 26-ти мраморных паучьих яиц.

Впервые такой монумент (а их целая серия) появился в 1999-м году в Tate Museum of Modern Art — британской галерее современного искусства. «Эти пауки посвящены моей матери. Мама была ткачихой, наша семья занималась восстановлением и созданием гобеленов.

Как и пауки, мама была очень умной, она всегда мне помогала и защищала, как пауки помогают истреблять вредных насекомых. Мать была мне самым лучшим другом», — говорила художница.

«Мазингер Зет», Мас-дель-Плата, Испания «Мазингер Зет», если кто не знает, — это популярнейшие японские комиксы и мультфильмы о боевых роботах, появившиеся на свет ещё в 1972-м году благодаря художнику Го Нагаи.

Комиксы оказали заметное влияние на «Трансформеров» и «Могучих рейнджеров», не говоря уже о бесчисленном множестве других кинофильмов, книг и мультсериалов.

Поклонники «боевых роботов» живут по всему миру, нашлись они и в испанской Каталонии: в строящемся посёлке Мас-дель-Плата энтузиасты в 1978-м году воздвигли 12-метровое изваяние (кстати, в оригинале робот должен быть 18 м в высоту), причём, строительство Мас-дель-Плата так и не было завершено из-за отсутствия финансирования, а «Мазингер Зет» стоит до сих пор, привлекая тысячи поклонников аниме и манги со всего мира. «Боевые роботы» победили?

«Тараск», Тараскон, Франция Согласно легенде, Тараск был чудовищным существом — гибридом медведя, дракона и черепахи.

Этот монстр много веков назад терроризировал небольшую деревню Нерлук, пока, наконец, добрая и кроткая сердцем деревенская девушка Марта не смогла приручить чудовище и привести его к односельчанам, которые, конечно, тут же с ним расправились, зато после этого деревню назвали в память об убитом страшном звере, а Марту нарекли Святой.

В честь этих знаменательных событий скульптор Паскаль Демомон в 2005-м году воздвиг статую, изображающую, как предположительно мог выглядеть легендарный Тараск. Каждый год около «чудища» проводят праздничные мероприятия, посвящённые монстру, который подарил городу своё имя.

«Омар Микки», Бостон, штат Массачусетс, США Это крайне странное двухметровое творение художницы Бриэны Роулет появилось на свет в рамках проекта, финансируемого «The Walt Disney Company».

75 художников представили своё видение знаменитого персонажа диснеевских мультфильмов Микки Мауса, установив в нескольких городах Соединённых Штатов его изваяния, причём скульптуры должны были отражать характерные особенности того или иного населённого пункта.

Вероятно, ничего связанного с Бостоном, кроме морепродуктов, художница вспомнить не смогла, поэтому просто решила объединить Микки Мауса и омаров в единое скульптурное целое.

«Свиноутка» (или «Уткосвин», по-фински «Posankka»), Турку, Финляндия Оригинальный монумент, представляющий собой нечто среднее между уткой и свиньёй, спроектировал финский художник Альвар Гуллихсен.

Забавная статуя появилась на свет в 1999-м году и изначально плавала по реке Аурайоки, а в 2001-м году её водрузили на постамент около кампуса Университета Турку. По словам Альвара, скульптура символизирует критичный подход к современной генной инженерии.

Кстати, не все местные жители относятся к памятнику положительно, считая его чересчур вызывающим.

Источник: https://nlo-mir.ru/sooruzheniy/23346-samye-neobychnye-statui-v-mire-10-foto.html

Необычные скульптуры мира. Часть II

Скульптура — один из самых прекрасных видов изобразительного искусства, который восхищает и заставляет людей задумываться о красоте и хрупкости нашего мира с самых древних времен. «FREE ТАЙМ» расскажет о каменных жителях нашей планеты.

Badenixe (в переводе с немецкого «купальная красавица»)

В самом центре озера Альстер в Гамбурге расположилась интереснейшая скульптура. Миловидная блондинка весом без малого 20 тонн и высотой четыре метра была возведена в августе 2011-го года и стала одной из главных достопримечательностей города.

С момента своего появления Badenixe пользовалась ошеломляющим успехом среди туристов и местных жителей. Эта каменная девушка (кстати просто кукольной внешности) сидит в такой позе, будто решила искупаться в озере Альстер. Ее «отцом» является Оливер Восс, который сотрудничал с косметической фирмой Soap & Glory.

К сожалению, в 2012-м году девушку извлекли из воды, и посмотреть на скульптуру туристам можно лишь на фотографии.

«Мерилин навсегда»

В июле 2011-го года в Чикаго была установлена восьмиметровая скульптура «Мэрилин навсегда» скульптора Стьюарда Джонсона, изображающая знаменитую актрису Мэрилин Монро. Установленный в центре Чикаго памятник вызвал большой ажиотаж среди жителей города.
Хотя изваяние понравилось далеко не всем.

Неприкрытая сексуальность актрисы, её кокетство вызвали ряд актов вандализма. Поводом для недовольства горожан послужил и тот факт, что монумент стал самым посещаемым туристами, подавался в буклетах как самая выдающаяся достопримечательность Чикаго. Мэрилин потеснила другие, значимые для города исторические памятники.

Чикагцы восприняли этот факт, как оскорбление богатой их истории и всячески старались избавиться от фривольного памятника.

В мае 2012-го года монумент был перевезен в Палм-Спрингс, Калифорния, США. Здесь у актрисы был особняк, тут она принимала гостей. А теперь ждет туристов.

«Поцелуй смерти», Барселона, Испания

В европейских странах существуют кладбища, на которых некоторые надгробия охраняются государством как ценное историческое наследие. Поэтому такие надгробные памятники являются одними из главных достопримечательностей любой европейской страны.

Почти каждое городское кладбище в Европе представляет собой музей под открытым небом, наполненный скульптурами работы великих мастеров. Одним из таких является самое первое кладбище Побленоу, располагавшееся в былые времена за пределами окружавших Барселону крепостных стен.

Это новое место для усопших горожан было открыто в 1775 году и освящено епископом Барселоны.
«Поцелуй смерти» — скульптура, установленная на могиле молодого человека, умершего в 30-х годах прошлого века. Об ее авторстве до сих пор идут споры.

По одной из легенд, скульптура вдохновила Ингмара Бергмана

• на фильм «Седьмая печать».
• 
  Поэт Михай Эминеску, Румыния

Памятники Михаю Эминеску — выдающемуся румынскому поэту, классику румынской литературы, названного потомками «пречистым святым румынской поэзии» и «утренней звездой румынской литературы», установлены во многих городах мира, его именем названы кратер на Меркурии, многие улицы в городах Румынии, Молдовы и других стран, портрет поэта размещён на банкнотах, юбилейных монетах и марках.

В Онешти памятник Михаю Эминеску был установлен в 2000 году, он расположен в центре города, недалеко от парка Свободы. Автором необычного памятника является румынский скульптор Эремия Григорску.

Скульптура выполнена в виде портрета Михая Эминеску, необычность композиции заключается в том, что черты лица поэта образуют ветви двух металлических «деревьев», установленных на мраморном пьедестале.

Скульптору удалось гармонично вписать памятник в окружающий ландшафт — зимой, когда снег покрывает «ветви деревьев» скульптуры, поэт словно становится старше, весной же, на фоне яркой зелени, лицо Михая Эминеску «молодеет». Особенно красив памятник на закате — лучи заходящего солнца окрашивают его в багряные цвета, а игра цвета и теней словно оживляет портрет классика румынской литературы.

Сила природы, Катар
Так называется серия скульптур итальянского художника Лоренцо Куин (Lorenzo Quinn), в которых изображена женщина, удерживающая земной шар куском ткани. Скульптуры установлены во многих городах по всему
миру — в Англии, в Соединенных Штатах Америки, в Монако и Сингапуре. Хрупкая, но сильная женщина символизирует мать-природу.
Итальянец по происхождению, но считающий себя человеком мира, однажды стал свидетелем разрушительных последствий цунами и торнадо, разразившиеся в Таиланде и докатившиеся до южной части США.

Под впечатлением этих событий несколько лет назад Лоренцо Куин начал создавать серию скульптур под названием Сила природы.

Мемориал памяти евреям, Краков
До войны в Кракове жила большая еврейская община, каждый четвертый житель был евреем. Мемориал на площади бывшего краковского гетто представляет собой пустые стулья, символизирующие то, что осталось после того, как фашисты депортировали своих жертв.

Стулья напоминают, что в период выселения евреев в гетто, на улицу выносилась вся мебель из жилищ, чтобы никто в доме не спрятал младенцев. 33 железных стула высотой почти полтора метра и 37 стульев пониже высотой установили по периметру площади и на прилегающих трамвайных остановках. Каждый стул — это память о погибших евреях в гетто в Кракове. Памятник был открыт в 2005 году.

Чиновничья Фемида, Дания
Йенс Галшиот изобразил непривычную для нас Фемиду: располневшая богиня правосудия с закрытыми глазами сидит на спине изможденного африканца. Таков символ богатого индустриального мира, который живет за счет третьих стран. И да, глаза без привычной повязки говорят о том, что

справедливость вырождается в нежелание видеть явную несправедливость. Кстати, скульптура стоит рядом с известной Русалочкой, символизирующей уютную и сказочную Данию. Это тоже своеобразный вызов: за благополучной жизнью не видят многих проблем.

МУСТАНГИ ЛАС-КОЛИНАСА, ТЕХАС, США
Это одна из самых больших скульптурных групп лошадей во всем мире. Бронзовые статуи больше реальных мустангов в 1,5 раза, хотя на фотографиях их величина может показаться не столь внушительной из-за находящихся поблизости высотных строений. У ног животных установлены специальные фонтаны, которые имитируют брызги от копыт.

Ocнoвнaя uдeя cкульпmуpы — пepeдamь двuжущую cuлу, uнuцuamuву u pacкpeпoщённый дуx, кomopыe былu пpucущu Texacу в пepuoд eгo ocвoeнuя.

Памятник женской сумочке, Италия
Скульптура была впервые представлена в Италии на выставке «Мысли. Пространство. Диалог между природой и воображением».
Мужчины долго подшучивали над дамскими сумками, обсуждая, что в них можно найти и все четыре тома «Войны и мир», и отвертку, и завтрак на всю семью. Со временем смеяться они, конечно, не прекратили, но решили увековечить данный аксессуар. Порядка десяти городов мира могут похвастаться памятниками женской сумочке.
Самый известный монумент, посвященный дамскому аксессуару. В 2013 году женскую сумку увековечил скульптор из Испании. Девушка, которая

буквально с головой окунулась в свою сумочку, сразу полюбилась зрителем.

Заботливая рука, Гларус, Швейцария (Caring Hand)
Эту композицию ее авторы — Эва Оертли и Бит Хубер (Eva Oertli and Beat Huber) назвали просто «Рука», но широкой общественности она известна больше как «Заботливая рука» (The Caring Hand). Ее идея у авторов возникла еще в 1990 году, ею предполагалось украсить территорию новой сельскохозяйственной школы в швейцарской коммуне Энтлебух (Entlebuch). Но не хватало то места, то денег, то еще чего…
Наконец, в 2004 году в небольшом городке Гларус (Glarus) на востоке Швейцарии, в рамках художественной выставки «Skulptura 04» эту 1.6 метровую (в ее бетонной составляющей) скульптуру установили и она так понравилась горожанам, что те скинулись и выкупили ее у авторов.

Источник: https://freetime.ru/neobychnye-skulptury-mira-chast-ii/

Топ 10 самые необычные памятники мира

На свете есть несчетное количество памятников: знаменитых и мало кому известных, поражающих воображение своей монументальностью и миниатюрных, древних и современных, классических и авангардистских.

Но есть среди них самые необычные памятники мира, забыть которые невозможно. Мода на странные, забавные и диковинные статуи появилась в конце XX века.

Тогда во многих странах стали возникать не привычные всем классические скульптуры и сооружения, а выходящие за рамки обычного монументы.

10. Ангел Севера

Находится в Гейтсхеде, Англия

Это самый необычный и авангардный памятник в Великобритании. Скульптура, изображающая ангела, распахнувшего свои крылья, была создана в 1998 году художником-монументалистом Энтони Гормли, известным своими неординарными работами далеко за пределами страны. Этот памятник является самым большим изображением ангела, когда-либо созданного людьми.

Полностью выполненная из стали 20-метровая фигура с распростертыми навстречу всем ветрам крыльями встречает туристов на вершине холма около города Гейтсхеда на севере Англии. Весит монумент 208 тонн.

Большая часть веса приходится на бетонное основание, глубоко уходящее в землю.

Ветра в этой части страны могут достигать 160 км/ч и свайный фундамент статуи должен надежно удерживать фигуру ангела в течение 100 лет.

Самое примечательное в памятнике – это крылья, размах которых почти не уступает крыльям «Боинга-747». Их длина – 54 метра. Внешне Ангел Севера больше всего напоминает киборга, а не посланника небес. Примечательно, что сначала жители Британии отнеслись к возведению монумента неоднозначно, но теперь его считают одной из самых необычных и интересных достопримечательностей севера страны.

9. Скульптура Чарльза Ла Тробе

Скульптура Чарльза Ла Тробе в Мельбурне – самый необычный памятник известного человека в мире.

Это классический образец памятника, созданного в честь Чарльза Ла Тробе, первого вице-губернатора штата Виктории. Его деятельность в свое время не была оценена современниками.

Скульптор Деннис Оппенгейм решил исправить это упущение и увековечил память о Ла Тробе. Памятник необычен тем, что поставлен на голову. По задумке автора, так он должен был привлекать больше внимания.

Действительно, необычный памятник «наоборот» быстро стал популярным и знаменитым не только у себя на родине, в Австралии, но и во всем мире.

8. Скульптура странника

Самый необычный памятник в мире, посвященный страннику, находится на побережье Средиземного моря, на берегу бухты Антиб. Он представляет собой восьмиметровую фигуру человека, сидящего на земле, обхватившего колени руками, и задумчиво смотрящего на море. Памятник создан из нескольких тысяч металлических латинских букв и создает ощущение необыкновенной легкости и спокойствия.

Появился этот необычный монумент в 2007 году. Автор – скульптор Жом Планс. Он сказал о своем шедевре, что статуя символизирует свободу. Что касается букв – это тот багаж знаний, чувств и проблем, которыми озабочен «странник».

7. Чиновничья Фемида

Дания может похвастаться самым необычным и несколько шокирующим памятником Фемиде, да не обычной, а чиновничьей. Скульптурная группа состоит из исхудавшего африканца, который несет на себе дородную фигуру богини Фемиды. По замыслу автора, Йенса Галшиота, она символизирует современное индустриальное общество.

6. Светофорное дерево

Светофорное дерево, знаменитая лондонская достопримечательность, уже давно вошло в число самых необычных памятников мира. 75 светофоров украшают 8-метровое дерево.

5. Настольная лампа

Удивительный памятник находится в шведском городе Мальме. Это огромная настольная лампа размером с трехэтажный дом (5,8 метра). В течение года она «путешествует» по улицам и скверам города, а перед Рождеством ее устанавливают на центральной площади. Ножка лампы выполнена в виде скамьи и любой прохожий может отдохнуть под уютным светом гигантского абажура.

4. Кот из Мэриленда

Огромное количество забавных и интересных монументов посвящено животным. Один из самых необычных памятников в мире, изображающий кота, находится в Мэриленде. Ростом с человека, очаровательный кот сидит на скамейке, положив лапу на ее спинку и словно приглашает прохожих посидеть рядом с ним.

3. Феи Робина Уайта

Робин Уайт, британский художник, создает из стали необычные воздушные фигуры сказочных фей. Сначала автор делает каркас будущей скульптуры из толстой проволоки, а затем создает «плоть» феи из более тонкой стальной проволоки. Изящные крылья воздушных созданий – это сетка рабица. Внутрь каждой фигуры художник помещает камень с гравировкой – сердце феи.

Большая часть скульптур расположена в парке Трентам Гарденс в Стаффордшире. Художнику заказывают фей и для частных коллекций – изящные фигурки украсят любой сад или участок.

2. Les Voyageurs

Это один из самых необычных памятников в мире. Точнее, это множество скульптур, объединенных в серию «Путешественники». Их создатель – французский художник Бруно Каталано. Из-за необычной структуры эти памятники носят и другое название – «рваные».

Все они изображают путешественников с неизменным атрибутом в виде чемодана или сумки. Особенность скульптур – рваные дыры в туловище, которые придают им некую иллюзорность и призрачность. Всего автором создано около ста фигур.

Они находятся в больших городах и маленьких поселках, на международных выставках, в торговых центрах и везде гармонично вписываются в окружающую обстановку.

1. Памятник Рене де Шалону

Первое место, как самому необычному памятнику в мире, нужно отдать скульптуре принца Оранского, смертельно раненному при осаде города Сен-Дизье в 1544 году. Перед смертью Рене де Шалон завещал изобразить его так, как он будет выглядеть через несколько лет после смерти. Воля принца была исполнена.

Скульптор Лижье Рише проявил необыкновенное мастерство и точность, создав статую, которая с поразительной достоверностью показывает анатомию полуразложившегося тела. Памятник Рене де Шалону установлен в одной из ниш храма Бар-ле-Дюк и на протяжении нескольких веков изумляет посетителей своим реализмом.

Наша страна по количеству необычных памятников стоит далеко не на последнем месте.

У нас есть памятник счастью, скульптура, созданная в память о букве «ё», которую все реже используют при письме, памятник табурету, кошельку, клизме и терке, фонарщику, студенту, сантехнику, челноку и попрошайке.

Увековечены в скульптуре и любимые литературные и мультипликационные персонажи: котенок с улицы Лизюкова, почтальон Печкин, кот Бегемот и Коровьев.

Источник: https://top10a.ru/top-10-samye-neobychnye-pamyatniki-mira.html

Десять самых необычных памятников на планете (10 фото)

В нашем сегодняшнем списке – самые удивительные и необычные статуи, которые можно встретить в разных уголках мира:

Памятник Рене де Шалону (Бар-ле-Дюк, Франция)

В небольшой церкви французского городка, в одной из ниш храма, можно увидеть статую в виде полуразложившегося трупа, сжимающего сердце в торжественно вытянутой вверх руке. Памятник посвящён принцу Оранскому, Рене де Шалону, который жил в XVI-ом веке. Предчувствуя свою приближающуюся смерть, 25-летний принц завещал изобразить его на надгробии так, как его тело будет выглядеть спустя 3 год после смерти. Скульптор Лижье Рише создал потрясающе точную с точки зрения анатомии статую, которая вот уже более четырёх веков пугает и восхищает посетителей церкви.

«Флоралис Хенерика» (Буэнос-Айрес, Аргентина)

Цветок высотой почти 23 метра и весом 18 тонн, созданный из стали и алюминия, был подарен аргентинской столице архитектором Эдуардо Каталано. После захода солнца его «лепестки» закрываются, и скульптура излучает немного зловещий красный свет. С появлением первых солнечных лучей они раскрываются. По словам автора, скульптура символизирует «надежду, вечную весну и всё живое на нашей планете».

«Заяц» (Нюрнберг, Германия)

Памятник, посвящённый знаменитому гравёру и живописцу Альбрехту Дюреру, был установлен в 1984-ом году перед домом-музеем художника.

«Огромная лампа» (Мальмё, Швеция)

Огромная 6-метровая лампа, установленная на площади Лилла Торг, не только светит, но и умеет «разговаривать». В течение года статуя «путешествует» по разным улицам и закоулкам города, однако к каждому Рождеству возвращается на своё первоначальное место.

«Мама» (Оттава, Канада)

Работа принадлежит американскому скульптору Луизе Буржуа, представившей своё творение на всеобщее обозрение в 1999-ом году. С тех пор бронзовые пауки-мамы с мешками, в которых находятся 26 мраморных яиц-детёнышей, путешествуют по разным странам вместе с передвижными выставками художницы. Самая же большая статуя – 9-метровая бронзовая мать-паук со своим выводком – установлена в Оттаве.

Памятник Чингисхану (Цонжин-Болдог, Монголия)

Статуя исполинских размеров основателя Монгольской империи расположена в часе езды от Улан-Батора. Обшитая нержавеющей сталью, она достигает в высоту 40 м без учёта десятиметрового постамента и считается самой большой конной статуей в мире.

«Истина» (графство Девон, Великобритания)

22-метровая скульптура, созданная английским художником, известным коллекционером Дэмьеном Херстом, установлена на набережной курорта Илфракомб. С одной стороны скульптура выглядит как обнажённая беременная женщина, с другой же стороны с неё художник зачем-то «снял» кожу, превратив практически в анатомическое пособие.

«Большой лобстер» (Кингстон, штат Южная Австралия, Австралия)

Огромный лобстер впечатляющих размеров (высота – 20 м, ширина – 15 м, длина – почти 17 м) расположился близ одного из местных ресторанов. Он настолько популярен среди местных жителей, что даже получил имя – Ларри (что в австралийском английском языке сопоставимо с обращением «сэр»).

Памятник Зигмунду Фрейду (Прага, Чехия)

Статуя «висящего человека», автором которой является чешский скульптор Давид Чёрный, расположена на одной из улочек древней столицы. По словам автора, монумент символизирует борьбу учёного со страхом смерти и собственными фобиями, а также оторванность интеллигенции от народа.

Памятник клизме (Железноводск, Россия)

Железноводск издавна славится своими целебными минеральными источниками и курортами с потрясающей и живописной природой. Почему местные жители решили выразить свою любовь к родному городу установкой именно такого памятника, остаётся загадкой. Большая бронзовая клизма, поддерживаемая тремя херувимами, расположена на территории одного из санаториев. Авторами столь необычного изваяния являются Давид Бегалов и Светлана Авакова, которые, по их словам, вдохновились бессмертным шедевром Сандро Боттичелли «Венера и Марс». Понравился пост? Поделись с друзьями! 🙂

Источник: https://bugaga.ru/pictures/geo/1146744174-desyat-samyh-neobychnyh-pamyatnikov-na-planete.html

Самые невероятные статуи мира

• Давайте посмотрим на самые странные статуи, установленные в разных уголках планеты — от Монголии до Аргентины.
• 1. «Истина», графство Девон, Великобритания

Если вам хочется схватиться за пистолет, когда кто-то говорит о современном искусстве, скорее всего, вы уже знакомы с творениями английского художника и коллекционера Дэмьена Херста. Британца часто критикуют за неоднозначные и шокирующие идеи, которые он воплощает в своих работах — чего стоит скажем, тигровая акула в резервуаре с формальдегидом, или платиновый человеческий череп, инкрустированный бриллиантами.

Несмотря на своеобразные художественные средства, которые использует Херст, его творчество всё же находит своих поклонников — власти английского курорта Илфракомб решили, что никто лучше Херста не сможет украсить их город, в результате чего на набережной появилась «Истина» — 22-метровая «аллегория правды и справедливости» (как назвал её сам Херст), изображающая беременную женщину с мечом в одной руке и весами в другой. Скорее всего, «Истина» бы не попала в список странных статуй, но художнику зачем-то понадобилось «снять» с беременной половину кожи — с одной стороны скульптура выглядит как обнажённая женщина, а с другой больше напоминает анатомическое пособие. Такое видение художника пришлось не по нраву многим жителям Илфракомба, которые обратились к чиновникам с просьбой убрать статую, но большинство горожан высказались в её пользу, так что «Верити» стоит до сих пор.

1. 2. «Гигантская лампа», Мальмё, Швеция
3. Шведский город Мальмё привлекает туристов не только своим необычайно тёплым (по меркам этой северной страны) климатом и архитектурой, но и одним из самых необычных в мире монументов — огромной 6-метровой лампой, которая не только светится, как и положено настоящей лампе, но и способна «разговаривать».
4. В течение года лампа «путешествует» по разным улицам и площадям города, но на каждое Рождество неизменно возвращается к первоначальному месту установки — на площадь Лилла Торг.
5. 3. Памятник клизме, Железноводск, Россия
7. Железноводские курорты издавна славятся целебными минеральными источниками и потрясающей красоты природой, но кто бы мог подумать, что местные жители выразят любовь к родному городу установкой памятника клизме!

Гигантский бронзовый медицинский инструмент, который поддерживают три херувима, установлен на территории одного из санаториев.

Авторы монумента Светлана Авакова и Давид Бегалов утверждают, что идею облика изваяния им подсказал бессмертный шедевр Сандро Боттичелли «Венера и Марс».

Вероятно, лишь просвещённый ум художника может усмотреть связь между огромной клизмой и полотном великого итальянца, тем не менее, памятник быстро стал одной из главных достопримечательностей города и туристы с удовольствием рядом с ним фотографируются.

4. Памятник Зигмунду Фрейду, Прага, Чехия

Представьте себе — вы гуляете по Праге, наслаждаясь прекрасной архитектурой и непередаваемой атмосферой тесных улочек древней столицы Чехии и вдруг видите человека, который зацепившись рукой за металлический штырь, висит на огромной высоте и не подаёт признаков жизни.

Если вы не знакомы с арт-объектами Праги, скорее всего, первой мыслью будет звонок в полицию, где над вами добродушно посмеются и расскажут, что «висящий человек» — не что иное, как памятник выдающемуся психиатру и психоаналитику Зигмунду Фрейду за авторством знаменитого чешского скульптора Давида Чёрного.

• Монумент метафорически изображает борьбу великого учёного с собственными фобиями и страхом смерти, а также оторванность интеллигенции от народа.
• 5. «Большой лобстер», Кингстон, штат Южная Австралия
• Жители Австралии испытывают к странным изваяниям необъяснимую любовь — взять хотя бы расположенный в Мельбурне памятник вице-губернатору штата Виктория Чарльзу Ла Тробу, который скульптор поставил буквально с ног на голову, памятник кошельку в том же городе, или монумент в виде топора в штате Новый Южный Уэльс.

Громадный лобстер высотой около 20 м, шириной 15 м и длиной почти 17 м, установленный возле одного из ресторанов Кингстона, необычен даже по меркам культурных традиций австралийских антиподов.

Несмотря на очевидную гротескность и аляповатость изваяния, лобстер пользуется популярностью у окрестных жителей, они даже прозвали его Ларри — в австралийском английском это имя равноценно обращению «сэр».

1. 6. «Заяц», Нюрнберг, Германия
3. Скульптура, установленная в старинном немецком городке в 1984-м году — вероятно, один из самых странных памятников знаменитому живописцу и гравёру Альбрехту Дюреру.

Злобное чудовище, «притаившееся» перед домом-музеем художника, отдалённо напоминает милого пушистого зайца с рисунка, выполненного Дюрером в начале XVI-го века. Видимо, чтобы подчеркнуть контраст между зайцем Дюрера и монстром в стиле современного авангардизма, художник поместил рядом со своим зайцем маленькую, но довольно точную копию животного, изображённого великим уроженцем Нюрнберга.

7. «Флоралис Хенерика», Буэнос-Айрес, Аргентина

Под этим красивым именем скрывается не слишком приятный взгляду 18-тонный цветок из алюминия и стали, подаренный столице Аргентины архитектором Эдуардо Каталано.

Несмотря на странноватые пропорции этого металлического «растения» высотой около 23 м, в определённые часы наблюдать за «цветком» довольно интересно — в тёмное время суток его «лепестки» закрываются, а с восходом солнца открываются, кроме того, ночью скульптура излучает несколько зловещий красный свет, напоминающий секретное оружие злодеев из комиксов.

По словам Эдуардо, скульптура олицетворяет собой «надежду, вечную весну и всё живое на нашей планете». Очевидцы утверждают, что даже если знать о замысле архитектора, при взгляде на изваяние всё равно кажется, что из центра «цветка» в небо вот-вот ударит лазерный луч.

8. Памятник Рене де Шалону, Бар-ле-Дюк, Франция

Небольшая церковь одного французских городов практически ничем не отличается десятков других католических храмов — кресты, статуи святых, картины — весь набор стандартных туристических достопримечательностей.

Однако, есть в церки Бар-ле-Дюк монумент, который удивляет и даже шокирует не сведущих в истории Фрации посетителей — в одной из ниш храма установлен… полуразложившийся труп, сжимающий в торжественно вытянутой вверх руке своё сердце.

Статуя посвящена Рене де Шалону, принцу Оранскому, жившему в XVI-м веке. Согласно легенде, молодой человек чувствовал, что погибнет, когда ему не будет ещё и 30-ти и завещал изобразить на надгробии, как он будет выглядеть через три года после смерти.

Предчувствие не подвело юношу — в одном из походов 25-летний принц получил смертельное огнестрельное ранение и через некоторое время умер, после чего скульптору Лижье Рише оставалось только исполнить волю покойного.

Его потрясающе точная с точки зрения анатомии работа вот уже более 400 лет заставляет посетителей церкви чувствовать себя как-то неуютно — в самом деле, подобная скульптура больше подошла бы анатомическому музею, или больнице, но никак не храму Божьему.

• 9. Статуя Чингисхана, Цонжин-Болдог, Монголия
• В часе езды от монгольской столицы расположен чудовищного размера истукан, который в пустынной степи выглядит столь же странно как если бы Статую Свободы водрузили посреди лунного пейзажа.

Чингисхан, оседлавший любимого скакуна, спокойно и грозно взирает на земли, которыми владел его исторический прототип, как бы намекая, что ни одному из правителей древности и современности не сравняться с основателем Монгольской империи в величественности и политическом весе. Скульптура обшита нержавеющей сталью, при этом её высота достигает 40 метров, не считая 10-метрового постамента — неудивительно, что монумент считается крупнейшей конной статуей в мире.

1. 10. «Мамаша», Оттава, Канада
2. К вопросу о пресловутом «взгляде художника» — если при слове «мама» вам сразу представляется паучиха с выводком детёнышей, работы американского скульптора Луизы Буржуа несомненно, придутся вам по вкусу.

С момента первого появления на широкой публике в 1999-м году, на одном из мероприятий в «Tate Museum of Modern Art» — британской галерее современного искусства, «пауки» Буржуа успели расползтись по всему миру.

Одна из самых крупных статуй подобного рода, установленная в канадском городе Оттава, представляет собой бронзового паука высотой более 9 метров и 26 паучьих яиц из мрамора.

Другие «паучьи» скульптуры, размером поменьше, являются частью нескольких передвижных выставок художницы, а это значит, в скором времени одна из «Мамаш» может посетить и ваш город.

Источник: https://ribalych.ru/2014/06/11/samye-neveroyatnye-statui-mira/

15 самых необычных скульптур со всего мира

• Я перестала жертвовать собой, чтобы мой сын вырос без чувства вины
• Я год ходила на быстрые свидания и готова ответить, почему мужчины выбирают этот способ знакомства
• 10 причудливых изобретений для тех, кто готов ради похудения на все, кроме диеты и спорта
• 15 важных правил, которые родители новорожденных хотели бы узнать как можно раньше
• 20 непостижимых фактов, которые раз и навсегда изменят ваше представление о собственном теле
• Эстетический ликбез: 8 простых характеристик, после которых вы сразу уясните, что такое импрессионизм
• 17 твитов от сотрудника зоомагазина о том, чем отличаются корма для домашних животных
• 20+ человек, чья смекалка заслуживает миллиона лайков
• Бывшая сотрудница McDonald’s рассказала о своей работе и развеяла мифы о фастфуде
• 20+ остроумных высказываний членов королевской семьи, у которых британский юмор в крови
• 25 брутальных мужчин, которые когда-то были против домашних животных
• Почему у хороших людей получается плохой брак и как это исправить. Советы психолога по сохранению крепких отношений
• 11 обычных вещей, скрытые возможности которых большинство не использует. А зря
• 12 книжных персонажей, за которыми скрываются реальные люди
• Пользователи сети рассказали об очевидных вещах, которые многие люди почему-то не знают или игнорируют
• 30+ фактов о Рэе Брэдбери — гениальном писателе, который даже не учился в колледже

Источник: https://www.adme.ru/svoboda-kultura/15-samyh-neobychnyh-skulptur-so-vsego-mira-1025660/

25 необычных скульптур, о которых вы, возможно, не знали

Перефразируя немецкого теоретика искусства Фридриха Вильгельма Йозефа Шеллинга, можно сказать, что скульптура — это музыка, застывшая в камне. Пока миллионы туристов фотографируются на фоне всемирно известных шедевров Бернини, Микеланджело и Родена, мы предлагаем вам подборку из 25 менее известных, но заслуживающих внимания каменных, бронзовых и стальных изваяний.

Забавные и милые, местами странные и пугающие, они поднимают настроение прохожим и делают города, в которых находятся, немного необычнее.

Мустанги Лас-Колинаса в городе Ирвинг (штат Техас, США)

Это одна из самых больших скульптурных групп лошадей в мире. Она символизирует динамику и раскрепощенный дух, которые были присущи Техасу в период его освоения.

Раскрытие (Expan­sion), Нью-Йорк, США

Автор так комментирует эту скульптуру: «С момента нашего рождения мир предлагает нам готовую оболочку, в которую мы должны вписаться: номер социального страхования, пол, расу, профессию. Я подумала: что же мы есть на самом деле — эта внешняя оболочка, в которой мы живем, или то, что под ней, внутри каждого из нас? Узнаем ли мы себя, если выйдем за пределы нашего тела?»

Памятник неизвестному прохожему, Вроцлав, Польша

Скульптура символизирует подавление личности во времена коммунизма и подпольную антикоммунистическую деятельность поляков в 1980‑х годах.

Лосось, Портланд, США

Портланд — это крупный портовый город, а эта рыбка привлекает посетителей в один из его самых известных ресторанов.

Люди у реки, Сингапур

Автор этой композиции Чонг Фах Чонг (Chong Fah Cheong) известен большим количеством скульптур, изображающих людей, которые живут и работают на берегу реки Сингапур.

Обувь на берегу Дуная, Будапешт, Венгрия

Скульптура увековечила память евреев, убитых фашистами в Будапеште во время Второй мировой войны. Им приказали снять обувь и расстреляли у воды. Тела жертв упали в реку и были унесены течением. В напоминание о трагедии осталась только обувь.

Скульптура «Нет насилию» (также известная как «Завязанный узлом пистолет»), Нью-Йорк, США

Была создана шведским художником Карлом Фредриком Рейтерсвордом (Carl Fredrik Reuter­swärd) в конце 1980 года в память об убийстве Джона Леннона, который был другом скульптора.

Вырваться из оков (Break through from your mold), Филадельфия, США

Эта композиция символизирует стремление к бессмертию. 4 фигуры — это один и тот же человек, который постепенно пробуждается ото сна, сбрасывает оковы и вырывается навстречу вечной жизни.

Черное привидение (Juo­da­sis Vaid­uok­lis), Клайпеда, Литва

Согласно легенде, в 1595 году один из охранников замка Клайпеды увидел призрака, который предупредил охранника, что городу нужно увеличить запасы зерна и древесины. Сказав это, дух испарился. Считается, что, если подружиться со сверхъестественным существом, это принесет богатство и удачу.

Путешественники (Les voyageurs), Марсель, Франция

Серия скульптур француза Бруно Каталано (Bruno Cata­lano) была установлена в порту Марселя в 2013 году. У каждой фигуры отсутствует значительная часть тела. Остается только догадываться о причинах такой пустоты: потому ли это, что этим людям чего-то не хватает, или просто они оставили где-то часть своей души во время путешествий?

Мемориал Нельсона Манделы, Южная Африка

Композиция была установлена в честь 50‑й годовщины ареста борца за права человека в период существования апартеида. Памятник воздвигнут там, где арестовали Манделу, и состоит из 50 стальных колонн, символизирующих тюремную решетку, за которой 8‑го президента ЮАР держали в течение 27 лет.

De Vaartkapoen, Брюссель, Бельгия

Созданная в 1985 году, эта шутливая статуя показывает полицейского, споткнувшегося о злоумышленника, который скрывался в канализационном люке.

Перегон скота, Даллас, США

Маман (гигантский паук), Лондон, Великобритания

Бронзовая скульптура гигантского паука находится в галерее современного искусства Тейт Модерн.

Гиппопотамы, Тайбэй, Тайвань

Тонущее здание у Государственной библиотеки, Мельбурн, Австралия

Парк игуан, Амстердам, Нидерланды

Наблюдатель, Братислава, Словакия

На английском языке эта скульптура называется «Рабочий», однако ее название со словацкого переводится как «наблюдатель». Этот бронзовый сантехник наблюдает за прохожими прямо из канализационного люка. Туристы верят, что если потереть руку скульптуры, то все желания исполнятся.

Михай Эминеску, Онешти, Румыния

Памятник классику румынской литературы.

Эпизод Первой мировой войны с фигурами солдат в полный рост, Эджеабат, Турция

В годы Первой мировой войны на территории района шли сухопутные сражения Дарданелльской операции.

Висящий человек, Прага, Чехия

Кого бы, вы думали, изображает эта скульптура? Как ни странно, это основатель психоанализа Зигмунд Фрейд. Скульптор Давид Черны (David Černý) создал это произведение в ответ на вопрос о том, какую роль интеллектуалы будут играть в новом тысячелетии. По словам автора, основатель психоанализа — это воплощение интеллектуала 20-го века.

Келпи, Грейнджмут (Grange­mouth), Великобритания

Келпи в шотландской мифологии — враждебный людям водяной дух, обитающий во многих реках и озерах. Он является в облике пасущегося у воды коня, однако может превращаться в морского ящера, и поэтому его часто ассоциируют с лох-несским чудовищем.

Свиньи перед торговым центром Run­dle Mall, Аделаида, Австралия

Хрюшек зовут Оливер, Августа, Горацио и Трюфель.

Неизвестный чиновник, Рейкьявик, Исландия

Пожалуй, единственная статуя в мире, посвященная безликой бюрократической работе.

Хедингтонская акула, Оксфорд, Англия

Созданная скульптором Джоном Бакли акула вызвала много споров, когда впервые появилась на публике. Оксфордский городской совет попытался снять ее со здания из соображений безопасности, а затем на том основании, что он не давал разрешение на планировочные работы для установки статуи акулы. Было предложено переместить ее в местный бассейн, но многие местные жители поддержали идею оставить акулу на здании. Кстати, смысл скульптуры гораздо глубже, чем может показаться на первый взгляд: она была установлена​к 41‑й годовщине падения атомной бомбы на Нагасаки. В некотором смысле акула изображает красивую, но потенциально смертельную ракету.

Смотрите также: 16 сексуальных фантазий, воплощенных в скульптурах

Источник

А вы знали, что у нас есть Instagram и Telegram?

Подписывайтесь, если вы ценитель красивых фото и интересных историй!

#Современная скульптура. Интервью с Андреем Егоровым

 

 

Колонка арт-обозревателя журнала Ольги Серегиной о самых ярких выставках и арт-событиях города на этой неделе.

Эмми Америка. Съемка для ЖК
«Береговой». 2020 Предоставлено
автором

22.04.21. В Третьяковской галерее открыт выставочный проект «Мечты о Свободе. Романтизм в России и Германии». Хронологические рамки эпохи романтизма принято соотносить с двумя датами – 1789 и 1848 годами, когда история развивалась так стремительно, что породило новое чувство жизни и времени. Неполные 60 лет вместили в себя Великую французскую революцию, Наполеоновские войны, череду революционных выступлений – события, не только изменившие весь мировой порядок, но и сформировавшие новое художественное мышление, новый тип человека, героя и творца. Для Германии и России это время стало золотым веком, периодом интенсивного художественного развития, формирования того, что можно назвать национальными художественными школами. Для русских мастеров Дрезден был важнейшей точкой на культурной карте Европы.  На выставке в Третьяковской галерее показаны шедевры мирового уровня из десятков немецких и российских собраний. Они раскрывают романтизм как художественное направление во всей многогранности, обозначив точки сближения и различия в искусстве России и Германии. Пространство выставки выстроено как лабиринт. В экспозиции семь разделов – «Невозможность свободы», «Родина», «Внутренний мир», «Детство», «Кабинет», «Протагонисты», «Свобода». Архитектурное решение выставки, отражающее нелинейность и непредсказуемость человеческой жизни, разработано американским архитектором Даниэлем Либескиндом. В центре экспозиции – четыре главных художника русского и немецкого романтизма: Алексей Венецианов, Александр Иванов, Каспар Давид Фридрих и Карл Густав Карус. Каждый из них прошел свой путь, достигнув в творчестве подлинной внутренней свободы. Эпоха романтизма в культуре Европы сыграла важнейшую роль в формировании самосознания современной творческой личности, современного способа художественного мышления. Поэтому завершающим акцентом каждого из разделов выставки стало произведение одного из крупных современных художников, в которых прослеживается связь с философским мировоззрением той эпохи – работы Гвидо ван дер Верве, Билла Виолы, Джеймса Таррелла, Николая Полисского, Хироси Сугимото, Андрея Кузькина, Сьюзен Филипс, Вольфганга Тильманса.  Проект включает обширную культурно-просветительскую программу. Специально к выставке подготовлено фундаментальное иллюстрированное издание. «Мечты о Свободе. Романтизм в России и Германии».  Проект был разработан в сотрудничестве с Государственными художественными собраниями Дрездена. Выставка работает по 08.08.21.

Фотографии Cabinet de l’art

 

22.04.21. Музей АРТ4 представил персональный проект Василия Кононова-Гредина «Русская смерть» – исследование значения смерти в русской культуре. Даже в условиях глобализации отношение к смерти, ритуалу и обряду сохраняется, как сакральное; отношение к смерти у каждого народа разное, и в этом отношении раскрывается его идентичность. Изучая отношение к смерти, мы приближаемся к пониманию духа народа. На примере Архангельской, Вологодской и Кировской областей проект осмысляет те процессы, которые происходили и происходят с народом в последние сто лет. В данное время мы наблюдаем за смертью русского Севера. С 17 лет Кононов-Гредин ходит в этнографические экспедиции с Центром русской культуры и письменности «Мир», посещая те места, которые были заброшены 30 лет назад.  Проект реализован при поддержке Мультимедиа Арт Музея, Москва. Выставка работает до 05.06.21.

Василий Кононов-Гредин. Эскиз проекта _Русская смерть_

Фотографии предоставлены Музеем АРТ4

 

23.04.21. В ГРАУНД Солянке галерея JART представила новые абстрактные работы Димы Горбунова. В выставочном пространстве галереи JART, в те же даты, открыта экспозиция ранних фигуративных работ художника. Дима Горбунов входит в ТОП-100 признанных молодых художников по мнению аналитической платформы о современном российском искусстве INART. Абстрактная живопись для художника стала своего рода скрупулезным исследованием, будь то изучение влияния искусства на мозг человека или природы живописного мазка. Художник разбивает живопись на молекулы и атомы, и обнажает саму структуру живописной работы – холст и краски выходят на первый план. Однако не форма, а сам мазок становится объектом материализации. В представленной новой серии «МАЖ» мазки сопровождают иллюзорные тени, которые создают эффект оторванности мазков от холста, усиливая их материальность и роль героя повествования. Картины напоминают комиксы с участием мазков-персонажей. «МАЖ» – это игра с аудиторией, ирония над публикой – все работы созданы в компьютерной программе и только потом перенесены на холст. Взрыв ли это чувств художника или его холодный цифровой расчет? – МАЖ – это мираж, как быстроменяющийся мир и наши представления о «прекрасном», о «живописи», о «художнике» и об «искусстве» в целом. Куратор: Катя Бочавар. Выставка «МАЖ» в ГРАУНД Солянке работает по 13.05.21.

Скульптурный объект Димы Горбунова из серии МАЖ

Фотографии предоставлены галереей JART

23.04.21 В арт-пространстве Cube.Moscow состоялось открытие новой галереи, ставшей резидентом Cube. HIDE GALLERY основана молодой художницей Азизой. Новая галерея ставит своими главными задачами: знакомить российскую публику с прогрессивными зарубежными художниками и поддерживать российских авторов, близких по духу. На первой выставке представлены работы британского художника Ричи Кульвера, бельгийского Альберта Вильема и основательницы галереи Азизы. Выставка работает до 01.06.21.

Азиза

Фотографии Cabinet de l’art

 

 23.04.21. Галерея BIS ART представила персональную выставку художницы Яны Ризнык «Арт&Факты». Ностальгия по временам, в которых ты не жил, явление не новое в живописи. Искусство итальянского Ренессанса во многом опиралось на представление об античности, основанное на сохранившихся артефактах. Выставка Яны Ризнык посвящена временам, в которые она не жила, а вместо артефактов она использует советские бытовые приборы и автомобили. Посыл, транслируемый художницей в двух циклах ее работ «Ретрогаджеты» и «Рожденные в СССР», строится на всем знакомых образах, которые становятся визуальными катализаторами, пробуждая в нас сложную цепочку ассоциаций и отсылок. Выставка работает до 08.05.21.

Фотографии предоставлены BIS ART

24.04.21. Omelchenko Gallery представила групповую выставку «Визуальный код будущего». Cегодня цифровое искусство, ведомое технологиями, получило новый виток развития. Художники, представленные на выставке, перенесли логику распространения информации, ее восприятия и визуальную эстетику глобальной сети на физические объекты. Авторы рассуждают о том, как изменились отношения внутри общества после глобального распространения Интернета, как на мировоззрение влияют социальные сети, какие аффекты вызывает непрерывный доступ в Интернет. Современные художники используют в качестве основного художественного приема различные системы, кодирующие информацию в разнообразных модальностях: визуальной, звуковой, вербальной и цифровой – технологии трансформируют не только процесс создания искусства, но расширяют и меняют поле его восприятия. Выставка работает до 30.04.21.

Автор работы: Анастасия Свиридова

Фотографии предоставлены Omelchenko Gallery

25.04.21. В рамках Открытого фестиваля искусств «Черешневый Лес» в музее «Царицыно» открылась выставка уникальных экспонатов из музеев Венеции – в этом году один из красивейших и удивительных городов мира отмечает важную юбилейную дату – Венеции исполняется 1600 лет. Выставка «Под маской Венеции» посвящена многогранной венецианской культуре XVIII века. На выставке в музее-заповеднике «Царицыно» в Хлебном доме представлены экспонаты из собраний Дворца дожей, музеев Коррер и Ка’Реццонико (Музей Венеции XVIII века), Музея стекла на острове Мурано и палаццо Мочениго (Музей тканей и костюмов). В Москву привезли карнавальные маски, костюмы знатных горожан, муранское стекло, посуду, железный нос гондолы XVII века, гравюры и картины Пьетро Лонги с изображением сцен из повседневной жизни Венеции и даже азартные игры из венецианских игорных домов. Экспозиция дополнена предметами из коллекций ГМИИ им. А.С. Пушкина, Государственного исторического музея, музея-усадьбы «Архангельское» и многих других. «Царицынский дворец изначально был задуман как праздничная резиденция, где звучит музыка и сверкают фейерверки – всё это созвучно настроению венецианского карнавала, декор и причудливые формы построек Василия Баженова перекликаются с деталями палаццо на берегах Большого канала. Мы мечтали, что венецианская сказка будет рассказана именно в нашем музее. И эти мечты сбылись!» – Елизавета Фокина, генеральный директор музея-заповедника «Царицыно». Бюро PS Culture спроектировало выставочное пространство так, что каждый новый зал – это новая сценография и новые театральные декорации. Композиция выставки позволяет выбрать один из двух маршрутов – двух вариантов отношений с городом человека, оказавшегося в Венецианской республике XVIII века. Специальным разделом выставки стала парфюмерная экспозиция: ароматы восточных пряностей, кожи, амбры и сандала, созданная совместно с брендом Acqua di Parma. Куратор выставки: Дарья Колпашникова (музей-заповедник «Царицыно») и Кьяра Скуарчина (Фонд городских музеев Венеции). Архитектор выставки: Юлия Наполова (бюро PS Culture). Выставка работает до 29.08.21.

Карнавальные маски «ларва»
Италия, Венеция
Вторая половина XVIII века
Холст, клей, гипс, краска, папье-маше
Фонд городских музеев Венеции, Музей палаццо Мочениго, Центр истории текстиля
и костюмов

Фотографии предоставлены pr-службой музея «Царицыно»

 

26.04.21. В Музее архитектуры открылась первая в его истории ювелирная выставка «Epic Jewellery От мостов к архитектуре космоса». Украшения Epic Jewellery – искусство и одновременно – сложные технические разработки (среди которых есть фирменные и патентованные). Бренд работает с необычными материалами (титан, алюминий, карбон) и воплощает проекты на стыке науки и искусства. Экспозиция на третьем этаже пространства «Руина» посвящена связи ювелирных украшений и архитектуры, а также связи украшений и современного искусства. Представлены работы современных художников, с которыми сотрудничает бренд. Это картины на титане Жан-Кристофа Куэ, созданная специально для выставки работа Ирины Петраковой, кубок-наутилус Ильи Федотова-Федорова. Сопровождает выставку музыка, специально записанная для экспозиции композитором и музыкантом Александром Болдачевым. Выставка работает до 23.05.21.

Фотографии Cabinet de l’art

 

27.04.21. Галерея ГУМ-Red-Line на Красной площади представила свой выставочный проект «Головач Сопромат». В экспозиции – работы медиахудожника Сержа Головача, входящего в рейтинг InArt «Топ-100 признанных российских современных художников». Куратор проекта: Сергей Хачатуров. Также в выставочном проекте принимает участие пианист Дмитрий Шишкин – исполнитель нового поколения. Представленный проект – это своеобразная художественная лаборатория, в которой автор исследует природу материалов, фотографии и творчества в целом, материальное воплощение манифеста автора «Материальная фотография». На выставке представлены варианты диалога художника с разными материалами: сталью, деревом, тканью, металлом, камнем и бумагой., в котором он размышляет о природе фотографии и возможностях ее трансформации в материальный объект. Особая часть экспозиции – серия работ «Игра без клавиш», на которых в намеренно традиционной технике запечатлены руки пианиста Дмитрия Шишкина. Именно он стал проводником на музыкальной волне по миру сопромата Сержа Головача 27 апреля, выступив с концертом в пространстве экспозиции. На протяжении выставки состоятся паблик-токи с участием художника и куратора Сергея Хачатурова и несколько авторских экскурсий. Расписание специальной программы к выставке – на сайте и в социальных сетях галереи ГУМ-Red-Line. Выставка работает до 22.06.21.

Серж Головач Серия «Игра без клавиш». Пианист Дмитрий Шишкин, 2021

Фотографии предоставлены галереей ГУМ-Red-Line

 

27.04.21 В  Мультимедиа Арт Музей, Москва состоялось открытие XII МОСКОВСКОЙ МЕЖДУНАРОДНОЙ БИЕННАЛЕ «МОДА И СТИЛЬ В ФОТОГРАФИИ – 2021»

В рамках XII Московской международной биеннале «Мода и стиль в фотографии – 2021» МАММ представил:

–  персональную выставку российского фэшн-фотографа Юлии Майоровой «Режим тишины». Куратор выставки: Ольга Свиблова. Юлия Майорова работает в жанре портретной фотографии, в ее портфолио такие мировые звезды, как Николь Кидман, Дженнифер Лопес, Синди Кроуфорд, Джордж Клуни, Джон Гальяно, Аниш Капур, Анна Суи и многие другие. «Для такого сотрудничества необходимо быть соразмерным уровню этих звезд, видеть и открывать в людях то, что им присуще, но нечасто артикулируется. В своих портретах Юля как раз раскрывает момент внутренней тишины. Часто она «нарушает» техническое задание, сформулированное издательствами и брендами. Это рискованно и смело для молодого автора, но, безусловно амбициозно – ведь в истории фотографии как части истории искусства остаются именно люди, расширяющие границы и выходящие за рамки стандартов» –  Ольга Свиблова, куратор выставки и директор Мультимедиа Арт Музея, Москва. Выставка работает по 20.06.21.

Юлия Майорова. Mujuice, обложка альбома Regress.
Москва, 2019

 

 

_____________________________________________________________

– проект знаменитого американского фотографа-документалиста и режиссера Лорен Гринфилд «Одержимые успехом» – масштабное двадцатипятилетнее исследование, включающее более 200 фотографий, несколько документальных фильмов и множество интервью. Путешествуя по всему миру – от США до России и Китая – Лорен Гринфилд наблюдала за трансформацией наших представлений о счастье и изучала идеалы, стереотипы, механизмы и культурные коды современного общества потребления. Кураторами выставки «Одержимые успехом» выступают сама Лорен Гринфилд и Труди Уилнер Стэк. Впервые выставка была организована и представлена в Annenberg Space for Photography в Лос-Анджелесе в мае 2017 года. Московская версия выставки подготовлена совместно с куратором Анной Зайцевой. Выставка работает по 27.06.21.

_____________________________________________________________

 

 – выставку Эмми Америка «crazy это сразу». Узнаваемый стиль и неординарный подход к фэшн-съемкам сделали Эмми одним из самых востребованных современных фотографов. Ее снимки размывают грань между коммерческой и художественной фотографией, а каждая рекламная кампания становится самостоятельной новеллой с тщательно продуманной эстетикой и сюжетом. Визуальный язык Эмми Америка сложился под влиянием кинематографа. На съемочной площадке она действует как режиссер-постановщик. Эмми принципиально снимает только на пленку. Эмми Америка в свои 25 лет выставкой в МАММ подытоживает определенный этап своего творчества. Сегодня фокус внимания художницы все чаще направлен на социально-документальную фотографию, перформативное искусство и эксперименты с различными медиа. «Очень легко пойти на поводу у востребованности и закоснеть в своем стиле. Важно продолжать расти» – Эмми. Выставка работает по 20.06.21.

Эмми Америка. Съемка для ЖК «Береговой». 2020. Предоставлено автором

Эмми Америка. Съемка для ЖК «Береговой». 2020 Предоставлено автором

– выставку Бориса Назаренко – одного из самых ярких представителей современной стрит-фотографии, известного своими эмоциональными и ироничными снимками повседневной городской жизни. В экспозиции представлены работы Назаренко двух последних десятилетий его творчества. Его снимки – результат остроумной игры воображения и наблюдения. Ему блестяще удается предвосхитить зарождение и развитие истории, почувствовать «решающий момент» и за долю секунды запечатлеть его в одном кадре. Это редкое умение делает Назаренко превосходным мастером спонтанной, непостановочной фотографии. Сам он называет свои работы «импровизациями». «Я не мыслю сериями, для этого есть кинематограф, я мыслю одним кадром, с которого все начинается и на нем же заканчивается» – Назаренко. Выставка работает до 20.06.21.

Борис Назаренко. Nicosia. 2018. Цифровая печать. Собрание Мультимедиа Арт Музея, Москва

 

27.04.21. Московский музей современного искусства и театр «Современник» представили совместный выставочный проект «Современник. Начало», приуроченный к 65-летию прославленного театра. Основанный в 1956 году группой недавних выпускников Школы-студии МХАТ, объединившихся вокруг Олега Ефремова, как демократичная «Студия молодых актеров», театр стал одним из самых заметных культурных явлений хрущевской оттепели. Уже в 1958-м он обрел свое название, выразившее кредо его создателей – «двигаться вперед вместе с жизнью» и вместе со зрителем. За прошедшие с тех пор десятилетия «Современник», которым с 1972 по 2019 годы руководила Галина Волчек, показал более ста премьер, прочно утвердив свое место на театральной карте Москвы. Масштабная выставка в MMOMA – не театроведческая экспозиция в привычном смысле, но своего рода оммаж, музейное посвящение раннему, легендарному «Современнику». Это единая документально-художественная инсталляция, в которой встречаются два измерения культуры и два времени: театральная история и современное искусство, прошлое и настоящее. Театр и сегодняшние художники вместе приглашают зрителя к размышлению о сути современности – изменчивой, ускользающей и при этом неизбежно распахнутой в будущее. «Театральная» часть экспозиции рассказывает о начальном периоде «Современника» и предлагает вспомнить семь знаковых спектаклей первых лет, которые сформировали его особый, узнаваемый метод и стиль: «Вечно живые» (1956 г.), «В поисках радости» (1957 г.), «Матросская тишина» (1958 г.), «Никто» (1958 г.), «Пять вечеров» (1959 г.), «Голый король» (1960 г.), «Двое на качелях» (1962 г.). По принципу контрапункта в экспозицию включены работы семи московских художников – наших современников: Елены Артеменко, Яна Гинзбурга, Евгения Гранильщикова, Екатерины Муромцевой, Егора Плотникова, Анны Ротаенко и Егора Федоричева – работающих с образами, темами и смыслами актуальными именно для нашего времени. Своеобразным эхом они откликаются на те вопросы, те этические и эстетические коллизии, которые более полувека назад волновали молодых создателей «Современника». Художественный руководитель проекта: Виктор Рыжаков. Автор художественной концепции, архитектор, куратор: Алексей Трегубов. Кураторы: Анна Арутюнян, Андрей Егоров. Куратор-театровед: Елизавета Спиваковская. Научный консультант: Татьяна Прасолова. Выставка работает до 30.05.21.

Зрители у здания театра Современник на пл. Маяковского (Архив театра Современник)

Фотографии предоставлены pr-службой ММОМА

28.04.21. Государственная Третьяковская галерея совместно с галереей «Триумф» представили выставку Таисии Коротковой «Темный лес». Таисия Короткова затрагивает сложную и актуальную тему взаимоотношений человека и науки, обращается к проблемам, связанным с освоением космоса, новейшими технологиями репродукции человека и наследием советской ядерной эпохи. Отправной точкой для создания проекта «Темный лес» стали блоги сталкеров, которые описывают свои походы на заброшенные промышленные объекты в жанре, близком к фольклору. В поисках приключений сталкеры отправляются в лес, где, преодолевая трудности и опасности, приобретают особый опыт. В серии панорамной графики «Темный лес» секретные постройки, созданные преимущественно во время холодной войны и после нее, оплетены деревьями, травами и кустарниками. Эти испытательные сооружения напоминают одновременно ритуальные пирамиды наших предков и обретения будущего и научной фантастики. Таисия Короткова, работая над созданием серии «Темный лес», обращается к использованию необычного материала – клееных скатертей. Отсылающие к ритуалу гостеприимства, ответственность за который в традиционном обществе принадлежит женщинам, они становятся изнанкой военизированного «мужского» мира, продуцирующего оружие. На выставке представлено более 30 работ Таисии Коротковой, выполненных в различных техниках. Выставка проходит при поддержке Группы ЭкоЛайн, ведущего оператора по обращению с отходами в Московском регионе, который не только создал современный цикл работы с сортировкой и переработкой отходов, но и активно продвигает инициативы по сокращению отходообразования и экопросвещению. Выставка работает в Новой Третьяковке, Западное крыло по 13.06.21.

Таисия Короткова

Фотографии предоставлены галереей «Триумф»

28.04.21. Музей Москвы представил выставку «Уют и Разум. Фрагменты художественной жизни Москвы 90-х». Проект реконструирует художественную жизнь Москвы первого постсоветского десятилетия. В залах музея представлено более 200 произведений 1990-х годов: от живописи и графики до видеоарта и инсталляций. Многие работы выставлены впервые, а нереализованные ранее инсталляции выстроены по чертежам художников. Основа экспозиции – работы художественных групп «Инспекция “Медицинская герменевтика”», «Облачная Комиссия», «Россия», «ТаРТу», «ФенСо», «Четвертая высота». Участники этих объединений относятся к младшему поколению московских концептуалистов, которое сформировалось к концу 1980-х годов. Художники этого круга стали уделять больше внимания интересам отдельной личности. Ведущим мотивом выставки в Музее Москвы становится сон, который художники этого направления считали высшим проявлением личной свободы. Название выставки заимствовано из текста «Уют и Разум» 1994 года, в котором писатель, теоретик и сооснователь группы «Инспекция “Медицинская герменевтика”» Павел Пепперштейн размышляет о силе языка – важной категории в творчестве представленных художественных групп. Экспозиция поделена на две условные части: пространство «Уюта», где размещены произведения художников, и пространство «Разума», где можно увидеть артефакты художественной жизни 90-х – фотографии, афиши, приглашения и каталоги выставок. Заглавным изображением афиши выставки стал рисунок одного из бланков «Облачной Комиссии» – самой многочисленной художественной группы 90-х, в которую вошли почти полторы сотни участников, в том числе и члены других групп: Павел Пепперштейн, Сергей Ануфриев и Владимир Фёдоров из «Инспекции “Медицинская герменевтика”», Антон Смирнский и Антон Черняк из «ФенСо», Иван Дмитриев из «России», Александр Мареев, Сергей Шутов, Владислав Мамышев-Монро и многие другие. Образ облаков связан с мечтами и фантазиями и созвучен сну. Также на афише можно увидеть листья, которые вдохновлены холстами еще одного участника «Облачной Комиссии» – Владимира Могилевского. В инсталляции «Осень Средневековья» он перенес древа королевских династий на холсты, превратив их в цветные деревья. «Уют и Разум» – первый дипломный проект из серии выставок в рамках совместной магистерской программы НИУ ВШЭ и Музея современного искусства «Гараж» «Практики кураторства в современном искусстве», над которым работали студенты первого набора Дарья Тишкова, Иван Карамнов, Елена Бугакова и Таисия Струкова. Параллельно выставке пройдет публичная образовательная программа. На лекциях, дискуссиях и экскурсиях можно будет больше узнать о феномене групп 90-х и творчестве отдельных художников. Программа на сайте музея. Выставка работает до 04.07.21.

Фотографии предоставлены pr-службой Музея Москвы

29.04.21. Галерея Art–Office Gallery Fedini представила персональную выставку Елены Зимы «Магия Зимы».  Елена Зима в своих работах выстраивает тему взаимодействия света, тени и персонажей. Вдохновившись природой, она создала свой индивидуальный творческий стиль в рамках магического реализма и наделила полотна многочисленными образами.  Используя светотень, художник заполняет пейзажи и природные поверхности некими призраками, которые неожиданно появляются и растворяются перед зрителем. На выставке представлены как ранее экспонированные картины, так и новые работы. Выставка работает по 23.05.21.

Елена Зима «Темная ввода»

Фотографии предоставлены Art–Office Gallery Fedini

Автор || Ольга Серегина,
арт-обозреватель

Самые дорогие скульптуры мира. Рейтинг

Бытует мнение, что скульптуры всегда дешевле, чем картины… Это не так. Трехмерные произведения тоже способны приносить просто сногсшибательные суммы!

Принято считать, что самые крупные сделки на арт-рынке заключаются при продаже картин. Как правило, так оно и есть, однако из всякого правила есть исключения. Трехмерные произведения, в частности скульптуры и инсталляции, тоже уверенно бьют ценовые рекорды. Приводимый ниже список самой дорогой скульптуры по большей части опирается на проверяемые аукционные продажи, как это у нас обычно принято. Но на этот раз мы все же сделали два исключения, добавив в список платиновый череп «За любовь Господа» работы Дэмиана Херста и «Три грации» Антонио Кановы. Пусть сделки прошли не на аукционах, но тем не менее стали публичными и точно не остались незамеченными арт-рынком.  

Аукционные результаты даны с учетом комиссии покупателя Buyer’s Premium. Для удобства мы перевели их (а также эстимейты) в доллары США по курсу на дату продажи, и уже по этим цифрам определяли места в рейтинге. Как и в других наших рейтингах, отбор велся по принципу «один автор — одна работа». Конечно, продаж на десятки миллионов долларов у Джакометти, Брынкуши или, скажем, Кунса было больше одной, и мы по возможности постараемся упомянуть все самые значимые. При этом, сохраняя за каждым скульптором только одно место в списке, мы смогли включить в него гораздо больше имен и интересных аукционных сделок.

1. АЛЬБЕРТО ДЖАКОМЕТТИ Указывающий человек. 1947. $141,7 млн

Альберто Джакометти — самый высоко оцениваемый (в буквальном смысле) классик мировой скульптуры. Его иссохшие, почти бесплотные фигуры, символизирующие отчужденность и одиночество человека в современном мире, неизменно достигают высоких цен на аукционных торгах. Некоторое время Джакометти даже обгонял всех живописцев вместе взятых: 3 февраля 2010 года скульптура «Идущий человек I» была продана за £65 млн ($104,3 млн). Это, кстати, был первый в мире аукционный лот, преодолевший порог в $100 млн.

Более пяти лет спустя скульптура «Указывающий человек» 1947 года достигла новых аукционных высот — цена молотка с учетом комиссии составила $141,7 млн. Это рекорд не только для Джакометти, но и для всего рынка скульптуры.

Скульптура «Указывающий человек» была задумана и исполнена Джакометти в 1947 году всего за одну ночь. Как рассказал скульптор своему биографу, через несколько месяцев в Нью-Йорке должна была открыться его первая за 15 лет творческой деятельности персональная выставка. Сроки поджимали, и в одну октябрьскую ночь он вылепил первую гипсовую модель. С нее было сделано шесть отливок и один авторский экземпляр. На последовавшей в январе 1948 года выставке «Указывающий человек» занял центральное место в экспозиции наряду с «Идущим человеком» и «Стоящей женщиной». Выставка произвела фурор, Джакометти вмиг стал звездой нью-йоркской послевоенной арт-сцены.

Сегодня скульптура «Указывающий человек» есть в коллекциях МоМА, Тейт Модерн и еще двух музеев. Оставшиеся три экземпляра принадлежат частным коллекциям и собраниям фондов. Тот экземпляр, что был выставлен на торги, предположительно, единственный раскрашенный вручную самим Джакометти. В 1953-м он был куплен в галерее Пьера Матисса известными коллекционерами Фредом и Флоренс Олсен. С 1970 года скульптура принадлежала одной частной коллекции, из которой и была впервые в истории выставлена на торги. Как рассказали организаторы, они предлагали владельцу гарантию, однако он отказался, сказав, что если вещь останется непроданной, то он оставит ее себе. «Он, возможно, немного расстроился, что ее действительно купили», — прокомментировал представитель Christie’s.

2. ДЭМИЕН ХЕРСТ За любовь Господа. 2006. $100 млн

Платиновый череп, инкрустированный бриллиантами, работы Дэмиена Херста (Damien Hirst) формально на аукционе не продавался, поэтому и в нашем рейтинге присутствовать не должен. Но обойти молчанием сделку, которая, случись она на открытых торгах, заняла бы 2-е место в ценовом рейтинге самой дорогой скульптуры в мире, тоже было бы неправильно. Весной 2007 года Херст задумал сделать череп самым дорогим произведением ныне живущего художника и выставил на продажу в галерее White Cube с ценником £50 млн ($100 млн). Но вдруг нагрянул ипотечный кризис в США, и потенциальные покупатели решили придержать свои миллионы при себе. Череп из платины с алмазами в итоге купила группа инвесторов, в состав которой входили сам Херст и его менеджер Фрэнк Данфи (Frank Dunphy). Они решили, что если в течение восьми лет никто не выразит желание приобрести предмет в частном порядке, то он пойдет с молотка. А пока череп радует посетителей амстердамского Rijksmuseum.

Результаты открытых торгов с участием трехмерных шедевров Херста, конечно, далеки от 100 миллионов за череп, купленный в частной сделке, однако весьма внушительны. Чего стоит хотя бы инсталляция «Сонная весна», представляющая собой тоненький прозрачный шкафчик, в котором лежат более шести тысяч разноцветных таблеток. Работу купил шейх Хамад бин Халифа аль-Тани, эмир Катара, за $19,21 млн на торгах Sotheby’s 21 июня 2007 года.

Третья работа Херста, которую мы здесь упомянем, это инсталляция «Золотой телец» — самая впечатляющая более чем из двухсот работ, которые были выставлены на персональные торги художника «В моей голове я буду прекрасен вечно» (Beautiful Inside My Head Forever). Вечерний аукцион, на котором инсталляция была продана за $18,66 млн, состоялся 15 сентября 2008 года. «Золотой телец» представляет собой чучело быка, помещенное в формальдегид. Рога животного украшает золотой диск. Выставлять чучела в формальдегиде и давать им торжественные, иногда взятые из Библии названия еще один «фирменный» трюк Херста. Именно за подобную работу он в 1995 году получил престижную Премию Тёрнера. 

3. ДЖЕФФ КУНС Кролик. 1986. $91,075 млн

Чем дольше наблюдаешь за аукционной карьерой Джеффа Кунса (1955), тем больше убеждаешься в том, что для поп-арта нет ничего невозможного. Можно восторгаться скульптурами Кунса в виде игрушек из воздушных шаров, а можно считать их кичем и безвкусицей — ваше право. Одного отрицать нельзя: инсталляции Джеффа Кунса стоят сумасшедших денег.

Джефф Кунс начал свой путь к славе самого успешного в мире ныне живущего художника в далеком 2007 году, когда его гигантская металлическая инсталляция «Подвесное сердечко» была куплена за $23,6 млн на торгах Sotheby’s. Работу купила представляющая Кунса галерея Ларри Гагосяна (в прессе писали, что в интересах украинского миллиардера Виктора Пинчука). Галерея приобрела не просто инсталляцию, а, по сути, произведение ювелирного искусства. Пусть работа выполнена и не из золота (материалом послужила нержавеющая сталь) и размером она явно побольше обычного кулона (скульптура высотой 2,7 м весит 1 600 кг), но зато имеет сходное назначение. На производство композиции с сердцем, покрытым десятью слоями краски, было затрачено свыше шести с половиной тысяч часов. В итоге за эффектное «украшение» заплатили гигантские деньги.

Дальше была продажа «Цветка из воздушного шарика» пурпурного цвета за £12,92 млн ($25,8 млн) на лондонских торгах Christie’s 30 июня 2008 года. Интересно, что семью годами ранее предыдущие владельцы «Цветка» приобрели работу за $1,1 млн. Несложно подсчитать, что за это время ее рыночная цена выросла почти в 25 раз.

Спад на арт-рынке 2008–2009 годов дал скептикам повод позлословить о том, что мода на Кунса прошла. Но они ошиблись: вместе с арт-рынком возродился и интерес к работам Кунса. Преемник Энди Уорхола на троне короля поп-арта обновил свой персональный рекорд в ноябре 2012 года продажей на Christie’s разноцветной скульптуры «Тюльпаны» из серии «Торжество» за $33,7 млн с учетом комиссии.

Но «Тюльпаны» были «цветочками» в прямом и переносном смысле. Всего через год, в ноябре 2013 года, последовала продажа скульптуры из нержавеющей стали «Собака из воздушных шаров (оранжевая)»: цена молотка составила аж $58,4 млн! Баснословная сумма для ныне живущего художника. Произведение современного автора продали по цене картины Ван Гога или Пикассо. Вот это были уже ягодки…

С этим результатом Кунс на несколько лет воцарился на вершине рейтинга ныне живущих художников. В ноябре 2018 года его ненадолго превзошел Дэвид Хокни (смотрите вторую строчку нашего рейтинга). Но всего через полгода все вернулось на круги своя: 15 мая 2019 года в Нью-Йорке на торгах послевоенного и современного искусства Christie’s на продажу выставили хрестоматийную для Кунса скульптуру 1986 года — серебристого «Кролика» из нержавеющей стали, имитирующего воздушный шарик подобной формы.

Всего таких скульптур Кунс создал 3 шутки плюс один авторский экземпляр. На торги попал экземпляр «Кролика» под номером 2 — из коллекции культового издателя Сая Ньюхауса, совладельца издательского дома Conde Nast (журналы Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ и др.). Серебристый «Кролик» был куплен «отцом гламура» Саем Ньюхаусом в 1992 году за внушительную по меркам тех лет сумму — 1 миллион долларов. Спустя 27 лет в борьбе 10 биддеров цена молотка скульптуры 80-кратно превысила предыдущую цену продажи. А с учетом комиссии Buyer’s Premium итоговый результат составил рекордные для всех ныне живущих художников $ 91,075 млн.

4. $71 млн. Константин Брынкуши. Изысканная девушка (Портрет Нэнси Кунард). Замысел 1928. Отливка 1932

Бедный крестьянский сын, пешком пришедший из Румынии в Париж, где ему суждено было стать пионером современной авангардной скульптуры, — так в двух словах можно представить одного из величайших скульпторов ХХ века Константина Брынкуши (в Париже он стал зваться на французский манер Бранкузи). Константин Брынкуши (1876–1957), пришедший в Париж в 1904 году и проживший в этом городе большую часть своей жизни, никогда не стеснялся своего простого происхождения, а даже, напротив, гордился им и всячески поддерживал легенду о самом себе: ходил в традиционной одежде румынских крестьян даже на официальные приемы, а свою мастерскую на окраине Монпарнаса превратил в подобие румынского дома с вырезанной вручную мебелью и очагом, в котором на скульпторской железной спице жарил мясо.

Талант скульптора проснулся в Константине, еще когда он работал посыльным в румынском городе Крайове. В свободное время Брынкуши начал вырезать фигурки из дерева и однажды, как гласит легенда, смастерил из подручных материалов скрипку, так впечатлившую местного промышленника, что тот отдал его на обучение в художественную школу Крайовы. Потом талантливый крестьянин учился в Школе изящных искусства в Бухаресте, а в Париже совсем недолго проработал в мастерской Родена, откуда ушел со словами «Ничто не вырастет в тени больших деревьев». Но даже этот недолгий опыт работы с Роденом, безусловно, оказал влияние на становление Брынкуши-скульптора — одна из первых значимых его работ называлась, по аналогии с роденовским шедевром, «Поцелуй» (1907–1908). Только это был совсем другой «Поцелуй»: Брынкуши ушел от реализма в сторону упрощенных, геометризированных форм; фигуры влюбленных, вытесанные из единого куска камня, почти квадратные, со схематичной прорисью волос, глаз, губ.

С «Поцелуя» Брынкуши многие отсчитывают историю современной абстрактной скульптуры. Хотя сам автор никогда не считал свои работы абстрактными. Доводя до совершенства свои излюбленные формы из камня, мрамора, бронзы, дерева (Брынкуши раз за разом возвращался к своим сериям «Поцелуй», «Голова музы», «Птица в пространстве», «Бесконечная колонна» и др.), скульптор стремился не буквально отобразить внешний вид предмета или человека, животного, но передать его идею, внутреннюю суть. Через отполированные до блеска формы Брынкуши хотел выразить некую фундаментальную, скрытую природу вещей. Работы румынского скульптора являют собой удивительный сплав древнейшего, архаического искусства, пропитанного мифами и легендами, с современными автору авангардными идеями.

Самая дорогая на сегодняшний день скульптура Константина Брынкуши — бронзовая «Изысканная девушка (Портрет Нэнси Кунард)» (замысел 1928; отливка 1932). На вечерних торгах импрессионистов и модернистов 15 мая 2018 года эту работу купили за $71 млн с учетом комиссии. Нэнси Кунард — писательница, политический активист и одна из любимых муз художников, поэтов и писателей 1920-х, включая Тристана Тцару, Эрнеста Хемингуэя, Ман Рэя, Луи Арагона, Джеймса Джойса и др. Нэнси Кунард была знакома с Константином Брынкуши, бывала в его мастерской, но никогда специально ему не позировала. О том, что Брынкуши создал скульптуру, носящую её имя, она узнала много лет спустя. Первая версия работы под названием «La jeune fille sophistiquée ( Portrait de Nancy Cunard)» была выполнена Брынкуши из дерева в 1925–1927 гг. В 1928 году он задумал выполнить портрет Нэнси Кунард в бронзе. В 1932 году сам Брынкуши отлил ее по гипсовой форме в единственном экземпляре и тщательно отполировал. В обобщенных, полуабстрактных формах скульптор изобразил на тонкой шее голову Нэнси с волосами, собранными на затылке в пучок сложной формы. Возможно, форма прически отсылает к манере Кунард подкручивать пряди у лица. Брынкуши в одной скульптуре, сочетающей прямые линии и женственные изгибы, плавные и в то же время изломанные, закрученные формы, хотел передать противоречивую красоту одной из главных муз «ревущих двадцатых». И это румынскому гению, безусловно, удалось.

5. АМЕДЕО МОДИЛЬЯНИ Голова. 1911–1912. $70,7 млн

«Голова» Модильяни — посланник той эпохи, которая по новаторству в области формы является одной из ключевых в истории искусства. Нарочито «примитивная», но в то же время элегантная, эта скульптура служит превосходной иллюстрацией того огромного влияния, которое оказало на модернизм искусство Африки. Амедео Модильяни очень серьезно относился к скульптуре. Современница вспоминает, что он любил делать скульптуры чуть ли не больше, чем картины, и занимался бы только ими, если бы у него были деньги на соответствующие материалы. Модильяни был приверженцем скульптуры, вырезанной из цельного куска камня; отливок по гипсовым формам он не признавал. В обретении навыков скульптора ему помогал Константин Брынкуши. В период создания серии скульптур «Головы» он был близок с Анной Ахматовой, и в этих изваяниях эксперты видят ее черты.

Оригинальные скульптуры Амедео Модильяни чрезвычайно редки на аукционных торгах (правда, на французских аукционах за несколько десятков тысяч евро часто предлагаются отлитые уже после смерти художника бронзовые экземпляры, но, как мы помним, сам Модильяни работал исключительно в камне). На сегодняшний день известно всего 27 скульптур художника, и из них не более десяти остаются в частных руках. В предыдущий раз одна из «Голов» Модильяни появлялась на торгах в 2010 году в Париже и была продана почти за $53 млн. На торги Sotheby’s 4 ноября 2014 года попала «Голова», датируемая 1911–1912 годами. В результате борьбы трех претендентов цена молотка взлетела до $70,7 млн.

6. Неизвестный автор. Львица Гуэннола. Ок. 3000–2800 до н. э. $57,2 млн

Эта крохотная, высотой всего чуть более восьми (!) сантиметров, скульптура была создана около 5 тысяч лет назад в древней Месопотамии. Фигурку нашли в Ираке, неподалеку от Багдада. Сложно поверить, но она является ровесницей колеса, денег и первых в мире больших городов! Малышка львица провела почти 60 лет в коллекции Аластера Брэдли Мартина (Alastair Bradley Martin), пока в 2007 году ее не решили выставить на аукцион. На Sotheby’s скульптура превысила эстимейт в три раза и стала самым дорогим произведением древнего искусства в истории.

7. АНРИ МАТИСС Обнаженная со спины IV. 1930, отлита в 1978. $48,8 млн

Еще одно скульптурное произведение, проданное за крупную сумму в 2010 году, — монументальный рельеф Матисса «Обнаженная со спины IV». Как и «Идущий человек I» Джакометти, работа не уникальная, более того (в отличие от скульптуры Джакометти), отлитая уже после смерти художника. Как оказалось, это не имеет значения, если речь идет о шедевре мирового уровня, другие экземпляры которого демонстрируются в галерее Тейт, Центре Помпиду и МоМА. Всего таких скульптур было отлито двенадцать, в частных руках на сегодняшний день находятся всего две. До аукциона Christie’s 3 ноября ни один из этих колоссов на торги не выставлялся.

8. ГЕНРИ МУР Полулежащая фигура. Фестиваль. 1951. $33,1 млн

Созданная по заказу Совета по изобразительному искусству к Британскому фестивалю 1951 года, скульптура Генри Мура «Полулежащая фигура. Фестиваль» в феврале 2012-го установила рекорд для его скульптуры — £19,1 млн ($30,1 млн). Эту продажу можно было назвать настоящим прорывом. Во-первых, эстимейт был превышен втрое (до продажи на Christie’s фестивальной «Полулежащей фигуры» произведения Мура уходили максимум за $7–8 млн). А во-вторых, с этим рекордом Мур сразу стал вторым в тройке самых дорогих британских художников XX века (на первом месте — Френсис Бэкон; на третьем — Лусиен Фрейд).

Всего Генри Мур сделал пять отливок и один авторский экземпляр «Полулежащей фигуры» для Британского фестиваля. И вот четыре года спустя на торгах Christie‘s 30 июня 2016 года результат другой отливки «Полулежащей фигуры» на $3 млн превзошел прежний рекорд: цена с учетом Buyer’s Premium составила $33,1 млн (оценка $20–26,7 млн).

Работы Генри Мура (1898–1986) были высоко оценены еще при жизни скульптора. Своеобразным ценовым пиком стала отметка в $1,2 млн, достигнутая в 1982 году. Пережив спад 1990-х, рынок произведений Мура в 2000-х стал восстанавливаться, а особенно активно расти в цене работы классика модернистской скульптуры начали с 2007 года. И, как мы видим по обновляющимся рекордам, настоящий рост на рынке произведений британского скульптора, похоже, только начинается.

9. ПОЛЬ ГОГЕН Тереза. Ок. 1902–1903. $30,96 млн

На торгах Christie’s в ноябре 2015 года скульптура Поля Гогена «Thérèse» («Тереза») из красного тропического дерева теспезия была продана за рекордные для скульптур художника $30,96 млн (оценка $18–25 млн). «Тереза» оказалась почти втрое дороже «Юной таитянки» ($11,28 млн) — своей предшественницы на вершине рейтинга гогеновской скульптуры. Между тем и «Терезе» до ценовых рейтингов живописи Гогена пока еще не дотянуться: зимой 2015 года прошла новость о том, что живописное полотно кисти Гогена «Когда ты выйдешь замуж» продали в частной сделке за $300 млн.

История создания «Терезы» очень занимательна. В 1901 году Поль Гоген в поисках очередного земного рая высадился на острове Хива-Оа архипелага Маркизские острова. После продолжительного таитянского периода ему хотелось поселиться в глуши, где власть колониальной Франции чувствуется меньше, а жизнь дешевле. Однако оказалось, что все свободные участки земли на острове находятся в управлении католической церкви. Гоген, несмотря на свои антиклерикальные взгляды, в течение какого-то времени исправно посещал мессы, чем убедил главу католической миссии отца Мартина в своей благонадежности. Но стоило только художнику получить землю, как он тут же оставил визиты в церковь, а на своей земле построил дом, получивший название «Maison du Jouir» — «Дом удовольствий». Дом со стенами из бамбука и крышей из пальмовых листьев был украшен изящными вещами ручной гогеновской работы — мебелью, посудой и как минимум восемью скульптурами. «Тереза» — одна из двух сохранившихся скульптур «Дома удовольствий». Художник вел в этом доме отнюдь не целомудренную жизнь, чем превратил отца Мартина в своего злейшего врага. Последний сделал Гогена предметом своих церковных проповедей. Художник ответил тем, что вырезал из дерева две скульптуры и установил их снаружи своего дома. Это были отец Мартин в образе дьявола (скульптура «Père Paillard» — «Отец блуда» — сейчас хранится в коллекции Национальной галереи искусств в Вашингтоне) и местная девушка Тереза. На острове ходили упорные слухи (которым с радостью поверил Гоген) о том, что эти двое были любовниками. Разгневанный священник попытался изъять скульптуры под предлогом невыплаченных Гогеном налогов. Однако, когда конфискованные работы выставили на аукцион, художник сам их и выкупил и снова поставил перед «Домом удовольствий». Там они простояли вплоть до смерти Гогена в 1903 году. Позднее история их разделила, однако «Thérèse» и «Père Paillard» как скульптурная пара признавались и признаются художниками и критиками авангарда одной из вершин модернистской скульптуры.

10. ВИЛЛЕМ ДЕ КУНИНГ Искатель моллюсков. 1972. $29,28 млн

Бронзовая скульптура Виллема де Кунинга «Искатель моллюсков» на торгах Christie’s 12 ноября 2014 года была продана за рекордные для скульптуры автора $29,28 млн. Де Кунинг занимался скульптурой с 1969 по 1974 год и создал за это время не более 25 трехмерных работ. Скульптура «Искатель моллюсков» считается одной из лучших. Известно всего десять ее отливок, из которых три — авторские. Другие копии хранятся, в частности, в Центре Помпиду, Стеделийк-музее, Музее Уитни.

Представленная на торги бронзовая скульптура — первая авторская отливка. На протяжении сорока лет она «охраняла» вход в мастерскую Де Кунинга в Спрингсе (Нью-Йорк). В фигуре искателя моллюсков есть многое и от самого художника, родившегося в приморском городе Роттердаме. Не покидавшая семейной коллекции с момента своего создания скульптура «Искатель моллюсков» была выставлена на торги внучками Виллема Де Кунинга.

11. ПАБЛО ПИКАССО Голова женщины (Дора Маар). 1941. $29,2 миллиона долларов

Невозможно представить себе список «самых-самых» на арт-рынке без Пабло Пикассо (Pablo Picasso). Он, в частности, занимает второе место в рейтинге Top-10 мировых художников ARTinvestment.RU. Скульптура возлюбленной художника Доры Маар (Dora Maar) с пухлыми щечками была отлита в двух экземплярах. В рекордном для арт-рынка 2007 году работа стала самой дорогой скульптурой в мире, но это гордое звание она носила недолго: меньше чем через месяц «Дору Маар» потеснила с верхней ступени пьедестала «Львица Гуэннола».

12. Неизвестный автор. Артемида с ланью. I век до н. э. — I век н. э. $28,6 млн

Скульптура удивительно хорошо сохранилась. На аукционе Sotheby’s за нее разгорелась самая настоящая «война ставок»: сначала двое потенциальных покупателей «выдохлись» на отметке $12 млн, потом в игру включился третий, и цена скульптуры за десять минут поднялась до $28 млн, превысив верхний эстимейт в четыре раза. Так «Артемида с ланью» стала самым дорогим произведением античного искусства.

13. ЛУИЗ БУРЖУА Паучиха. 1997. $28,16 млн

Первая женщина-скульптор в нашем рейтинге — это, конечно же, Луиз Буржуа. Величайшая фигура в истории искусства, Луиз Буржуа дожила почти до ста лет и за свою долгую жизнь попробовала свои силы практически во всех основных художественных направлениях ХХ века — кубизме, футуризме, сюрреализме, конструктивизме и абстракционизме. Буржуа уникальна этой своей разносторонностью. Ее скульптуры, часто столь различные по внешнему виду и материалу, тем не менее, несут общую смысловую нагрузку. Ключевая тема ее творчества — детские воспоминания и пережитая в юном возрасте моральная травма, в том числе из-за измен отца матери.

Один из излюбленных образов в творчестве Буржуа — пауки. Автор отнюдь не страдала арахнофобией, как многим могло бы показаться. Для скульптора паук, точнее, паучиха была особым символом — символом матери. Как говорила о своей матери сама Буржуа, «она была такой же умной, терпеливой, чистой, рассудительной и обязательной, как паучиха. И она умела защитить себя». К тому же у нее был свой гобеленовый салон, так что сравнение с ткачихой-паучихой кажется еще более емким. Гигантские бронзовые скульптуры паучих Луиз Буржуа одна за другой бьют рекорды на аукционных площадках. Последней рекордсменкой стала 7-метровая «Паучиха», которую продали на торгах Christie’s 10 ноября 2015 года за $28,16 млн.

14. АДРИАН ДЕ ВРИС. Вакхическая фигура, держащая земной шар. 1626. $27,9 млн

Бронзовых статуй знаменитого нидерландского скульптора XVII века Адриана де Вриса до недавнего времени в стране его рождения не было. Всему виной творческая биография мастера, работавшего в основном вдали от родины — например, в Праге и Аугсбурге. Очень популярный при жизни скульптор после смерти был забыт, а его произведения были рассеяны по миру. Заслуженное признание начало возвращаться к нему с конца XIX века, когда в Швеции был опубликован список его бронзовых изваяний; и в ХХ веке ряд исследователей вновь обратили внимание любителей искусства на «нидерландского Микеланджело». В 1989 году его скульптура «Танцующий фавн» была продана втрое дороже эстимейта — за £6,82 млн ($11 млн). В течение целых 25 лет это была рекордная цена для работ Адриана де Вриса, что не удивительно, поскольку скульптуры Де Вриса крайне редко попадают на открытые торги. Последнее такое событие произошло в декабре 2014 года. Бронзовая «Вакхическая фигура, держащая земной шар» была куплена на торгах Christie’s за $27,9 млн. Скульптуру вырвал в борьбе у трех конкурентов амстердамский Рейксмузеум, которому оказали материальную поддержку в покупке многочисленные фонды и частные спонсоры. Наконец, и у Нидерландов появился свой Адриан де Врис.

Насчет сюжета этой скульптуры существует много гипотез. С одной стороны, у мифологического персонажа имеются явные признаки Вакха (Диониса) — венок из виноградных листьев в волосах, увитое виноградной лозой дерево у его ног и свирель. С другой стороны, персонаж держит над головой земной шар, что вызывает прямую ассоциацию с Атласом или Геркулесом. Значит, либо Адриан де Врис прибегнул к некой оригинальной трактовке мифов и соединил несколько сюжетов, либо первоначальный замысел скульптуры подвергся изменению после смерти автора («Вакхическая фигура» создана в последний год жизни автора). Скульптура могла остаться неоконченной, без сопутствующего Вакху атрибута вроде бочонка с вином, и человек, в чье владение она попала, мог добавить вместо бочонка более благородный, с его точки зрения, земной шар. Как бы там ни было, первое свидетельство существования скульптуры (уже с земным шаром) было найдено на литографии 1700 года с видом поместья, где скульптуру и обнаружили спустя более 300 лет (в 2010 году).

15. АЛЕКСАНДР КОЛДЕР Летучая рыба. 1967. $25,9 млн

Александр Колдер известен как изобретатель мобилей — кинетических скульптур из легких металлических пластин и стержней, приводимых в движение ветром или с помощью электрического мотора. Созданием мобилей Колдер занимался с начала 1930-х и до своей смерти в 1976 году.

Мобили Колдера — стоячие, висячие, закрепленные на кронштейнах или вертикальных подставках. Самый дорогой мобиль скульптора — висячая конструкция «Летучая рыба» 1957 года. Работа превысила предварительную оценку $9–12 млн вдвое — после шести минут напряженного аукционного спора она досталась новому владельцу за $25,925 млн. Это на 7 миллионов больше предыдущей рекордной планки в $18,6 млн, взятой мобилем «Силовая лилия» в 2012 году.

Мобиль «Летучая рыба» был выставлен на торги из коллекции чикагских филантропов Эдвина и Линди Бергман. Хотя большинство мобилей Колдера подчеркнуто абстрактны и не имеют ничего общего с образами реальной жизни, мотив рыбы был исключением, к нему скульптор обращался неоднократно начиная с 1930-х. Рыба — один из древнейших религиозных символов, причем не только в христианстве (в буддизме, например, рыба считается одним из восьми символов фортуны). Для Колдера же рыба олицетворяла плавное и грациозное движение — все то, чего он хотел добиться в своих кинетических скульптурах. Веками скульптура была чем-то статичным, Александр Колдер перевел ее в иное измерение, дав ей возможность двигаться. В мобиле «Летучая рыба» Колдер прекрасно сочетает монументальный, в духе традиционной скульптуры, корпус рыбы и легкую конструкцию ее хвоста из более чем дюжины элементов. При малейшем дуновении ветра пластины мобиля приходят в движение, и кажется, будто рыба плывет по воздуху.

16. Неизвестный автор. Бюст Антиноя. Римская империя, эпоха Адриана. 130–138 гг. н.э. $23,826 млн

Следующим по значимости античным произведением с точки зрения рыночной цены является римский мраморный бюст красавца Антиноя II в. н. э. Этот скульптурный портрет возлюбленного императора Адриана был найден на севере Израиля, на Голанских высотах, возле города Баниас. Надпись на цоколе бюста гласит, что произведение является посвящением «герою Антиною» от М. Люциуса Флаккуса. Очевидно, что Маркус Люциус Флаккус был человеком влиятельным, раз он осмелился поставить свое имя рядом с именем обожествленного Антиноя. Несмотря на отколотый нос, мраморный бюст запал в душу сразу пятерым любителям античности. Они торговались за него одиннадцать минут, и в итоге бюст достался европейскому коллекционеру за $23,826 млн.

17. ДЭВИД СМИТ Cubi XXVIII. 1965. $23,816 млн

Хотите узнать, как выглядит скульптура в стиле абстрактного экспрессионизма? Посмотрите на работы Дэвида Смита (David Smith). Этого американского художника прославили скульптуры из стали, самые известные из которых напоминают абстрактные пейзажи. Впрочем, в конце жизни Смит отошел от экспрессионизма и стал делать скульптуры из геометрических фигур, которые называл Cubi.

Произведение Cubi XXVIII стало последним в этой серии, вскоре после его создания художник погиб в автокатастрофе. Скульптура долгое время находилась в нью-йоркском музее Гуггенхайма, пока ее не решили выставить на аукцион. 9 ноября 2005 года на нью-йоркском Sotheby’s Cubi XXVIII стала самым дорогим произведением послевоенного художника. Купил ее все тот же Ларри Гагосян, но не для своей галереи, а по поручению коллекционера Эли Броуда (Eli Broad).

18. ИВ КЛЯЙН Без названия. Скульптура из губок. SE 168 (Sculptures éponges 168). 1959. $22 млн

Каких только экспериментов ни проводил французский художник Ив Кляйн, чтобы навсегда войти в историю искусства, — продавал пустоту за золотые слитки, которые потом выбрасывал в Сену, создавал картины при помощи огнемета или капель дождя, писал «живыми кистями», роль которых исполняли обнаженные модели, запатентовал свой любимый оттенок синего цвета. А еще Кляйн стал использовать в качестве материала для своих произведений морские губки. Художники иногда наносят ими краску, однако Кляйн пошел дальше — он делал из губок барельефы и скульптуры.

Пришел он к этому случайно. «Работая над картинами в своей мастерской, я иногда использовал губки. Они очень быстро синели. Однажды я заметил, как красивы эти синие губки, и тотчас инструмент превратился для меня в исходный материал. Меня привлекла эта уникальная способность губок впитывать любые жидкости. С помощью губок — живой материи — я мог создавать портреты тех, кто смотрел на мои монохромы, кто после созерцания синего в моих работах напитывался той же чувственностью, что и мои губки», — объяснял Ив Кляйн в 1958 году.

Одна из самых знаменитых, многократно опубликованных и часто выставлявшихся скульптур Кляйна серии Sculptures éponges (скульптуры из губок) под номером 168 на аукционе Sotheby’s 14 мая 2013 года была продана за рекордные $22 млн. Это вырастающий из каменного основания «цветок» из губок, пропитанных кляйновским синим пигментом International Klein Blue (IKB). Самая дорогая скульптура Кляйна отнюль не самое дорогое его произведение вообще. Барельефы Кляйна с губками стоят еще дороже: здесь рекорд принадлежит розовому «Le Rose du bleu», проданному в 2012 году за $36,7 млн.

19. ОГЮСТ РОДЕН Вечная весна. 1901–1903. $20,41 млн

На вечерних торгах импрессионизма и модернизма аукционного дома Sotheby’s 9 мая 2016 года мраморная скульптура Огюста Родена «Éternel printemps» («Вечная весна», 1901–1903) была продана за рекордные для скульптора $20,41 млн (эстимейт $8–12 млн). Эта версия «Вечной весны» Родена является пятой из десяти известных изваяний этого сюжета в мраморе. Другие версии «Вечной весны» хранятся в Государственном Эрмитаже (1906), Музее Метрополитен (1906–1907), Музее изящных искусств Будапешта (1901) и др. Замысел и первое исполнение «Вечной весны» относится к середине 1880-х, когда скульптор был влюблен в свою ученицу Камиллу Клодель.

20. Неизвестный автор. Леда и Лебедь. Римская империя, около II в. н.э. $19,1 млн

Античная мраморная скульптура «Леда и Лебедь» — римская копия с утерянного греческого оригинала статуи, приписываемой ваятелю Тимотею. До появления на торгах Sotheby’s эта копия не была известна ни специалистам, ни тем более публике. О ней не было никаких сведений ни в одном из научных трудов, посвященных римской мраморной скульптуре. Все потому, что с конца XVIII века она тихо-мирно стояла в поместье Аске-Холл, принадлежащем маркизам Зетланд. Эта копия — одна из немногих с сохранившейся головой, да и в целом ее состояние хорошее. Поэтому и рост аукционной цены вшестеро против верхнего эстимейта вполне объясним.

21. ЭДГАР ДЕГА Маленькая четырнадцатилетняя танцовщица. Модель 1879–1881, отливка 1922. $18,82 млн

Скульптура юной танцовщицы парижской балетной школы Мари ван Гётем — единственное трехмерное произведение, которое выставлялось при жизни Дега. Это было на выставке импрессионистов 1881 года. Тогда вылепленную из воска статую балерины в муслиновой пачке, пуантах и даже с настоящими волосами сочли чересчур натуралистичной. Многих возмутили ее «дегенеративные» черты лица, как у «преступных типажей» Ломброзо, автора популярной в то время теории о задержках в развитии, которые отражаются во внешнем облике преступников. Скульптура выставлялась в стеклянной витрине, что было в новинку и тоже принято неоднозначно. Только после смерти Дега публика и специалисты оценили скульптуру по достоинству. Родственники мастера в 1922 году сделали 28 бронзовых копий восковой «Танцовщицы», оставив им, правда, муслиновые юбки и ленты в волосах. Из этих 28 отливок большая часть уже давно находится в музеях. В частных руках осталось около десятка копий. Та, что стала рекордсменкой на торгах Sotheby’s в 2009 году, была выставлена британским бизнесменом Джоном Мадейски, которому, в свою очередь, она досталась в 2004 году за £4,5 млн ($8,1 млн). Пять лет спустя скульптуру балерины купили за £13,3 млн ($18,82 млн), т.е. почти втрое дороже. Это до сих пор самая дорогая скульптура Дега. Другую копию «Маленькой танцовщицы» выставили на Christie’s в 2011 году, однако эстимейт $25–35 млн, по-видимому, отпугнул покупателей.

22. МАУРИЦИО КАТТЕЛАН Him. 1901 — 1903. $20,41 млн

8 мая 2016 года на аукционе Christie’s «Обреченные на неудачу» в Рокфеллер Плазе в серьезной борьбе, с превышением эстимейта, была куплена скандальная скульптура итальянского скульптора Маурицио Каттелана «Him», изображающая коленопреклоненного Гитлера. Западному зрителю скульптура «Him» хорошо известна. Ее собратья по серии выставлялись более 10 раз в ведущих музеях мира, включая Центр Помпиду и Музей Соломона Гугенхайма. А список публикаций об этой работе с трудом помещается на странице.

Интересно, что «Him» — это тиражная работа. Всего существуют четыре экземпляра — три плюс artist’s proof. Как раз последний и был продан на Christie’s. Как видим, покупателя «неуникальность» ничуть не смутила — современные коллекционеры давно уже всерьез принимают тиражные вещи.

Вещь странная. Название странное. Выбор персонажа — рискованный. Как все у Каттелана. Что значит Him? «Его» или «His infernal majesty»? Понятно, что речь точно не идет о воспевании образа фюрера. В этой работе Гитлер предстает скорее в беспомощном, жалком виде. И абсурдном — воплощение Сатаны выполнен ростом с ребенка, одет в костюм школьника и стоит на коленях со смиренным выражением на лице. Для Каттелана этот образ — приглашение к размышлению о природе абсолютного зла и способ избавления от страхов. В мае 2017 года эта скульптура будет участвовать в выставке «Потеря» (75 лет трагедии Бабьего Яра) в украинском PinchukArtCentre.

23. Неизвестный автор (Мастер Шустер). Лежащая женская фигурка. Кикладские острова. Ок. 2400 до н.э. $16,88 млн

Архипелаг Киклады более чем из 200 островов, рассеянных по Эгейскому морю, вызвал к жизни одну из самых интересных археологических культур бронзового века. Упрощенные и в то же время изящные фигурки создавались жителями Киклад в III — II тысячелетиях до н.э. и, как считается, оказали влияние на развитие модернистской скульптуры. Небольшие мраморные фигурки встречаются, как правило, в богатых кикладских захоронениях. Имена их авторов невозможно установить, однако по неким общим стилистическим признакам ученые выделяют с высокой долей вероятности комплексы работ того или иного мастера. Такие группы фигурок, приписываемых одному мастеру, называются именем музея или, скажем, именем владельца одной из статуэток. К примеру, 12 работ приписываются мастеру Шустер (по имени первой владелицы самой известной фигурки Мэрион Шустер). Эта мраморная фигурка работы мастера Шустер, жившего около 2400 года до н.э., стала настоящей сенсацией торгов Christie’s 9 декабря 2010 года. Прекрасно сохранившаяся 30-сантиметровая статуэтка лежащей беременной женщины со сложенными на животе руками (о том, что фигурка лежит, а не стоит, ученые сделали заключение по положению ее ступней) утроила эстимейт и досталась новому владельцу за $16,88 млн.

24. ТАКАСИ МУРАКАМИ Мой одинокий ковбой. 1998. $15,16 млн

Японец Такаси Мураками работает как художник, скульптор, дизайнер одежды и мультипликатор. Мураками хотел взять за основу своего творчества что-то действительно японское, без западных и любых других заимствований. В студенчестве его увлекала традиционная японская живопись нихонга, позже на смену ей пришло популярное искусство аниме и манга. Так родились психоделический Mr DOB, узоры из улыбающихся цветочков и яркие, блестящие скульптуры из стеклопластика, словно бы только что сошедшие со страниц японских комиксов. Одни считают искусство Мураками фаст-фудом и воплощением пошлости, другие называют художника японским Энди Уорхолом — и в рядах последних немало очень богатых людей. В 2008 году скульптуру анимешного блондина «Мой одинокий ковбой» (название позаимствовано из одноименного фильма Энди Уорхола) купили на торгах Sotheby’s за $15,16 млн.

25. ДОНАЛЬД ДЖАДД Без названия (DSS 42). 1963. $14,16 млн

«Хочу видеть их простыми», — говорил о своих скульптурах в интервью 1960-х годов минималист Дональд Джадд (1928–1994). Минималистическое движение в Америке тогда только зарождалось, и Джадд был одним из первых его представителей. Господству абстрактного экспрессионизма скульптор хотел противопоставить простые формы. Нашему привыкшему к сложным конструкциям глазу объекты Дональда Джадда могут показаться уж слишком простыми. Но именно этого и хотел добиться автор — чистоты цвета и формы. Его самая дорогая на сегодняшний день скульптура-инсталляция — «Без названия (DSS 42)» — представляет собой панель из деревянных красных полос с металлическими загибающимися краями черного цвета. Работу купили в ноябре 2013 на Christie’s за $14,16 млн при эстимейте $10–15 млн. Предыдущая рекордная продажа Джадда, 2012 года была ровно на 4 млн меньше — $10,14 млн за работу «Без названия (Bernstein 89-24)».

26. Неизвестный автор. Венера Барберини. Конец I — середина II вв. н.э. $11,64 миллиона долларов

Венера Барберини (или Венера Дженкинса) — это римская копия утерянного греческого оригинала типажа Афродиты Книдской Праксителя. Ее также полагают родственной Венере Медичи из галереи Уффици. Судьба скульптуры тесно связана с историей коллекционирования в Британской империи XVIII века. В тот период благородные английские лорды, совершавшие кругосветное путешествие, традиционно заезжали в Италию в поисках античных артефактов вообще и скульптуры в частности. Превосходные произведения искусства ящиками вывозились на Туманный Альбион, где они пополняли британские коллекции. Оборотной стороной этого процесса было рассеивание многих замечательных итальянских коллекций — например, собрания Палаццо Барберини в Риме; в подвалах этого дворца и была найдена Венера. В 1760-х мраморная богиня попала в руки к Томасу Дженкинсу, известному в то время дельцу, приближенному к римскому папе. Сейчас мы назвали бы такого человека арт-дилером. Дженкинс отдал скульптуру на реставрацию, в ходе которой, по одной из версий, к ранее безголовой статуе была подобрана голова от какого-то другого изваяния. Даже если голова Венеры Барберини и чужеродна, выглядит она аутентично. Статуя после реставрации стала столь прекрасна, что 26-летний англичанин Уильям Уэддел не устоял перед ней и купил Венеру за огромную по тем временам сумму. И хоть цена скульптуры сильно варьируется в разных источниках, известно, что это была самая крупная сумма, выплаченная за античное произведение искусства в XVIII веке вообще.

27. АНТОНИО КАНОВА Три грации. 1814–1817. $11,5 млн

Формально и этой скульптуры здесь быть не должно, т. к. она была куплена в частной сделке. Однако мы и для нее сделали исключение: во-первых, это Канова, во-вторых, история сделки весьма показательна, в-третьих, цена такова, что места если не в рейтинге, то уж в перечислении работа точно заслуживает.

Скульптурная группа «Три грации» Антонио Кановы существует в двух вариантах. Первый вариант экспонируется в Эрмитаже. Выполнен он был для императрицы Жозефины, жены Наполеона, около 1814 года. Английский герцог Бедфорд, посетив римскую мастерскую Кановы, захотел выкупить скульптуру для своего поместья, но ему было отказано. В 1814 году Жозефина скончалась, а ее наследники продать скульптуру тоже отказались. От сына императрицы, Эжена Богарне, она перешла потом к внуку Максимилиану, который, в свою очередь, увез шедевр Кановы в Россию. Герцог Бедфорд заказал Канове вторую версию «Трех граций». Скульптор изваял практически таких же Евфросинию, Аглаю и Талию, и в 1816–1817 годах три грации прибыли в поместье Бедфордов Уобёрн-Эбби. Там скульптурную группу поместили в специальном павильоне рядом с другими неоклассическими статуями. И хотя этот павильон в Уобёрн-Эбби сегодня считается национальным достоянием Британии и по идее не подлежит разборке, находящаяся в нем статуя Кановы в 1990 году была перепродана загадочной инвестиционной компании. Скульптуру из Уобёрн-Эбби убрали и попытались вывезти за границу. Покупателем был готов выступить лос-анджелесский Музей Гетти. Однако, как это часто случается в Британии с культурными объектами особой важности, лицензия на экспорт выдана не была. После долгих судебных тяжб скульптуру Кановы из поместья герцогов Бедфордов в итоге выкупили совместными усилиями Музей Виктории и Альберта и Национальные галереи Шотландии за £7,6 млн ($11,5 млн). С тех пор «Три грации» примерно раз в три года переезжают из одного музея в другой.

28. БРЮС НАУМАН Беспомощный Генри Мур. 1967. $9,9 млн

Американец Брюс Науман (1941), обладатель главного приза 48-й Венецианской биеннале (1999), долго шел к своему рекорду. Науман начинал свою карьеру в шестидесятых. Знатоки называют его, наряду с Энди Уорхолом и Йозефом Бойсом, одной из самых влиятельных фигур в искусстве второй половины ХХ века. Однако насыщенная интеллектуальность и абсолютная недекоративность некоторых его работ, очевидно, препятствовали его быстрому признанию и успеху у широкой публики. Науман часто экспериментирует с языком, открывая неожиданные смыслы привычных фраз. Слова главенствуют во многих его работах, в том числе в неоновых псевдовывесках и панно. Сам Науман называет себя скульптором, хотя за последние сорок лет он пробовал себя в разных жанрах — скульптуре, фотографии, видеоарте, перформансах, графике. В начале девяностых Ларри Гагосян произнес пророческие слова: «Настоящую ценность работ Наумана нам еще только предстоит осознать». Так оно и вышло: 17 мая 2001 года на Christie’s работа Наумана 1967 года «Беспомощный Генри Мур (вид сзади)» (Henry Moore Bound to Fail (Backview)) поставила новый рекорд в сегменте послевоенного искусства. Сделанный из гипса и воска слепок связанных за спиной рук Наумана ушел с молотка за $9,9 млн в коллекцию французского магната Франсуа Пино (по другим данным, американки Филлис Уоттис). Эстимейт работы составлял всего $2–3 млн, так что результат удивил.

Работа «Беспомощный Генри Мур» — одна из серии полемических произведений Наумана о роли Генри Мура в истории искусства ХХ века. Молодые авторы, которые оказались в тени признанного мастера, тогда набросились на него с ярой критикой. Скульптура Наумана — ответ на эту критику и одновременно размышление на тему творчества. Название работы становится каламбуром, так как соединяет два значения английского слова bound — «связанный» (в буквальном смысле) и «обреченный на некую участь». К тому же Науман предлагает в этой работе еще один парадокс: «вид сзади», заявленный в названии работы, на самом деле — вид спереди и единственный ракурс, в котором на произведение можно смотреть.

29. АРИСТИД МАЙОЛЬ Река. 1938–1943. $8,32 млн

Аристид Майоль — автор, появлению которого в нашем рейтинге можно искренне порадоваться. Один из величайших скульпторов первой половины ХХ века, не предавший традиций реализма в эпоху увлечения абстрактными формами, провозглашал культ здорового и крепкого тела в противовес манерным, салонным формам. Возникло даже понятие «майолевской женщины» — красивой, естественной, может, несколько тяжеловесной, но при этом очень гармоничной. Главной музой Майоля была эмигрантка Дина Верни (урождённая Дина Яковлевна Айбиндер), с которой они познакомились, когда скульптору было за 70, а Верни — только 15. Дина позировала Майолю для известнейших его произведений — аллегорических скульптур «Воздух» и «Река», последней работы «Гармония» и других. После смерти скульптора в 1944 году именно Дина Верни стала главной наследницей Майоля, получила в свое распоряжение все его коллекции, занялась галерейным бизнесом. Дины Верни не стало в 2009 году, и четыре года спустя ее дети решили выставить на парижские торги Artcurial 2 декабря 2013 года несколько работ Майоля из ее коллекции. Подготовительный эскиз пастелью к скульптуре «Река» ушел за рекордные для графики Майоля 791 тысячу долларов. А сама «Река» (свинцовая отливка 1970 года) была продана за рекордные для скульптора €6,18 млн ($8,37 млн), вдвое дороже эстимейта €2–3 млн ($2,7–4 млн). Рекорд можно считать вполне закономерным, учитывая такой железобетонный провенанс скульптуры.

30. Неизвестный автор. Бюст римского консула Германика. Ок. 37–45 гг. н.э. $8,146 млн

Еще один античный артефакт в нашем списке самых дорогих скульптур — мраморный бюст римского политика и военачальника Германика (полное имя Германик Юлий Цезарь Клавдиан), приемного сына императора Тиберия и отца императора Калигулы. Неизвестный скульптор изваял молодого и успешного римского полководца, отличившегося своими кампаниями в Германии и отравленного в возрасте всего 33 лет. Существует около десяти похожих бюстов Германика. Самые известные из них хранятся в Лувре (бюст, найденный в Кордове) и Британском музее (вариант из базальта). Бюст, выставленный на торги Sotheby’s в декабре 2012 года, происходит из коллекции герцогов Элджин и их родового поместья Брумхолл в Шотландии. Бюст Германика купил в 1798 или 1799 году в Риме секретарь британского посла в Константинополе 7-го герцога Элджина Томаса Брюса. Мраморный античный бюст предназначался для украшения дипломатической резиденции. Впоследствии на несколько столетий бюст Германика обосновался в Брумхолле. Неудивительно, что за работу с таким солидным провенансом боролись до $8 млн.

31. САЙ ТУОМБЛИ Без названия (Рим). 1987. $7,7 млн

Сай Туомбли — один из самых дорогих и самых непонятных современных художников. Искусствоведы в восторге от его работ, в то время как подавляющее большинство публики не готово назвать «это» искусством. Тем не менее его холсты, покрытые царапинами наподобие детских каракулей или рисунков первобытного человека, на мировом арт-рынке стоят миллионы долларов. А теперь в списке самых дорогих его произведений появилась и скульптура. Работа «Без названия (Рим)» на аукционе Christie’s 15 мая 2013 года была продана за $7,7 млн с учетом комиссии. Скульптура отлита из бронзы, но основой для нее послужил ассамбляж из кусков дерева, семенной коробочки мака, тонкой деревяшки-подпорки и других объектов. За кажущейся простотой искусствоведы прочитали множество смыслов. Это и оммаж «Идущему человеку» Джакометти (если приглядеться, в тонких палочках можно угадать антропоморфные формы), и отсылка к античности (цветы мака фигурируют во множестве древнегреческих мифов), и линия, вырвавшаяся в трехмерное пространство. Искусство Сая Туомбли не для всех, но для рынка главное то, что в число «не всех» входят миллионеры.

32. ХУЛИО ГОНСАЛЕС Маска «Тень и свет». Около 1930. $7,45 млн

Классика модернистской скульптуры Хулио Гонсалеса причисляли и к абстракционистам, и к сюрреалистам, однако сам он открещивался от подобных определений. Он называл свои сваренные из железа скульптуры просто «рисунками в пространстве». Гонсалес создавал свои причудливые образы из отходов промышленного производства — жестяных обрезков, механических деталей и т.п. Интересно, что уроженец Барселоны Гонсалес целых 50 лет шел к своему призванию скульптора. Он родился в семье знаменитых ювелиров, какое-то время шел по стопам отца, однако мечтал стать живописцем. В 1902 он навсегда покинул Испанию ради Парижа и творческой среды Монмартра. Здесь он подружился с Пикассо (по словам последнего, Гонсалес «манипулировал металлом, словно маслом»). Однако первые скульптуры из металла он стал создавать лишь в конце 1920-х годов. Самая дорогая на сегодняшний день работа Хулио Гонсалеса — маска «Тень и свет» — относится к 1930 году. На аукцион Sotheby’s была выставлена оригинальная работа из железа, с которой было сделано 8 отливок (плюс 5 авторских) из бронзы.

33. МАРИНО МАРИНИ Всадник. 1951. Отливка 1955. $7,15 млн

Итальянского ваятеля Марино Марини (1901–1980) все узнают главным образом по великолепным в своей архаичной простоте скульптурам всадников. У художника, еще при жизни добившегося признания и всяческих наград (в том числе первого приза Венецианской биеннале 1952 года), есть и замечательные скульптурные портреты, и ню, и работы на бумаге и холсте, однако к теме лошади и всадника у Марини было особое отношение. Как он сам говорил, огромную роль в его творчестве сыграло знакомство с культурой этрусков: «Вот почему мое искусство строится на темах из прошлого, таких как связь лошади и всадника, а не на современных темах вроде взаимоотношений человека и машин». Но если первые всадники Марино Марини прочно и уверенно держались на лошади, будто античные герои, то с течением времени из-под руки мастера все чаще стали выходить образы лошадей, готовых сбросить своих седоков. Свергнутый с трона-седла всадник отражает идею автора о кризисе человеческой природы и отмирании ценностей прошлого. Одна из подобных скульптур отливки 1955 года больше 50 лет провела в коллекции шведского профсоюза. Ее аукционный результат 2010 года стал рекордным для Марино Марини: скульптура «Всадник» заработала $7,15 млн.

34. УРС ФИШЕР Без названия (Лампа «Медведь»). 2005–2006. $6,8 млн

Ну и напоследок — желтый медведь Урса Фишера (1973). Это, пожалуй, самая основательная и значимая работа Фишера из когда-либо появлявшихся на аукционе. Швейцарский художник больше известен своими недолговечными работами из воска (большие скульптуры-свечи, оплывающие по мере сгорания фитиля) или хлеба (Фишер как-то построил дом из хлеба и поселил в нем попугаев, постепенно крошивших и съедавших свое жилище). А «Лампа “Медведь”», хоть и кажется мягкой плюшевой игрушкой, на самом деле сделана из бронзы. Эта семиметровая скульптура весом около 20 тонн посвящена любимым и знакомым с детства вещам. Фишер соединяет повседневные предметы, которые сложно представить слитыми воедино. Но впечатление этот мишка с горящей во лбу лампой производит праздничное. Сразу вспоминаются «воздушные шарики» Кунса. Посидев на площади перед нью-йоркским офисом Christie’s, желтый медведь отправился в некую частную коллекцию в обмен на $6,8 млн.

Мария Онучина, Юлия Максимова, Катерина Онучина, AI

Внимание! Все материалы сайта и базы данных аукционных результатов ARTinvestment.RU, включая иллюстрированные справочные сведение о проданных на аукционах произведениях, предназначены для использования исключительно в информационных, научных, учебных и культурных целях в соответствии со ст. 1274 ГК РФ. Использование в коммерческих целях или с нарушением правил, установленных ГК РФ, не допускается. ARTinvestment.RU не отвечает за содержание материалов, представленных третьими лицами. В случае нарушения прав третьих лиц, администрация сайта оставляет за собой право удалить их с сайта и из базы данных на основании обращения уполномоченного органа.

Необычные памятники любимого Петербурга | Питер Online

Среди сотен петербургских памятников есть необычные и затейливые, огромные и еле заметные, футуристические и похожие на невиданных зверей, мистические и исполняющие заветные желания. 50 самых интересных памятников Санкт-Петербурга: 

 

Памятник Остапу Бендеру

Бронзовый сын турецкоподанного держит подмышкой папку с компроматом на подпольного миллионера Корейко и облокачивается на стул с бриллиантами. Открытие скульптуры посвящено столетию со дня рождения Остапа. Знатоки утверждают, что Бендер родился 25 июля 1900 года.

Каждое лето перед статуей Остапа выстраивается целая очередь из страждущих денежного достатка: великий комбинатор может обогатить каждого желающего. Достаточно утереть ему нос и посидеть на двенадцатом стуле.

— Итальянская ул., 2

  

---

 

Барельеф на постаменте памятника Петру I 

Фото: Санкт-Петербург.ру

Рядом с Михайловским замком есть памятник Петру I. Но примечателен не столько великий император, сколько барельеф на постаменте. Он обладает сразу двумя героями, исполняющими желание.

Композиция включает в себя сцену спасения матроса. Если потереть пятку герою в тельняшке, то можно не бояться утонуть. Как в море, так и на экзаменах. А если кинуть монетку в стойкого солдата на фасаде здания, то удача обеспечена. Конечно, если монетка удержится там.

— Садовая, 2

 

---

 

Чижик-пыжик на Фонтанке

 

Культурные наследия Северной столицы дополняют памятники неформального Петербурга. Вот один из них. Бронзовая птичка гарантирует премии и выигрыши тем, кто попадет по ее клюву монеткой. Несмотря на свой маленький рост — всего 11 сантиметров — Чижик известен всем петербуржцам. Каждый хоть раз, но пытал счастья у маленького пернатого жителя Петербурга.

— набережная реки Фонтанки, 1-й Инженерный мост

 

---

 

Грифон у Академии художеств

Фото: spbfoto.spb.ru

Петербург славится грифонами. Строгий крылатый лев, расположенный почти у воды, охраняет набережную. И сулит счастье, долгую жизнь и богатство. Нужно погладить его крылья и смотреть в глаза. Ну или взяться за его правый клык.

— Университетская набережная Васильевского Острова, 17

 

---

 

Заяц на свае у Петропавловской крепости

Фото: Юльча Сковорода 

По легенде, во время наводнения Петербурга один из зайцев, обезумев от страха, прыгнул на сапог к Петру I и таким образом спасся от смерти. Правда не известно: удалось ли ему потом избежать кухонного ножа. В честь прыгуна остров стали называть Заячьим.

Ушастый житель сваи у Иоановского моста щедро одаривает богатством. Но только тех, кто попадет в зайку. Монетка, отскочив, должна остаться на свае. И это обязательное условие.

Небольшую, высотой 58 см, фигуру зайчика, создал скульптор Петровичев. Открыли памятник 7 мая 2003 года.

— Заячий остров, свая у Иоановского моста

 

---

 

Бегемотиха Тоня

 

Милая бегемотиха, расположившаяся во дворе филфака СПбГУ, помогает найти вторую половинку. Помогает ушами. Девушки, желающие выйти замуж, должны потереть левое ушко. А парни, стремящиеся жениться, погладить правое.

— Биржевой проезд, 2

 

---

 

Фотограф на Малой Садовой

Всем желающим счастья и богатства стоить посетить Малую Садовую. Деньги придут к тому, кто подержится за палец фотограф. А счастье будет у человека, прикоснувшегося к языку собаки — верному спутнику бронзового человека.

— Малая Садовая, 3

 

---

 

Кот Елисей и кошка Василиса

Там же, на Малой Садовой, есть две небольших скульптуры. Они открываются только тем, кто внимательно рассматривает стены зданий. Василиса стоит на карнизе второго этажа, дома №3. Важный Елисей восседает на углу Малой Садовой, 8.

По легенде, памятник установлен в честь «мяукающей дивизии», спасшей блокадный Ленинград от нашествия крыс. В котиков нужно кинуть монеткой. И если она останется на фасаде здания, то кидающий «поймает удачу за хвост». Кот Елисей и кошка Василиса — cамые известные из неформальных памятников Петербурга.

— Малая Садовая, 3 и 8

 

---

Башня Грифонов

Everyday Legends

На 7-й линии Васильевского Острова, во дворе дома №16 находится Башня Грифонов. Она примечательна тем, что каждый ее кирпич пронумерован. Правда, проблема в том, что числа располагаются в беспорядке. И каждый день они меняют свой порядок.

По легенде, в этих записях зашифрована тайна Вселенной. Или формула философского камня. Тот, кто разгадает тайну, получит доступ к неземным богатствам и счастью. Свое название башня получила в честь невидимых грифонов, которых выращивал аптекарь Пель.

— 7-я линия Васильевского острова, 16

 

---

Скульптура дворника

Гранитный страж чистоты и порядка держит в руках лопату. И если положить туда монетку, то нужно срочно искать лопату для себя. Потому что именно ей будет удобнее всего подгребать к себе несметные богатства. Так гласит легенда.

— пл. Островского

 

---

Скульптура фонарщика

«Ведь, если звезды зажигают, значит это кому-нибудь нужно?» В честь людей, которые каждый вечер «зажигали звезды» на проспектах Петербурга, установили памятник там, где прошли первые испытания электрических фонарей.

Уставший фонарщик, спроектированный Б.Сергеевым и О.Панкратовой из чугуна сидит на тротуарном ограждении с длинной лестницей и веревкой в руках.

— ул. Одесская, 1

 

---

Скульптура водовоза

До середины XIX века в Петербурге не было централизованного водопровода. Вода для нужд населения доставлялась в бочках водовозами. И по цвету бочки можно было определить чистоту воды.

В белых бочках возили воду из Невы, она была в то время чистой и ее использовали для питья. Вода же из каналов, привозимая в желтых и зеленых бочках, шла на хозяйственные нужды.

— Шпалерная, 56

 

---

Скульптура трубочиста

Увидеть трубочиста – к счастью, как гласит городская легенда. Правда, его необходимо поприветствовать особым образом. Как именно — легенды умалчивают. Кто-то говорит, что достаточно улыбнуться ему. А кто-то советует еще держаться за пуговицу.

Чумазый, но неунывающий человек, с ершиками и веревками в руках, карабкается по лестнце на Большой Московской ввысь над Петербургом. Статуя установлена именно на удачу, чтобы каждый петербупжец смог поглядеть на трубочиста и загадать желание.

— во дворе дома на Большой Московской, 1-3

 

---

Скульптура Василия Корчмина

Петр I, посылая приказы в укрепление на западной оконечности острова, адресовал их так: «К Василью на остров». По одной из легенд после этого остров и стал Васильевским.

Решили создать собирательный образ Василия. Победил проект двух студентов: бронзовый капитан Василий, расположившийся на пушке, предлагает всем прохожим сфотографироваться с ним и потереть нос на удачу.

— Васильевский Остров, 6-я линия, 34

---

Собачка Муму

Одна из самых грустных повестей Тургенева стала причиной установки статуи собачки спустя 150 лет после первой публикации. Бронзовый спаниель лежит рядом с сапогами, принадлежащими Герасиму и ждет своего хозяина.

Сверху висит табличка с надписью «В память собаке». Рядом — плащ дворника, накинутый на крючок. Арт-объект принадлежит кафе «2 Му», на площади Тургенева.

— Садовая, 94/23

 

---

Скульптура двух лошадей

Конно-железная дорога стала первым общественным транспортом в Петербурге. Одноэтажный или двухэтажный вагончик тянулся по рельсам лошадьми. В одном вагончике вмещалось до двадцати двух человек. Петербуржцы установили памятник конно-железной дороге.

Теперь образец конки конца девятнадцатого века стоит напротив станции метро Василеостровская. Она была спроектирована по сохранившимся чертежам Путиловского завода. В 2009 году к группе добавили статую вагоновожатого.

— Васильевский остров, 6-я линия

 

---

Нос майора Ковалева

Кто из нас не читал повесть Гоголя «Нос»? Памятник представляет собой серую известняковую путиловскую плиту 60х35 см, в нижней части вмонтирован нос, дышащий Петербургом.

— Вознесенский проспект, 11

 

---

 

Мальчик-кентавр

Идеей для создания скульптуры послужила статуэтка Международного кинофестиваля «Послание к человеку». Мальчик-кентавр выполнен из бронзы. А венки в руках и на голове мальчика позолочены.

— ул. Караванная, 12

 

---

Композиция «Новый век»

Ну углу улиц Белинского и Моховой находится скульптурная композиция, посвященная новому веку. В нее входит «река времени» и два пилона по бокам – двадцатый и двадцать первый века.

— угол Белинского и Моховой

 

---

Тишина Матроскина

Владимир Петровичев, автор «Елисея» и «Василисы» на Малой Садовой, в 2005 году подарил бронзовую кошку Дмитрию Шагину, лидеру творческого объединения «Митьки». Она украсила мансарду дома на улице Правды.

— ул. Марата, 34

 

---

Царь-плотник

Памятники Петру I давно стали достоянием Северной столицы. Однако в Петербурге все же имеется нетривиальная скульптура великого императора. Статуя установлена в 1910 году в период празднования двухсотлетия Санкт-Петербурга.

— Адмиралтейская набережная, 6

 

---

Скульптура рыбы колюшки

Каждому петербуржцу знакома корюшка. Она пахнет свежими огурцами и пришедшей весной. Но с колюшкой мало кто знаком. Маленькая колючая рыбешка, которую рыбаки даже кошкам на корм не ловят.

Однако эта рыбка спасла от голодной смерти многих жителей блокадного Ленинграда. Поэтому она удостоилась собственного, пусть и небольшого памятника.

— Кронштадт, набережная Обводного канала

 

---

Виктор Цой на мотоцикле «Ява»

Петербург не зря зовется городом-родиной рок-н-ролла. Необычный памятник рок-музыканту установлен на Невском проспекте, рядом с кинотеатром «Аврора».

Виктор, в черных очках и с закатанными рукавами сидит на мотоцикле «Ява». Мотоцикл призван воплощать энергию, мощь и силу, которые исходили от музыканта.

— Невский проспект, 60

 

---

 Сквер знаков зодиака

Одна из самых малоизвестных достопримечательностей Санкт-Петербурга. В небольшом скверике в окрестностях станции метро «Лиговский проспект» установлены двенадцать столбиков. На каждом табличка со знаком зодиака и кованный свиток.

— Волоколамский переулок, 9

 

---

Менеджер с ноутбуком 

Фото: unplaces.ru

В век информационных технологий даже памятники спешат обзавестись современными средствами связи для работы. Так, рядом с бизнес-центром «Авеню» сидит бронзовый менеджер. Он сосредоточенно работает на ноутбуке.

Коворят, если погладить работягу по голове, то день будет удачным: можно просить повышение или прибавку к зарплате. А для удачного замужества или женитьбы нужно потрогать обручальное кольцо на руке менеджера.

— Аптекарская набережная, 20

 

---

Скульптура капли

Прозрачная капелька символизирует чистоту петербургских вод. Она установлена в честь завершения работ по строительству канализационного коллектора. Благодаря этому коллектору, вода в Неве и каналах снова станет чистой.

— Крапивный переулок, 8

 

---

Петербургский ангел

Фото: ilya-tsypin

Бронзовый ангелок поселился на скамейке в Измайловском саду. Он прячется под зонтиком и читает книгу — настоящий петербургский житель-интеллигент. Ангел дарит хорошее настроение и свежие мысли всем,кто присядет к нему на скамейку.

— Измайловский сад, набережная Фонтанки

 

---

Постамент человека-невидимки

Находится необычный памятник напротив входа в психиатрическую больницу. Изначально на постаменте возвышался бюст Александра II. Но в 1931 году бюст снесли, а чья-то шаловливая рука подписала опустевший постамент: «Человек-невидимка».

— Набережная Фонтанки, 132

 

---

Царь-ванна

Фото: kramola.info

Гигантская ванна целых шесть лет вырезалась и еще десять шлифовалась по проекту Бетанкура. Такой шикарный подарок предназначался Александру I. Так и неизвестно: купался в ней император, или Царь-ванну постигла судьба Царь-пушки, из которой ни разу не стреляли.

— Пушкин, Баболовский парк

 

---

Индейские боги во дворе Кунсткамеры

Эти памятники стали царем Соломоном для влюбленных.По легенде, рядом с ними нельзя произносить ни слова лжи. Поэтому парочки часто приходят к индейским богам выяснять отношения и давать клятвы.

— Университетская набережная, 3

 

---

Послание через века

Раскрытая гранитная книга хранит на своих страницах фрагмент поэмы А.С.Пушкина «Медный всадник». Этот памятный знак стал подарком Петербургу на трехсотлетний юбилей. Образ книги выбран не случайно — она символизирует духовное богатство, мудрость, знания и культуру.

— Университетская набережная, 13

 

---

Скульптура бравого солдата Швейка

На Балканской площади, там где свое начало берет улица Ярослава Гашека, стоит литературный герой, полюбившийся многим — бравый солдат Швейк. Поговаривают, что если загадать желание и погладить пивную кружку в руках бронзового вояки, оно обязательно исполнится.

— Балканская площадь, 5

 

---

Скульптурная группа на Тульской улице

Состоит из четырех фигур: «Даная», «Орфей», «Кариатида» и «Материнство». Изначально двор украшали лишь первые три фигуры. Их композиция — вертикальная, горизонтальная и кубическая, должны были гармонично украшать двор. В дальнейшем к ним присоединили еще и «Материнство».

— ул. Тульская, 8

 

---

Скульптура Дворнику 

Фото: photozone-t.livejournal.com

Сделал скульптуру мастер художественной ковки Сергей Мельников, а прообразом стал персонаж из мультфильма «Падал прошлогодний снег» А. Татарского.

Есть примета, что если потереть его нос, то исполнится заветное желание из детства.

— ул. Афанасьевская, 6

 

---

 

Дерево любви

Его маленькие красные листочки в причудливом сплетении образуют крону в форме сердца. А у молодоженов и просто влюбленных уже появилась традиция: вешать на веточки замки со своими именами, а ключи класть в специальный сундучок, висящий на дереве. Говорят, что это делает союз крепким и счастливым.

— сад Опочинина

 

---

Гаврюша – собачка, исполняющая желания

Так как эта собачка живет в Петербургском дворике, она, как достойный житель культурной столицы, грамотна и умна. И чтобы Гаврюша исполнила желание, достаточно написать его на бумажке и кинут в почтовый ящик.

— ул. Правды, 11

 

---

Скульптура влюблённых

Скульптура поставлена память о живших когда-то в немецком квартале молодых людях, которые больше двадцати лет пытались добиться у её родителей разрешения на брак и, не добившись, вместе бросились в Неву. Если повязать ленточку на зонте скульптуры, вы найдете свою любовь.

— Гражданский проспект, 23

 

---

Стелла счастливой семьи

Это пока единственный памятник в Петербурге, посвященный не просто любящим, а еще и создавшим семью. Находится восьмиметровая скульптурная композиция недалеко от метро Академическая.

— ул. Верности, 4

 

---

Скульптура городового

Городовой подарен петербургскими правоохранительными органами Петербургу в честь двухсотлетия МВД. В скульптуре запечатлен образ городового середины XIX века. Стройный усатый мужчина навсегда стал надежным хранителем спокойствия на улицах города.

— пересечение Малой Конюшенной и Шведского переулка

 

---

Собака Павлова

Памятник с надписью «От благодарного человечества» стоит сегодня во дворе института экспериментальной медицины. Установки добивался сам Иван Павлов. Он считал, что памятник должен стоять именно в Петербурге. Ведь культурная столица считалась в те годы одним из центров мировой науки.

— улица Академика Павлова, 12

 

---

Быки у мясокомбината «Самсон»

Эти бычки созданы еще в первой четверти XIX века. Первоначально они стояли на «Царскосельской першпективе». Существует легенда, что во сне быки пришли к своему создателю — Василию Димут-Малиновскому. Зачем они приходили, в чем смысл этого сна — никто не знает.

— Московское шоссе, 13

 

---

Скульптура памяти Альфреду Нобелю

Композиция представляет собой дерево жизни. От разрушений и покушений его охраняет птица — святой дух. Открыта скульптура в честь девяностолетия со дня вручения нобелевской премии.

— Петроградская набережная, 24

 

---

Охтенка

Молочный промысел был наиболее распространен на Охте в начале XIX века. Еще Пушкин писал в «Евгение Онегине» об охтенках — так их называли тогда — спешащих с кувшинами. Скульптура установлена на месте, по которому раньше пролегал маршрут петербуржских молочниц.

— шоссе Революции, 8

 

---

Рука творца

У стен Александро-Невской лавры находится необычный памятник — человеческая кисть в тонких пальцах держит фигуру из параллелепипедов. Памятник подарили Петебрургу на его трехсотый день рождения. Символизирует первого архитектора Санкт-Петербурга: Доменико Трезини.

— Невский проспект, 179/2

 

---

Петр I в Петропавловке

И все же этот памятник императору вызывает недоумение: непропорциональное тело, посмертная маска…Скульптор, Михаил Шемякин, был исключен из художественной школы и даже принудительно лечился в психиатрической лечебнице. Но памятник Петру, после шквала критики, все же полюбился горожанам.

— Заячий остров, Петропавловская крепость

 

---

Каменный гребец

Многие петербуржцы до сих пор не может поверить в то, что памятник призван изображать именно гребца. Высказывают самые разные предположения: это птица, просто нагромождение камней, памятник кубизму. Скульптуру подарили Санкт-Петербургу на трехсотлетний юбилей.

— Большая Озерная улица, 55

 

---

Изумрудный город

В одном из дворов Северной столицы ожила сказка. Скульптуры, возвращающие нас в детство ждут тех, кто пройдет по желтой кирпичной дорожке. На время вход во двор был закрыт из-за наплыва вандалов. Но кто ищет, тот всегда найдет.

— улица Правды, 2-8

 

---

Пожарная машина

На крыше пожарной части №44 установлена пожарная машина ЗиЛ-130. Эти машины в советском союзе получали Знак качества СССР. Данный памятник не только трудолюбивым железным коням, но и героям, которые спасали человеческие жизни – пожарным.

— улица Караваевская, 46

 

---

Ледовые грифоны

Рядом с Ледовым дворцом на Ледовом мосту установлены ледовые грифоны. Они выполнены в стиле минимализма и украшены цветной плиткой. Мифические гранитные грифоны не успели обрасти никакими легендами, но полюбоваться на них очень приятно.

— Ледовый мост через речку Оккервиль

 

---

 

Скульптура «Семья»

Скульптура символизирующая семью установлена на 7-ой Красноармейской. Обнимающиеся мужчина с женщиной и младенцем заключены в раму. Верхняя часть рамы — крыша дома. Снизу композиция словно вырастает из земли. Это означает близость к корням, ведь основание очень похоже на древесный ствол.

— пересечение улицы 7-й Красноармейской и улицы Егорова

 

---

 

Памятник бабушке в Зеленогорске

Пожалуй, один из самых добрых и, в каком то роде, важных памятников Ленинградской области можно найти в Зеленогорске. Скульптура представляет собой высокий стул, с аккуратно лежащим на нем, клубком шерсти, очками и вязальными спицами. Создается ощущение, что старушка оторвалась на минуточку от привычного занятия и куда-то вышла. Памятник бабушке открыли в 2008 году в качестве знака уважения к пожилым людям.

— Ленинградская обл., г. Зеленогорск, пр. Ленина, д.26

Галерея современной скульптуры и пластики

О том, что такое современное искусство, можно спорить до бесконечности – у каждого зрителя есть свое мнение на этот счет. Единственное, в чем сходятся все созерцатели творений художников нашего времени – это то, что авторам дана полная свобода творчества. Сегодня существует множество проектов, поддерживающих как классические, так и новаторские направления.

Одним из таких проектов является Галерея современной скульптуры и пластики. Экспозиции предлагают к просмотру как натуралистические, так и абстрактные композиции. Более того, галерея выходит за привычные рамки выставочных стен и занимает пространство Ботанического сада на улице Профессора Попова.

В отличие от множества других музеев модернового искусства в Санкт-Петербурге, Галерея современной скульптуры и пластики не боится больших форм. Некоторые из представленных экспонатов достигают размеров 3 метров в длину или высоту. Более того, для каждой из них созданы оптимальные условия – обустройство окружающего пространства и освещение.

Экспозиция включает в себя скульптуры российских и зарубежных авторов середины ХХ начала ХХI века. Материалы, использованные для создания произведений, самые разнообразные. В галерее можно посетить выставки деревянных, металлических, каменных скульптур, а также созданных из нестандартных материалов – пенопласта или целлюлозы.

Основная идея галереи

Галерея была открыта благодаря амбициям и упорству ее директора Софьи Касым: в 2009 году в бизнес-отеле «Карелия» Софья обратилась к посетителям выставки:

«Вам не хватает в жизни красоты – тогда приходите к нам. Вокруг вас жизнь утратила форму, цвет и ритм – приходите к нам. Вы чувствуете, что жизнь может быть прекраснее, но не знаете, как это сделать – тогда до свидания … до встречи в нашей галерее».

Главной идеей создания галереи было привлечение внимания современного зрителя к скульптуре как к направлению в искусстве, имеющему право на существование наравне с живописью. Софья Касым ставит перед собой 3 главных задачи:

• Получение эстетического удовольствия и знакомство с произведениями искусства ХХ – XXIвеков.

• Украшение Санкт-Петербурга скульптурами современных авторов. Софья хочет возродить традицию установки памятников на мостах и фасадах зданий, а также предлагает украсить дворы и детские площадки.

• Привлечение частных коллекционеров. Сегодня большинство людей знает цену искусству – это видно по домашним коллекциям и оформлениям интерьеров. Поэтому галерея готова предложить стоящие работы скульпторов для частных домов, которые будут радовать взор и удивлять гостей.

Выставки галереи

Первой экспозицией Галереи современной скульптуры и пластики стала выставка «Освоение пространства», положительно воспринятая зрителями. Здесь их взору впервые предстали масштабные скульптуры, которые из-за  сложностей транспортировки и установки в помещении до сих пор не осмеливался выставить ни один музей в Петербурге.

Большинство предметов экспозиции были созданы ярким и самобытным скульптором Олегом Жогиным – уроженцем Краснодарского края, выставлявшемся ранее в зале «Союза художников» и Государственном Русском музее. Одной из самых ярких деревянных скульптур этого автора является «Эволюция», изображающая чудовище с миролюбивым взглядом на человеческом лице и телом рыбы.

Вторым автором стала Юлия Мурадова – член Союза художников России и Петербургского общества анималистов, лауреат стипендии Президента России за творческие успехи. Ее работы выполнены из огнеупорной глины и керамики и имеют лирические названия: «Все мы шли по этим холмам», «Не плюй против ветра», «Яблоко чудес».

Также на выставке были представлены несколько работ новгородских авторов Вадима Боровых и Вячеслава Смирнова, работающих с бронзой, железом и гранитом.

Одна из последних выставок «Галереи скульптуры в Ботаническом саду» является самой креативной на всей территории Санкт-Петербурга. Она поделена на 2 самостоятельные экспозиции: современная парковая скульптура, состоящая из 49 работ, и лэнд-арт, включающий 15 объектов, удивительно гармонично вписывающихся в пейзажи ботанического сада. Здесь преобладают изображения зверей и природных стихий. По признанию директора музея, осуществить эту идею было довольно сложно: для расстановки скульптур под открытым небом учитывались особенности ландшафта и основные маршруты посетителей.

Что касается  экспозиции современной парковой скульптуры, то в ней представлены абстрактные работы художников, задающие условные формы и предлагающие поразмыслить над идеей автора. Каждая работа завораживает своей причудливой формой. В одной угадывается целующаяся пара, в другой – то ли лежачий камень, то ли журчащий поток. Абстрактные моноцветные фигуры и парящие в воздухе витражи также здесь не являются редкостью.

На счету галереи есть и другие не менее оригинальные выставки. Это:

• «Мысли о женщине»;

• «Старый дом»;

• «Волшебство на даче»;

• «Настениана» и другие.

Интересные факты

• Галерея современной скульптуры и пластики пропагандирует бережное отношение к природе, ставя задачу приумножить культурное наследия России и прославить Санкт-Петербург как центр культуры и искусства  с мировым именем. По этому поводу на территории галереи был организован симпозиум «Вторая жизнь дерева».

• Помимо основных скульптурных экспозиций в выставочных залах представлены несколько работ в направлении живописи и графики.

• Открытие  выставки «Галерея скульптуры в Ботаническом саду» было приурочено к 300-летию Ботанического сада.

У каждого жителя Северной столицы и гостя города есть уникальная возможность насладиться красотой современного искусства, освещенного лучами солнца. Появилась она благодаря Галерее современной скульптуры и пластики и ее директору Софье Касым.

 

Современное искусство: казанский уличный художник Дима Шленкин

Мы заходим во двор дома на Кремлевской и садимся на лавки напротив друг друга. Я прошу Диму кратко рассказать о своей биографии, и поначалу он ограничивается казенными фразами вроде «29 лет назад я родился на той стороне Казанки, на границе Московского и Ново-Савиновского районов», но когда речь заходит о школе, подробностей становится больше. «Учился в средней школе 91 — бандитской. Ну чтобы ты понимал: один раз я пришел с утра пораньше, а на полу валялись выбитые зубы. Или когда пошли в десятый класс, нас распределили так: в «А» класс — богатые, в «Б» — бедные. Окей, пошли в бедные. В десятом же классе четверо из «Б» сели в тюрьму за изнасилование… Еще помню, как я дрался с главным злодеем школы. Потом он меня нашел, позвал других — меня били человек двадцать… Проснулся утром, а глаза не открываются! На самом деле там были детские причины для конфликта: кто-то что-то кому-то сказал. Нелепая ссора. Правда, тогда я даже ходил с ножом — боялся, что меня еще раз побьют. Но главное, что каким-то удивительным образом у меня и моих друзей, с которыми я до сих пор общаюсь, в те годы изменилось сознание — мы поняли, что мир не заканчивается бандитами и захолустьем, где правит насилие, и есть что-то другое. Это произошло, когда мы собрали нашу первую группу, называлась она „Живые“. Все ее участники состоялись в жизни и заняты своим делом».

Разговоров о музыке, будь то обсуждение новинок или собственных предпочтений, Дима не любит, да и названия треков не запоминает. «Начинал с русского рока, как и все любители дрынди-брынди на гитаре, потом были Blink-182, Green Day. Мы любили Beatles, в то же время и Rammstein. Во многом из-за того, что нам нравилась разная музыка, мы разошлись как музыкальный коллектив».

Учебу в Казанском государственном институте культуры Дима называет временем поиска. А еще «продолжением формирования его шатающейся личности». «Не могу сказать, что получил там много знаний, — учился на звукорежиссера. Но я приобрел много знакомых и вошел в ту среду, в которой нужно мыслить. Хотя в „кульке“ я был незаметным чуваком — там даже угорали, что меня в детстве уронили в чан с травой. Просто все носились со своими творческими идеями, а я всегда был расслаблен. Но я, разумеется, против наркотиков».

18 знаменитых скульптур в истории от Микеланджело до Джеффа Кунса

Работая в трех измерениях, скульпторы на протяжении всей истории придавали мрамору, бронзе, дереву и другим материалам невероятные формы. И с наших самых ранних времен скульптура была важным способом понимания культуры и общества, будь то портретные бюсты великих лидеров или символические изображения этических принципов.

Если вы остановитесь, чтобы рассмотреть знаменитые скульптуры в истории, список можно продолжать бесконечно.От безрукой красоты Венеры Милосской до великой армии из терракотовых воинов , построенных для защиты китайского императора, функция древней скульптуры переходит в современность благодаря новаторской работе Дюшана. И тем не менее, классика присутствует всегда, будь то символическая Статуя Свободы или скульптуры Боччони начала 20-го века, основанные на древнегреческом искусстве .

Мы познакомимся с 18 известными скульптурами в истории, чтобы показать разнообразие искусства, которое захватило воображение публики.Новаторские, красивые и часто заставляющие задуматься, эти работы выдержали испытание временем.

18 знаменитых скульптур, ставших знаковыми в истории:

Венера Виллендорфская (ок. 30 000-20 000 до н. Э.)

Фото: Wikimedia Commons GNU FDL

Венера Виллендорфская — фигурка высотой 4,4 дюйма, сделанная из известняка, обнаруженная в Виллендорфе, Австрия. Считается, что он был создан между 30 000 и 25 000 до н.э., что делает его одним из старейших известных произведений искусства в мире.Из-за выдающейся груди фигуры, округлого живота и стройных бедер многие исследователи со временем пришли к выводу, что резьба должна была быть статуей плодородия или «фигуркой Венеры».

Бюст Нефертити работы Тутмоса (1345 г. до н.э.)

Фото: Филип Пикарт / Shutterstock

Этот расписной бюст из известняка, который сейчас находится в Новом музее в Берлине, представляет собой прекрасный портрет Нефертити, Великой королевской жены египетского фараона Эхнатона.Найденный в мастерской художника по имени Тутмос, его культовый рендеринг сделал Нефертити символом идеальной женской красоты на долгие века.

Терракотовые воины (конец III века до н.э.)

Фото: Bule Sky Studio / Shutterstock. ПРОЧИТАЙТЕ БОЛЬШЕ: «Терракотовые дочери» рассказывают о гендерных предпочтениях в Китае

терракотовых воинов — это коллекция статуй в Сиане, Китай, изображающая армию Цинь Шихуанди, первого императора Китая.Среди них 8000 солдат, 130 колесниц и 670 лошадей. Фигуры — невероятный образец погребального искусства, созданный для защиты Императора в загробной жизни. Они были обнаружены только в 1974 году, когда фермеры, копавшие колодец, наткнулись на них почти в 1,6 км от гробницы Императора. Части коллекции часто являются частью передвижных выставок по всему миру, а мавзолей в Сиане является объектом Всемирного наследия с 1987 года. Работы вдохновили все, от трехмерного искусства тротуаров до скульптур из теста для пиццы.

Лаокоон и его сыновья (ок. 323 г. до н.э. — 31 г. н.э.)

«Лаокоон и его сыновья» выставлены в музее Пио Клементино в музеях Ватикана в Риме, Италия (Фото: IR Stone через Shutterstock)

Со времени раскопок 16-го века Лаокоон и его сыновья привлекали как археологов, так и любителей искусства. Эта эллинистическая скульптура изображает три мраморные фигуры в динамичной сцене, основанной на древнегреческом мифе.Согласно легенде, Лаокоон был священником из Трои, который вместе со своими двумя сыновьями, Антифантом и Тимбреем, подвергся нападению морских змей, посланных богом. Хотя оригинальный скульптор остается загадкой, работа хвалится своим техническим мастерством и эмоциональным воздействием.

Ника Самофракийская (около 190 г. до н. Э.)

Фото: muratart / Shutterstock

Расположенная в Лувре, Крылатая Победа Самофракийской или Ника Самофракийская является культовым образцом эллинистической греческой скульптуры.Изображая Нику, греческую богиню победы, это одна из немногих сохранившихся эллинистических скульптур, которая является греческим оригиналом, а не более поздней римской копией. В одежде, прилегающей к ее телу, богиня торжествующе движется вперед, словно на носу корабля, ведущего войска к победе. Одна из самых известных скульптур в истории, позже она повлияла на работу Умберто Боччони « Уникальные формы непрерывности в космосе ».

Венера Милосская (около 130 г. до н.э.)

Фотография: lornet / Shutterstock

.

Также расположенная в Лувре, Венера Милосская также известна как Афродита Милоса и, как считается, изображает Афродиту, греческую богиню любви.Мраморная скульптура высотой 6 футов 8 дюймов известна отсутствием рук. Поскольку любые конечности со временем могли отломиться, нередки случаи, когда у древних скульптур отсутствовали конечности. Всемирно известная скульптура была найдена на греческом острове Милос в 1820 году крестьянином, который обнаружил, что она расколота на две части. Работа долгое время оказывала влияние на художников, в том числе на Дали, который в 1936 году создал картину «Венера Милосская» с ящиками .

Давид Донателло (1430-1440)

Фото: Патрик А.Роджерс, через Wikimedia Commons

Почти за 100 лет до «Давида » Микеланджело, итальянский скульптор эпохи Возрождения Донателло создал культовую версию библейской сказки. Отлитый из бронзы, Донателло Давид моложе и более задумчив, поскольку только что убил Голиафа. Фактически, Донателло ловко использует голову Голиафа и меч Давида в качестве опор для сооружения. В то время скульптура вызвала скандал, так как Дэвид обнажен, за исключением ботинок, и считалась настолько натуралистичной, что вызывала беспокойство.Скульптура раннего Возрождения отличается тем, что является как первой скульптурой из бронзы без опоры, так и первым со времен античности отдельно стоящим обнаженным мужчиной.

Давид Микеланджело (1501-1504)

Фото: Йорг Биттнер Унна, через Wikimedia Commons

Первоначально заказанный для крыши собора Флоренции, Микеланджело было всего 26 лет, когда он получил эту работу. Одна из самых знаковых скульптур в истории, огромная скульптура «Давид » Микеланджело, спокойная и собранная, с рогаткой, перекинутой через плечо, уверенно ждет, чтобы сразиться с Голиафом.Мастерство Микеланджело проявляется в его внимании к деталям, от выпуклых вен на руке Давида до мастерства контрапоста в его позе.

Похищение Прозерпины Джан Лоренцо Бернини (1621-1622)

Фото: стоковые фотографии с irisphoto1 / Shutterstock

Художнику эпохи барокко Бернини было всего 23 года, когда он создал эту мраморную скульптуру, но она до сих пор считается одним из его самых замечательных произведений.Основанный на древнегреческом мифе, Похищение Просперины изображает бога Аида, схватившего дочь Зевса, Прозерпину. Бернини вырезал две фигуры из каррарского мрамора, превратив камень в мягкую кожу. Его продуманная композиция и театральная драматургия делают его архетипом искусства барокко.

Статуя Свободы , спроектированная Фредериком Огюстом Бартольди и построенная Гюставом Эйфелем (1876-1886)

Фото: byvalet / Shutterstock

Известная как символ свободы в Соединенных Штатах, Статуя Свободы — это медная статуя, подаренная французским правительством, на которой изображена ограбленная фигура, представляющая римскую богиню Либертас.В руках она держит табличку с датой принятия Декларации независимости США. Идея подарка была придумана Эдуардом Рене де Лабуле, президентом Французского общества борьбы с рабством, чтобы отпраздновать победу Союза в гражданской войне и отмену рабства. Зеленая патина, которая теперь ассоциируется со знаменитой скульптурой, появилась только после 1900 года, когда медь окислилась.

Мыслитель Родена (1880, отливка 1904)

Фотография: Attila JANDI / Shutterstock

Этот шедевр французского скульптора Огюста Родена первоначально назывался Поэт и фактически должен был стать частью более крупной композиции под названием Врата ада . Мыслитель был фактически переименован литейщиками, которые нашли сходство со скульптурой Микеланджело Il Penseroso ( Мыслитель ) и стали самостоятельным произведением искусства. Знаменитая скульптура отливалась несколько раз, было отлито 28 полных фигур, хотя многие из них не были сделаны при жизни Родена. Музей Родена имеет честь продемонстрировать первый полномасштабный слепок этой фигуры, часто используемой для представления философии.

Уникальные формы непрерывности в космосе Умберто Боччони (1913, отлит в 1931 году)

Фото: Умберто Боччони [общественное достояние], через Wikimedia Commons

Хотя он умер в 33 года, итальянский художник Умберто Боччони оказал огромное влияние на мир искусства.Помогая формировать эстетику механизма Futurist , он интересовался динамизмом формы и деконструированием твердых форм. Его Уникальные формы непрерывности в космосе , которые сейчас находятся в музее современного искусства Нью-Йорка, являются вершиной его идей. Гладкая бронза, напоминающая обтекаемый всем ветром механизм, сочетает в себе современную технику и одновременно является отсылкой к древнему прошлому. Вспыхивая энергией, он исполняет желание Боччони: «Давайте раскроем фигуру и позволим ей вобрать в себя все, что может ее окружать.”

Фонтан Дюшана (1917)

Фото: Марсель Дюшан [общественное достояние], через Wikimedia Commons.

Марсель Дюшан перевернул произведение искусства своим готовым изделием Fountain , фарфоровым писсуаром. Художник Дада впервые представил работу Обществу независимых художников для выставки в Нью-Йорке, но она была отклонена. Оригинал, сфотографированный Альфредом Штиглицем в этой студии, сейчас утерян, но Дюшан заказал множество реплик в 1960-х, которые существуют до сих пор.Этой новаторской работой Дюшан предлагает нам задуматься о том, важны ли традиционные концепции мастерства или эстетики при рассмотрении чего-то искусства.

Мемориал Линкольна, спроектированный Дэниелом Честером Френчем и вырезанный братьями Пичкирилли (1920)

Фото: С. Борисов / Shutterstock

Первоначально рассчитанная на 10 футов в высоту, эта мраморная скульптура 16-го президента Соединенных Штатов была увеличена до 19 футов с головы до пят.На нем изображен созерцающий Линкольн, сидящий внутри величественного храмового сооружения, образующего остальную часть Мемориала Линкольна. С 1930-х годов космос приобрел значение как символ межрасовых отношений в Соединенных Штатах.

Птица в космосе Константин Бранкузи (1923)

Птица в космосе — это серия скульптур румынского художника Константина Бранкузи , первая из которых была отлита в 1923 году.Семь сделаны из мрамора, девять — из бронзы. Вместо того, чтобы сосредоточиться на физическом изображении птицы, Бранкузи хотел изобразить ощущение движения. Лишив животное крыльев и перьев, удлинив клюв и туловище, вырисовывается гладкая форма. Мастер-класс симметрии и гармонии, скульптура установила рекорд в 2005 году, когда была продана на аукционе за 23,5 миллиона долларов. В то время это был рекордный показатель для скульптуры. В настоящее время оригинальная мраморная версия находится в Метрополитен-музее в Нью-Йорке.

Balloon Dog Джеффа Кунса (1994-2000)

Фото: Hayk_Shalunts / Shutterstock ПОДРОБНЕЕ: Джефф Кунс представляет надувную балерину ростом 45 футов в Рокфеллер-центре Нью-Йорка

Люби его или ненавидь, Джефф Кунс создал одни из самых запоминающихся произведений искусства 20-го века. В 2013 году его Balloon Dog (Orange) , сделанный из нержавеющей стали с прозрачным покрытием, стал рекордом для живого художника, когда он был продан на Christie’s за 58 долларов.4 миллиона в 2013 году. Являясь частью серии, которая превращает веселую детскую вечеринку в монументальную скульптуру, Кунс также создал другие версии в синем, пурпурном, красном и желтом цветах.

Maman Луизы Буржуа (1999, отлит в 2001)

Фото: Руди Марил / Shutterstock

Высотой более 30 футов, Louise Bourgeois ‘ Maman в Гуггенхайме в Бильбао — это шедевр, сочетающий в себе физическую и психологическую силу.Впечатляющая своими размерами большая паучья скульптура ассоциируется с собственной матерью художника, которая занималась ремонтом гобеленов. Мы видим паука, яростно защищающего свой мешок с 26 мраморными яйцами, вызывающего страх своими размерами, но уязвимостью из-за ходулистых ног, которые, казалось, могли опрокинуться в любой момент. Паук — повторяющаяся тема в творчестве Буржуа, впервые появившаяся на рисунках в 1947 году и продолжающаяся на протяжении всей ее карьеры, включая скульптуру Spider в 1996 году.

Cloud Gate , Аниш Капур (2004)

Фото: фото.ua / Shutterstock. ЧИТАЙТЕ БОЛЬШЕ: 20+ мест, где можно найти захватывающие произведения искусства в США

Когда он не вызывает споров, эксклюзивно лицензируя самую черную черную краску на планете, Аниш Капур известен своей скульптурой, которая создает заголовки. Одна из его самых известных работ, Cloud Gate в парке Миллениум в Чикаго, была вдохновлена ​​жидкой ртутью. Капур выиграл комиссию после участия в конкурсе дизайна, и, хотя дизайн был спорным — многие считали, что цельный дизайн невозможно построить и поддерживать в хорошем состоянии, — теперь он стал любимой частью города.

Эта статья была отредактирована и обновлена.

Статьи по теме:

История искусства: что такое штриховое искусство?

История искусства: эволюция гипнотических кинетических скульптур

Изучение новейшей истории и эволюции искусства коллажей

Собакам в искусстве более 2000 лет, от древних мозаик до селфи в Instagram

Все грани вопроса | 25 самых влиятельных художников-скульпторов

От стекла до глины, не исключая бронзовых и деревянных скульптур, плюс один анекдот: одиннадцать категорий для навигации в мире скульптур.Вот список из 25 известных скульпторов — некоторые из них будут смешиваться или пересекаться, когда вы пройдете через это понимание — разделенный в зависимости от их конкретной художественной среды, в уместном сравнении старых мастеров, современных «фанк-гончаров» и блестящих, суперсовременных. цифры.

Статьи по теме: 13 женщин импрессионизма — 21 темнокожая художница — 30 лучших художников поп-арта!

Художники стеклянной скульптуры

Искусство стекла зародилось на Мурано, Венеция, в 8 веке.В начале 20-го века декоративное искусство, связанное с модерном, стало взрывным. Луи Комфорт Тиффани — сын Тиффани и основателя компании — был наиболее известен своими переливающимися витражами различных цветов и текстур: красивыми стеклянными окнами и лампами с цветочными узорами, стеклянной мозаикой, керамикой, украшениями, эмалями и изделиями из металла. В 2005 году американская художница Карен Ламонте (р. 1967), известная своими скульптурами в натуральную величину из различных материалов, перевела технику потерянного воска из студии Восточной Богемии 1950-х годов, созданной известными чешскими художниками по стеклу Станиславом Либенским и Jaroslava Brychtová — ее Glass Dress Vestige — «стеклянной скульптуре, которая изменила ход современного искусства и истории стекла».Подобно мастеру эпохи Возрождения с мастерской, в которой работают квалифицированные мастера, Dale Chihuly функционирует как индивидуальный художник, так и как креативный директор. В 1971 году он стал соучредителем школы стекла Pilchuck Glass School к северу от Сиэтла, которая помогла превратить этот регион в Мекку для художников по стеклу.

Ниёко Икута

Для художника из Киото Нийоко Икута (р. 1953) создание неземных и завораживающих слоистых скульптур из многослойного листового стекла, повторяющих форму спиралей, геометрических последовательностей — ракушек, павлиньих перьев и сказок о китах — несложно.С начала 1980-х годов одна из ведущих фигур в японском стекольном искусстве. Техника Икуты заключается в пересечении разбитых поперечных сечений листового стекла и пропускании света сквозь них. Ее мотивы происходят из чувств мягкости и резкости, страха, безграничного расширения, переживаемого через контакт с природой, образов из музыки, этнического конфликта, сердца, затронутого радостью и гневом, и молитвы.

Ниёко Икута, Ку-42 (Free Essence 42), 2013, Многослойное листовое стекло, 12 3/5 × 12 2/5 × 14 1/5 дюйма 32 × 31.5 × 36 см, © Yufuku Gallery и автор

Дейл Чихули

Пионер американского искусства стекла и самый известный художник Сиэтла, предприниматель и коллекционер Дейл Чихули, которому сейчас 78 лет, добился максимальных успехов в своем предприятии: музей сада и стекла Чихули; Эллинг; склад в Такоме; а также студию, офис и смотровую комнату, где он ставит монументальные произведения, прославившиеся на протяжении последних пяти десятилетий. Фантастические, ярко окрашенные и лизергические крупномасштабные инсталляции Чихули, которые напоминают элементы волшебной природы — раскаленные гигантские чаши из «Маккии», серию «Морские формы», люстры из выдувного стекла и «Солнце», установленное в Лондоне, чтобы упомянуть некоторые, были выставлены во всем мире с огромным успехом.

Дейл Чихули, «Летнее солнце», Стекло, 2010, Сады Кью, Кью © Королевские ботанические сады и художник

Кэрол Милн

Известная во всем мире своими выдающимися изделиями из трикотажного стекла канадско-американская скульпторка Кэрол Милн (р. 1962) стала серебряным призером Японской международной выставки стекла в Канадзаве 2010 — всемирной выставки современного искусства из стекла. Когда «Вязание еще не было классным», Милн использовал методы вязания, литья по выплавляемым моделям, изготовления форм и литья в печи для создания рыхлых и прозрачных узлов из согласованного по цвету стекла, прикрепленных к вязальным спицам.«Я рассматриваю свою вязаную работу как метафору социальной структуры. Отдельные пряди сами по себе слабые и хрупкие, но обманчиво сильны, когда связаны вместе », — пишет Милн. Целостность ее отдельных частей оставляет целое нетронутым, но неполным, как в случае, когда две руки вязали себя сами.

Кэрол Милн, Waterwings, Две руки вяжут сами и остаются на плаву, отлитый в печи свинцовый кристалл и спицы, 8 x 19 x 12 дюймов, 2016 г., © Carol Milne

Художники по металлической скульптуре

Металл — твердый, твердый, непрозрачный материал, который использовался скульпторами с древних времен, такими как Донателло, Фидий, Мирон и Поликлет.Металлы можно ковать, не ломая и не растрескивая их, чтобы придать им форму, их также можно плавить и использовать в формах или делать из проволоки и моделировать — это делает их идеальными средами для работы скульпторов. Использование бронзы для изготовления литых скульптур очень древнее, и бронза, возможно, является металлом, который наиболее традиционно считается скульптурным материалом. Однако с начала двадцатого века такие художники, как Пабло Пикассо и русские конструктивисты начали исследовать использование других металлов, а Хулио Гонсалес представил сварную металлическую скульптуру.Другие художники, известные своими металлическими скульптурами, включают английского гуру металла Энтони Гормли , Альберто Джакометти и Фернандо Ботеро .

Купите скульптурные произведения искусства из металла о Кунессе и прочтите наши статьи по теме: Что мы подразумеваем под изящным искусством? — Андреа Мантенья первый (и самый известный) художник в мире!

Альберто Джакометти

Имя швейцарского скульптора, живописца, рисовальщика и гравера Альберто Джакометти (1901–1966) находит отклик во всем мире.Джакометти был одним из самых важных скульпторов 20-го века, на работу которого особенно повлияли кубизм и сюрреализм, а также экзистенциализм и философские вопросы об условиях жизни человека. После Второй мировой войны, отказавшись от своих семи сантиметровых скульптур, Джакометти создал свои самые известные работы, сведенные к сути жизни: чрезвычайно высокие, грубые, эродированные фигурки, такие как «Три человека, идущие» (II), 1949 год. им всегда были идущий мужчина, стоящая, обнаженная женщина и бюст, часто объединенные в различные группы.В 2010 году L’homme qui marche I (1961), бронзовая скульптура человека в натуральную величину, стала одним из самых дорогих произведений искусства и самой дорогой скульптурой, когда-либо проданной на аукционе.

Статья по теме: 10 самых дорогих картин, когда-либо проданных на аукционах!

Альберто Джакометти, Нос (Le nez), 1949 (отливка 1964) Бронза, проволока, веревка и сталь, 81 x 71,4 x 39,4 см, Музей Соломона Р. Гуггенхайма, Нью-Йорк 66,1807
© 2018 Alberto Giacometti Estate / Лицензия VAGA и ARS, Нью-Йорк Фото: Кристофер Маккей © The Solomon R.Фонд Гуггенхайма

Фернандо Ботеро

Самый известный художник и скульптор из Латинской Америки и «самый колумбийский из ныне живущих художников», Фернандо Ботеро (р. 1932) — великий изобретатель «Ботеризма», фирменного стиля, состоящего из преувеличенных людей и животных, для объема и коннотации — «Большие люди», как их называют критики, — которые могут представлять политическую сатиру и обладают комическими качествами. Монументальные бронзовые фигуры Ботеро, в том числе «Римский солдат» (1985 г.), «Материнство» (1989 г.) и «Левая рука» (1992 г.), были выставлены под открытым небом по всему миру в 1990-х годах, подчеркнутые раздутыми пропорциями и мягкими четкими линиями.Став частью ландшафта Барселоны, Кот (Гато) был куплен городским советом в 1987 году и узнаваем по округлой форме, мультяшным чертам лица и длинному хвосту.

Статья по теме: Billy Monsalve Duffo

Фернандо Ботеро, Гато, 1987, 7 x 2 x 2 м., Рамбла де Раваль, Барселона

Художник по скульптуре Момо

Статуя ужаса «Момо», птицеподобного призрака, побуждающего детей через WhatsApp причинять себе вред — проблема, которая стала вирусной, вызвав панику в Интернете, — на самом деле основана на скульптуре японского художника Кейсуке Айсо.Вдохновленный японским и китайским народным изображением сверхъестественной женщины-птицы (Убуме), он был выставлен в 2016 году в Токийской галерее Vanilla Gallery, не вызвав особого интереса. Давний поклонник гротеска и оккультизма, Айсо создал силиконовую скульптуру три года назад в рамках серии ужасных произведений искусства для своей небольшой компании (Link Factory), специализирующейся на изготовлении реквизита для телешоу. Недавно сильно поврежденная скульптура оказалась в мусорном контейнере.

Художник Кейсуке Айсо в своей студии на окраине Токио, фото Рюсей Такахаси, © Кейсуке Айсо

Художники современной скульптуры

Contemporary Sculpture усиливает идею созерцания в определенном временном интервале, что добавляет бесшумности просмотру.Магия современной скульптуры обращается к композиционной связи между объектом и его окружением, пустотами и отрицательными пространствами, волнистыми линиями и изменяющимися углами движения, тенями и иллюзиями. Во второй половине двадцатого века произошли быстрые изменения. После того, как фигура была заброшена, известность приобрел сам арт-объект. Художники с творческим гением восприняли промышленные материалы и методы как часть смелого скульптурного языка, решив отказаться от традиционных методов литья или моделирования.Скульптура до сих пор широко исследуется современными художниками, такими как Джефф Кунс , Роберт Гобер , Дэмиен Херст и Томас Шютте .

Статьи по теме: Наконец-то в Париже в июне откроется новый музей Франсуа Пино стоимостью 170 миллионов долларов. 51 Самые популярные современные художники

Ева Гессе

Латекс, стекловолокно и пластик — непрочные материалы, которыми известна американская скульптор, родившаяся в Германии, Ева Гессе (1936–1970).Метеор в небе современной скульптуры. Ее новаторская работа, охватывающая всего десять лет — после болезненного опыта у нее была диагностирована опухоль мозга в возрасте 34 лет — стала влиятельной в области женского постминимального искусства 60-х годов. Ее первая скульптура, сделанная в Германии — Ringaround Arosie, в которой использовался покрытый тканью электрический провод, папье-маше и масонит, — стала отправной точкой в ​​карьере Гессе: с 1965 года, после возвращения в Нью-Йорк, она начала работать и экспериментировать с нетрадиционными материалами и процессы, связанные с непосредственностью, эксцентричностью / сексуальностью и повторением.Подробнее о Eva Hesse .

Ева Хессе, Ringaround Arosie, 1965, Карандаш, ацетон, лак, эмаль, чернила и покрытый тканью электрический провод на папье-маше и масоните, 26 3/8 x 16 1/2 x 4 1/2 дюйма (67 x 41,9 х 11,4 см),
Музей современного искусства, Нью-Йорк; Частичный и обещанный дар Кэти и Ричарда С. Фулда-младших, 2005 г. Цифровое изображение © Музей современного искусства / Лицензия SCALA / Art Resource, Нью-Йорк. Искусство © Поместье Евы Гессен. Предоставлено Hauser & Wirth

Thomas Schütte

Один из самых известных скульпторов, работающих сегодня, немецкий художник Томас Шютте, 65 лет, учился в Художественной академии Дюссельдорфа у известного художника Герхарда Рихтера.Полностью подрывая традиционные исторические жанры искусства и нарушая все правила, его эклектичный продукт фигуративных скульптур — от миниатюр до крупномасштабных общественных работ — часто тревожных, странных и жутких, превращающихся в абстракцию, «элитный бриколаж». Его знаменитая серия United Enemiesseries (1993–2011), выставленная под колпаками, вдохновлена ​​обычными стариками, политиками и местными арт-администраторами во время шестимесячной художественной резиденции в Риме. Среди наград Шютте — Золотой лев на Венецианской биеннале 2005 года.

Статьи по теме: Герхард Рихтер. Художник, вошедший в 11-е измерение!

Томас Шютте, инсталляция с (на заднем плане) United Enemies, A Play in Ten Scenes, 1994, набор из 10 четырехцветных офсетных отпечатков на бумаге, 69 x 99 см, и (на переднем плане) United Enemies, 1993–94, пластилин. , ткань, дерево, шнур, стекло и ПВХ, каждая фигурка: 31 см. высокие, габаритные: 188 х 25 х 25 см. Фото: © Monnaie de Paris / Martin Argyroglo

Художники по бумажной скульптуре

Комбинирование или придание формы различным типам бумаги, которая является стабильной и долговечной, делает искусство создания бумажных скульптур очень сложным процессом.В отличие от оригами — японского искусства складывания бумаги — бумажная скульптура состоит из нескольких кусочков или слоев бумаги. В искусстве бумажной скульптуры бумага является одновременно и предметом, и объектом наблюдения. Многие художники используют чистую бумагу — возьмем, к примеру, работы Sol LeWitt на бумаге, — другие комбинируют тонкую материю с металлом, деревом или керамикой, чтобы стабилизировать ее — например, Pablo Picasso — мир бумаги, инструмент для бесконечно исследовать его идеи и материал. Наконец, бумажные скульптуры часто создаются вне основного направления современного искусства, но не всегда, как доказывают следующие известные художники.

Ли Хунбо

Ли Хунбо — самый известный в мире скульптор из бумаги. Он родился в Китае в 1974 году, учился в Центральной академии изящных искусств в Пекине, в конце концов, сосредоточившись на старинной технике соты, использованной при изготовлении бумажных тыкв в Китае, определил его собственный подход. Хунбо исследует безграничные возможности этого материала, создавая потрясающие и растяжимые бумажные скульптуры, такие как Бюст Давида и Богиня Пантеона (2015), которые свидетельствуют об элегантном сочетании китайских народных традиций и более современных представлений о видении и восприятии.Есть китайская поговорка: «Жизнь хрупка, как бумага», — Ли Хунбо растягивает ее, бросая вызов формам и стилям.

Ли Хунбо, Радуга, 2015, Бумага, переменные размеры. Вид на инсталляцию, Художественный музей SCAD. © Галерея Эли Кляйна

Джен Старк

Родилась в Майами, штат Флорида, в 1983 году. Искусство Джен Старк обусловлено ее интересом к сакральной геометрии, фракталам, визуальным системам для моделирования роста растений, теориям эволюции, бесконечности и миметической топографии.Старк создает оптические и соблазнительные трехмерные и двухмерные бумажные работы в ярких цветах, которые напоминают органические, молекулярные, похожие на облака структуры, мандалы или наутили, что подразумевает как умственную, так и физическую вовлеченность аудитории. Художественное наследие Старка Яёи Кусама , Сол Левитт , Тара Донован , Том Фридман , Энди Голдсуорси , Эрнст Геккель, и финские художники-фетишисты из Лос-Анджелеса 1960-х годов ее способности создавать минималистичные впечатления от Анжелеса скульптурные объекты-натуралисты, настенные произведения и фрески в стиле паблик-арт.

Джен Старк, 30 кубов, 2019 г., алюминий с порошковым покрытием и мононить, 30 x 30 x 30 дюймов, © Джен Старк

Джейкоб Хашимото

Джейкоб Хашимото (род. 1973 США) имитирует природу, создавая бумажные световые трехмерные структуры. Опираясь на свое японское наследие, он использует традиционные методы создания воздушных змеев для изобретения сложных миров: крупномасштабные настенные и потолочные инсталляции («гобелены») из тысяч бумажных и бамбуковых воздушных змеев ручной работы, модели лодок и даже блоки, покрытые астротурфом.Его давнее увлечение пересечением абстракции и пейзажа помещает его талант в бумажном искусстве между живописными качествами и органическими формами, создавая иллюзию света, пространства, движения, как полет на корабле с бумажными парусами или прокрутку в аналоговой видеоигре.

Джейкоб Хашимото, Калечащий миф на одном дыхании, 2019, Дерево, акрил, бамбук, бумага и дакрон, 26 x 18,75 x 8,5 дюйма, © Rhona Hoffman Gallery

Художники по проволочной скульптуре

Скульптура или украшения из проволоки, называемые проволочной скульптурой, относятся к одному из самых малоизвестных периодов в истории Египта, Второй династии, а также к бронзовому и железному векам в Европе.В 20 веке проволочная скульптура стала восприниматься как форма искусства благодаря интерпретации Александра Колдера , Рут Асава и других художников-любителей — создателя проволочных деревьев Брайана Бойера , Куэ Кингс ‘ скульптуры из проволоки и перьев и «Крестная мать проволоки» Элизабет Берриен .

Взгляните на лучшие работы Фабрицио Поццоли на Кунессе.

Александр Колдер

Американский скульптор Александр Колдер (1898–1976) наиболее известен своими новаторскими мобилями и монументальными скульптурами для публики.Он широко использовал проволоку для создания четких, игривых и забавных кинетических скульптур, которые привлекают случайность в своей эстетике, как настоящие игрушки. В 1926 году Колдер создал свой миниатюрный передвижной цирк с проволочными моделями укротителей львов и пожирателей мечей: Cirque Calder. Разрабатывая небольшие портреты, карикатуры и стилизованных людей и животных, Колдер заявил, что «проволочная скульптура занимает важное место в истории искусства, и отметил огромные возможности, которые лежат в этой среде».

Александр Колдер, Семья Брасс, 1929.Фотография: Джеймс Горли / REX Shutterstock, © 2015
Фонд Колдера, Нью-Йорк / DACS, ЛОНДОН

Рут Асава

Рут Айко Асава (1926-2013) была американским скульптором, работавшим с проволокой в ​​таком разнообразии техник, что ее творения были представлены как в Музее американского искусства Уитни, так и на биеннале искусств Сан-Паулу в 1955 году. Бывшая студентка колледжа Блэк-Маунтин под руководством известного художника и педагога Джозефа Альберса , в 1950-х годах она экспериментировала с вязанными крючком проволочными скульптурами абстрактных форм, черпая вдохновение из традиции мексиканских деревенских жителей делать корзины из оцинкованной стали. провод.К 1962 году трехмерные линейные рисунки Асавы напоминали изображения, уходящие корнями в природу, геометрию и абстракцию.

Рут Асава, вид инсталляции «Рут Асава: Работа всей жизни», 2018–19. Фото: © Alise O’Brien Photography, © Estate Рут Асава, любезно предоставлено The Estate Рут Асава и Дэвида Цвирнера

Художники по керамической скульптуре

Керамика, производная от греческого слова «гончарная глина» или керамос, считается важнейшим предметом пластического искусства. Скульптура может стать формой керамического искусства, если она изготовлена ​​из керамических материалов, таких как глина, а также из кирпича, стекла и цемента.Художественные произведения связаны с изящной керамикой или керамикой с эстетической или визуальной привлекательностью, тогда как керамика часто означает посуду, горшки и другие функциональные предметы, но оба требуют основного четырехэтапного процесса формирования, обжига, глазури или украшения и повторного обжига. Считается, что самая ранняя древняя керамика из Китая датируется примерно 30 000 годом до нашей эры. В наши дни скульптура и керамика часто смешиваются в мире искусства, и они могут принимать любую форму в руках известных керамических скульпторов последнего века: Карен Карнес и Бетти Вудман.

Статьи по теме: Возрождение керамики в современном искусстве — Андреа Вивиани-Кадзуки Такемура

Карен Карнес

Карен Карнес (1925-2016) была крупной иконой американского керамического искусства, и ее выдающаяся карьера длилась более полувека. В 1952 году она и ее муж Дэвид Вайнриб — тоже керамист — стали гончарами в колледже Блэк-Маунтин в Северной Каролине, где они встретили гончаров со всего мира. С корпусом из огнестойкой глины, который она разработала сама, Карнес начала изготавливать запеканки, чайники, чашки и миски — дизайн, который она создавала более пятидесяти лет — наряду с современными сосудами и ее самой известной формой: кувшином с разрезанной крышкой.Выбранный Карнесом путь заключался в использовании старых методов обжига, таких как обжиг дровами и солью, для создания культовой функциональной керамики.

Карен Карнес, Крылатый сосуд, 1989, Брошенный и видоизмененный глазурованный керамогранит, Фото: Джон Уайт,
. © Архив Элейн Левин, Университет Южной Калифорнии

Бетти Вудман

Бетти Вудман (1930-2018) признана одним из самых важных деятелей современного американского керамического искусства. Смешивая и заново изобретая новые и традиционные формы — культурное наследие итальянской майолики в сочетании с современным движением узоров и украшений, создавая обильно красочные, нефункциональные, эксцентричные работы с прикосновением художника, Вудман начал производить остроумные вазы и сосуды, украшенные сценами из Итальянский ренессанс или намазанный пейзажным облаком.Вудман был безудержным экспериментатором: неожиданные материалы — например, лаковая краска — смесь различных форм искусства — от вырезов Матисса до фигурок из гробниц династии Тан, дизайн и архитектура визуально взрывались.

Бетти Вудман, Кувшин для шелковых подушек, 1985, белая фаянсовая посуда ручной работы с майоликовой глазурью, 61 x 56 x 43 см. Предоставлено: Салон 94, Нью-Йорк.

Клара Кристалова

Клара Кристалова (Чехия, р.1967) — выдающийся художник в области современного скандинавского керамического искусства. Ее сверхъестественный, готический и сюрреалистический микромир мальчиков и девочек, вдохновленный старинными народными сказками, детскими фантазиями, мечтами и кошмарами, уходит своими корнями в декоративные и ремесленные традиции фигур мейсенского фарфора 18-го века — первой европейской королевской фабрики. из твердого фарфора недалеко от Дрездена. Кристалова намеренно манипулирует и искажает эту технику, чтобы после обжига создавать глазурованные, влажные и переливающиеся сценарии, часто темные и загадочные.

Клара Кристалова, Права весны, 2006, глазурованная керамика, Современное искусство, Лондон.

Известные мастера бронзовой скульптуры

Вы когда-нибудь слышали о бронзе из Риаче? Две полноразмерные греческие статуи обнаженных бородатых воинов, отлитые примерно в V веке до нашей эры, великолепные и изысканные по мастерству и технике. Они сделаны из бронзы, самого популярного металла для литых скульптур из-за его прочности, универсальности и богатой окраски.Греки были первым древним населением, увеличившим размеры фигур в натуральную величину. В отличие от мрамора, бронза на протяжении веков использовалась для изготовления одиночных или групповых статуй в средние века, небольших статуэток, фигурок и рельефов в эпоху Возрождения, а также инструментов, ритуальных сосудов китайцами и оружия. Изготовление бронзы даже в наши дни является высококвалифицированной работой, которая включает в себя различные процессы: литье по выплавляемым моделям и современное литье по выплавляемым моделям, литье в песчаные формы и центробежное литье. Художники выбирают бронзовые скульптуры, потому что в процессе литья можно добиться деталей, однородности и богатой патины. Огюст Роден (1840-1917) считается отцом модернистской бронзовой скульптуры. Некоторые известные художники, работавшие с бронзой в 20 веке, включали Генри Мура , Альберто Джакометти (см. Выше «Скульпторы по металлу»), Жан Арп и многие другие.

Найдите лучшие бронзовые скульптуры на Кунессе.

Генри Мур

Генри Спенсер Мур (1898-1986) — самый известный британский художник, наиболее известный своими полуабстрактными монументальными бронзовыми скульптурами, которые стали общедоступными произведениями искусства, распространившимися по всему миру.Лежащие фигуры Мура, такие как Лежащая женщина 1930 года, находились под влиянием Чак Мул — особой формы доколумбовой мезоамериканской фигуры — и великих работ Микеланджело . Некоторые критики связывают волнистые линии лежащих женщин с пейзажем и холмами Йоркшира, где родился Мур. Он произвел много значительных крупномасштабных общественных заказов, жертвуя Фонд Генри Мура. В 1948 году Мур получил Международную премию скульптуры на Венецианской биеннале, а в 2012 году он стал вторым самым дорогим британским художником 20-го века после Francis Bacon .

Генри Мур, Лежащая фигура: фестиваль, 1951, бронза с темно-коричневой патиной, 96 дюймов (244,5 см), частная коллекция в Нью-Йорке, © Christie’s

Барбара Хепуорт

Барбара Хепуорт (1903-1975) была величайшим модернистским скульптором своего поколения, получившим международное признание. В колледже, Школе искусств Лидса, в 20-х годах она познакомилась со своим другом и соперником Генри Муром. Хепуорт была энергичной «женщиной-художником», которая родила тройню и движущей силой, которая продолжала создавать искусство, вдохновленное морем и современным миром вокруг нее.Со своими детьми и мужем Беном Николсоном она переехала жить в Корнуолл, в общину Сент-Айвс — убежище для многих художников во время войны — с 1949 года до пожара в ее коттедже, в котором она умерла в 1975 году в возрасте 72 лет. использовала свой сад, двор и студию в Сент-Айвсе, чтобы показывать и работать над своими крупномасштабными заказами или более интимными изделиями из бронзы и мрамора.

Барбара Хепуорт, Пейзажная скульптура 1944 г., литье 1961 г., бронза 271 x 655 x 268 на бронзовой основе 39 x 352 x 276, коллекция Тейт, фото © Tate, © Bowness

Луиза Буржуа

Как часть Американской группы художников-абстракционистов, французско-американская художница Луиза Буржуа (1911-2010), наиболее известная своими крупномасштабными сюрреалистическими скульптурами и инсталляциями с женскими сюжетами, сделала переход от дерева к мрамору, гипсу и бронзе. она исследовала такие проблемы, как страх, потеря и уязвимость.В 1999 году Буржуа создала свою культовую «Маман» (по-французски «Мать») — самую большую в мире скульптуру, изображающую паука из бронзы, нержавеющей стали и мрамора. Он включает в себя мешок с 32 мраморными яйцами, а его брюшко и грудная клетка сделаны из ребристой бронзы. «Паук — ода моей матери. Она была моим лучшим другом. Моя мама, как паук, была ткачихой », — говорит художник. Подробнее о Луизе Буржуа.

Луиза Буржуа, Маман (Паук), 1999, Лонг-музей (Западный залив), Шанхай, 2018.

Художники деревянной скульптуры

Резьба по дереву — одно из древнейших искусств человечества, которое чрезвычайно широко практиковалось в истории искусства многих культур, от Азии до Африки, от Океании до Европы, от неандертальцев до наших дней. Дерево легкое, простое в обработке и может быть обработано до мельчайших и мельчайших деталей, поэтому оно очень подходит для балийских масок, предметов мебели в поздней готике или статуй для церквей и соборов, таких как Святая Барбара из Тильмана Рименшнайдера — до выдающийся немецкий скульптор и резчик по дереву конца 15 века (когда резьба по дереву достигла своего апогея).Продолжающееся выживание искусства и ремесла резьбы по дереву может быть продемонстрировано большим количеством резчиков по дереву и современных художников, которые продолжили или раздвинули границы традиции в разных частях мира: немецкий скульптор Георг Базелиц , японец printmaker Hokusai , Элисон Элизабет Тейлор — американская художница, преобразившая историческую технику маркетри или инкрустации деревом в новую форму.

Дэвид Нэш

Британский скульптор и художник-пейзажист Дэвид Нэш, которому сейчас 73 года, уже почти 50 лет работает с природной средой, деревом и деревьями, как это ни парадоксально и метафизически.Две из его самых знаменитых работ, «Деревянный валун» (1978 г. — наст. Время) — перемещающаяся сферическая скульптура — и «Ясильный купол» (1977 г. — наст. Время) — круговая скульптура из 22 ясеней — были созданы и остаются живыми существами. Грубое и необработанное дерево, по словам Нэша, всегда либо приходит, либо уходит: «Оно идет как дерево или уходит как мертвое дерево». Нэш много путешествовал, проводя большую часть 80-х и 90-х годов на выставках по всему миру.

Дэвид Нэш, Cracking Box, 1981, Beechwood, 28 3/10 × 20 3/10 × 21 7/10 дюймов, 72 × 51.5 × 55 см. Покупка, PaineWebber Group, Inc. Подарок, 1987 г.
© 2020 Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк © Grob Gallery, Женева

Урсула фон Ридингсвард

Одна из самых влиятельных скульпторов, работающих сегодня, Урсула фон Ридингсвард (р. 1942, Денсен, Германия) создает монументальные скульптурные формы из кедровых балок. Дочь лесоруба фон Ридингсвард провела несколько первых лет своей жизни в деревянных бараках лагерей беженцев в Германии в конце Второй мировой войны.Эта биографическая ссылка остается тонкой и запоминающейся в ее трудоемком процессе резки, сборки и ламинирования, прежде чем окончательно натереть графитовой патиной деревянные сосуды, миски и инструменты. Она получила множество наград, в том числе премию Visionary Woman Honors Award 2017 от Колледжа искусства и дизайна Мура в Филадельфии.

Урсула фон Ридингсвард, Для Павла II, 2018-2019, Кедр и графит, 144 x 123,5 x 46,5 дюйма, © Ursula von Rydingsvard

Художник абстрактной скульптуры

История абстракции в скульптуре начинается в начале 20 века с таких художников, как Пабло Пикассо и изобретения кубизма, а также новой полуабстракции, представленной Константином Бранкузи — см., Например, его Портрет мадемуазель Погани (1912). — кто отказался от реализма в пользу формы искусства, которая больше не была привязана к предметам, связанным с реальным миром.Бранкузи сразу приступил к резьбе по мрамору, не создавая предварительных моделей, и позволил арт-объекту проявиться неожиданно и органично. Затем, в 1917 году, случилось немыслимое: художник Марсель Дюшан представил фарфоровый писсуар с подписью «R.Mutt» (Фонтан) как «ready-mades» — обычный кусок сантехники стороной вниз — перед Обществом независимых. Артисты и вызвали скандал. Тем не менее, его «ready-mades» стали одной из самых влиятельных абстрактных скульптур Дада двадцатого века.Художник-кинетик Александр Колдер использовал обычные материалы, такие как проволока, и сконструировал движущиеся — без источника энергии — легкие и трясущиеся абстрактные скульптуры: мобильные. Вдохновленная природными формами, биоморфная / органическая абстракция в скульптуре представлена ​​в таких работах, как «Сосредоточение человека» (1934 г.) и «Деметра» (1961 г.), оба автора Жан Арп . Абстрактная скульптура полностью развита до минималистских скульптур Дональда Джадда и Евы Хессе и Аниша Капура постмодернистского искусства.

Луиза Невельсон

Луиза Невельсон (1899–1988), ведущий скульптор двадцатого века, наиболее известна своими монументальными монохромными деревянными сборками и скульптурами на открытом воздухе, относящимися к концептуальному искусству. Родившись в России, ее семья иммигрировала в США, где Невельсон решила посвятить свою жизнь скульптуре. Невельсон начала рыскать по улицам Нью-Йорка в поисках выброшенных предметов, черпая вдохновение в дереве. От ножек стула до балясин она создала свои трехмерные стены, сложные абстрактные формы, похожие на головоломки, часто окрашенные в монохромный черный или белый цвет, чтобы замаскировать их первоначальное использование.Иммерсивные скульптуры, которые Невельсон назвал «Средами»: необычная иконография, созданная с помощью абстрактных средств.

Луиза Невельсон, Big Black, 1963, окрашенное дерево, 9 футов 1/4 дюйма x 10 футов 5 3/4 дюйма x 12 дюймов (274,9 x 319,5 x 30,5 см), Дар Веры Г. Лист,
© 2020 Поместье Луизы Невельсон / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк

Жан Арп

Скульптор, художник и поэт, Ганс Петер Вильгельм Арп (1886-1966), более известный как Жан Арп по-английски, был немецко-французским дадаистским гением и художником-абстракционистом.«Скульптура должна ходить на кончиках пальцев ног, ненавязчивая, неприхотливая и легкая, как след животного на снегу», — писал Арп в 50-х годах. Он создавал биоморфные скульптуры из гипса, камня и бронзы, в идеале ссылаясь на растения. , части тела и другие природные мотивы, оставаясь при этом нерепрезентативными. Трансформация, рост, плодовитость и метаморфозы были среди его избранных тем, которые он развил случайно, чисто случайно. Карьера Арпа была отмечена множеством наград, включая Гран-при за скульптуру на Венецианской биеннале 1954 года.

Джин Арфа (Ганс Арфа), «Скульптура, которая затеряется в лесу», 1932 г., отливка ок. 1953-8, бронза, Объекты: 90 × 222 × 154 мм, 60 × 120 × 100 мм и 65 × 55 × 93 мм (вес 4,6 кг), Коллекция Тейт, фото
© Тейт, © DACS 2020

Художники глиняной скульптуры

Одно из величайших произведений в истории скульптуры — это набор фигурок из обожженной глины, известный как Китайская терракотовая армия, созданный во время правления Первого императора Цинь (III век до нашей эры) в Китае.8000 воинов и лошадей — для службы Императору в загробной жизни — сделанные из терракоты или «обожженной земли»: вид неглазурованного керамического искусства из пористой глины, универсального, экономичного и, что более важно, долговечного, запекаемого в печах, известных как печи. Терракота широко использовалась скульпторами в древнем искусстве: в доисторическую эпоху и для китайской и греческой керамики, египетской скульптуры, этрусских фигур и декоративного искусства, греческой и римской архитектуры — например, храмовых украшений и рельефов. После распада Римской империи терракотовое искусство было возрождено как основная среда скульпторами раннего Возрождения, Донателло и Лоренцо Гиберти .Вскоре после этого, Микеланджело сделал небольшую глину, из которой он вырезал свои статуи, а позже, во времена барокко, Джан Лоренцо Бернини (1598-80) смоделировал смелые глиняные наброски для визуализации мрамора в натуральную величину или колоссальных размеров, за которым последовал великий Антонио Канова. (1757-1822) — который не переставал использовать глину для своих моделей. А что касается недавнего времени? Узнайте о «Безумном Поттере Билокси» и лидере фанк-арт-движения Bay Area.

Джордж Эдгар Ор

Джордж Эдгар Ор (1857-1918) был назван первым, лучшим гончаром в Соединенных Штатах.В своем родном городе Билокси, штат Миссисипи — вот почему Ор провозгласил себя «Безумным Поттером Билокси» — он построил свою собственную печь и копал глину. В знак признания его эксцентричных экспериментов с современными глиняными формами в 1880–1910 годах некоторые считают его предшественником. Американскому движению абстрактного экспрессионизма . Хотя почти все его 20 000 керамических изделий остались непроданными и в 1984 году сгорели в огне, Ор назвал свою работу «непревзойденной, бесспорной, непревзойденной». «Грязные младенцы» Ора — как он называл свои горшки — демонстрируют огромную энергию и подвижность, привлекая внимание современных художников, таких как Джаспер Джонс и Энди Уорхол .

Джордж Эдгар Ор, Кувшин, 1897–1900 гг., Фаянс, высота 3 1/4 дюйма, Дар Мартина Эйдельберга, 2018 г., любезно предоставлено Музеем искусств Метрополитен

Роберт Арнесон

Американский скульптор и профессор керамики на художественном факультете Калифорнийского университета в Дэвисе на протяжении почти трех десятилетий Роберт Арнесон (1930–1992) провел большую часть своей ранней жизни в качестве художника-карикатуриста для газеты в Лос-Анджелесе. Его считают отцом керамического фанк-движения, создавшего нефункциональные керамические предметы и непочтительные карикатурные глиняные автопортреты, выражающие серьезные мысли и сложное эмоциональное содержание через фильтр юмористической маски.Арнесона, пожалуй, больше всего помнят за его серию «Яйца», причудливые скульптуры лиц, которые он установил вокруг кампуса Калифорнийского университета в Дэвисе. В конце своей карьеры Арнесон применил едкий сарказм, чтобы обратиться к политическим вопросам. Одна из его самых противоречивых работ — бюст Джорджа Москоне, мэра Сан-Франциско, убитого в 1978 году.

Роберт Арнесон, калифорнийский художник, 1982, Собрание Музея современного искусства Сан-Франциско, © Поместье Роберта Арнесона / Лицензия VAGA в ARS, Нью-Йорк, Нью-Йорк

Изображение на обложке: Клара Кристалова, Права весны, 2006, глазурованная керамика, Современное искусство, Лондон.

Автор Петра Чиоди

Следите за обновлениями журнала Kooness, чтобы узнавать больше интересных новостей из мира искусства.

Как снимать красивую статую или скульптуру

Вы когда-нибудь задумывались, как показать красивую скульптуру или статую на своих фотографиях? Не знаете, как проявить творческий подход, уважая при этом творчество художника?

Ознакомьтесь с моими советами по съемке скульптур в любых условиях.

1. Что такое скульптурная фотография?

Скульптуры и статуи, созданные руками человека и природы, входят в пятерку моих лучших фотографов. Вы можете пересматривать одно и то же произведение несколько раз и пробовать разные техники.

Еще один бонус в том, что они не отвечают и не моргают, когда вы нажимаете на кнопку затвора. Диапазон скульптур в вашем доме и в общине огромен.

Если вы окажетесь в таком древнем городе, как Рим, вы увидите традиционные формы, которым тысячи лет.В новом городе вас окружает современное искусство с причудливыми историями.

Найдите в своем доме вазы, стопки книг и необычные украшения. Возможно, вам понравится фотография кладбища с замысловатыми надгробиями и кованым железом.

Чем бы вы ни занимались, фотографирование статуй и скульптур даст возможность улучшить свои навыки работы с камерой.

2. Как фотографировать скульптуры при разном освещении

Освещение оказывает сильное влияние на вашу скульптурную фотографию.Он задает настроение и открывает или скрывает части произведения искусства. Фотографируете дома небольшое 3D-произведение?

Вы сможете полностью контролировать условия освещения. Это может быть намного сложнее, если вы фотографируете большую статую в городе.

Иногда из этих задач получаются лучшие фотографии, так что проявите настойчивость!

Деталь о Рапаки Варе Типуна o Wheke (молитвенный дом), созданная резчиками Рики Мануэлем и Фэйн Робинсон.

Какой свет лучше всего подходит для скульптурной фотографии?

Как и в большинстве жанров фотографии, золотой час — прекрасное время, чтобы сделать снимок статуи или скульптуры.Использование мягкого естественного света позволяет избежать резких контрастов и снижает потребность в пост-обработке.

Фотографируешь внутри? По возможности сфотографируйте скульптуру у окна в пасмурный день или в золотой час.

Как вы используете Contre-Jour в фотографии статуй?

Солнце садится за скульптурой? Это ваша единственная возможность сфотографироваться во время поездки?

Попробуйте использовать технику contre-jour для художественного подхода. Это означает, что статуя или скульптура находится между вами и основным источником света.

Узнайте о динамическом диапазоне и отрегулируйте настройки, чтобы на изображение было достаточно света. Вы можете отрегулировать блики позже.

Маневрируйте так, чтобы солнце не попало в кадр. Эта техника позволяет создать уникальный образ, вызывающий разные настроения.

Что делать, если солнечный свет слишком яркий?

Не всегда можно дождаться идеального света, если вы путешествуете или у вас есть крайний срок. Черно-белая фотография — ваш друг в таких ситуациях!

Монохромная фотография помогает «убрать беспорядок» в сцене и выделить объект съемки.

Преобразуйте фотографию в черно-белую при постобработке. Отрегулируйте ползунки цвета и выделение, чтобы найти правильный баланс и настроение.

Как фотографировать статуи ночью?

Некоторая скульптура проявляет себя ночью. Созданные художниками световые эффекты придадут вашей фотографии особый эффект. Вы также можете получить отличные результаты, используя искусственное освещение из витрин и уличные фонари.

Необходимы штатив и спусковой тросик (зимой и теплая одежда!).Поэкспериментируйте с разной выдержкой, чтобы определить, сколько света попадает в камеру.

Держите ISO как можно ниже, чтобы уменьшить шум на фотографии. Сохранение резкого фокуса может быть самым трудным для уставших глаз в темноте, так что не торопитесь.

Когда вы приходите домой, открывать идеально экспонированное, но нечеткое фото — это неприятно!

Павлиний фонтан, Крайстчерч, Новая Зеландия.

Как фотографировать скульптуры в условиях освещения галереи?

Фотографировать скульптуры и статуи в галереях — моя самая большая проблема.Во многих галереях нет естественного света, и вам может не хватить места.

Если в галереях разрешено фотографировать, то штативы часто запрещены. Результат? Низкое освещение и отсутствие места для маневра локтями или выдержкой. Это уменьшает ваши возможности для настроек вашей камеры.

Увеличьте ISO, чтобы ваша диафрагма обеспечивала детализацию всей скульптуры. Вам также необходимо поддерживать выдержку с рук.

3. Выбор фона для фотографий скульптуры

Фон фотографии скульптуры может сделать или испортить ваш образ.Свободный от беспорядка фон подчеркнет скульптуру и создаст созерцательное настроение.

Некоторым интерактивным и городским скульптурам нужно немного больше контекста. Спросите себя, какова цель скульптуры и на фотографии.

Улучшается с людьми на фото? Или он должен стоять отдельно?

Для больших публичных экспонатов у вас может не быть выбора! Попробуйте отрегулировать фон стационарной скульптуры с помощью хитрых трюков с камерой.

Лучшие уловки, чтобы избежать шумного города на заднем плане

Перемещение вокруг большой скульптуры, вверх и вниз — лучший способ корректировать фон.Ищите деревья или кустарники на заднем плане, чтобы обеспечить равномерный фон.

Отрегулируйте диафрагму, чтобы размыть фон, но убедитесь, что все части скульптуры находятся в фокусе. Я считаю, что хороший зум-объектив хорошо помогает изолировать объект в этой ситуации.

Следите за освещением во время движения и соответствующим образом изменяйте настройки.

Все еще сложно избежать городского фона? Прими это! Обстановка скульптуры обеспечивает контекст и повествование.

Используйте свою композицию, чтобы привлечь внимание к скульптуре. Города полны линий, симметрии и повторяющихся узоров. Изучите связанный символизм с помощью ближайших указателей и запечатлейте людей, взаимодействующих со скульптурой.

Искусство для всех. Покажите эту философию на своей фотографии.

Гражданский военный мемориал, Крайстчерч, Новая Зеландия. Скульптор Уильям Третеви.

Какой фон лучше всего подходит для скульптурной фотографии дома?

Если вам повезло фотографировать скульптуру дома, вы можете проявить творческий подход к своему фону.Сделайте фон простым, используя один основной цвет. Нейтральные цвета лучше всего подходят для демонстрации работ.

Чувствуешь себя храбрым? Изучите цветовое колесо и подумайте о дополнительных или аналогичных оттенках скульптуре.

Если вы хотите заработать дополнительные очки за фотографию, сделайте свои собственные фоны! В итоге вы получите что-то индивидуальное и уникальное.

4. Как сфотографировать 3D-объект под разными углами?

Получите физическую форму и проведите время, гуляя вокруг скульптуры, прежде чем сфотографировать ее.Это правило распространяется на большие и маленькие статуи и скульптуры.

Включите мышцы ног и присядьте. Встаньте на стул или лестницу. Получите доступ к соседнему зданию под другим углом.

Как свет падает на произведение сверху? Какие линии усиливаются с низкой точки обзора? Попробуйте использовать угол, отличный от обычного, чтобы рассказать на фотографии другую историю.

VAKA ‘A HINA, 2019, автор Sēmisi Fetokai Potauaine для SCAPE Public Art.

5. Лучшие настройки камеры для скульптурной фотографии

Как сфотографировать кружку?

Это кажется странным вопросом для фотографии скульптуры.Но действуют те же правила. Вам нужно улучшить освещение и углы, и настройки вашей камеры являются ключевой частью этого. Диафрагма, выдержка, ISO, баланс белого и точки фокусировки — все это жизненно важно.

Самое замечательное в том, что в отличие от уличной фотографии или детского портрета, вы можете делать это медленно. Вы можете попрактиковаться в своих настройках по той же теме. Скульптурная фотография позволяет попасть в зону и сделать это медленно.

Какая диафрагма лучше всего подходит для фотографирования скульптур?

Настройки диафрагмы могут быть сложной задачей при съемке скульптур.Иногда рекомендуется размыть фон, используя широкую диафрагму ниже f / 5,0. Есть риск того, что части скульптуры окажутся не в фокусе, если они окажутся особенно глубокими.

Чем больше вы будете снимать статуи, тем лучше вы будете определять диафрагму, подходящую для вашей камеры и объекта.

Часть «Гибридных встреч», 2019 Кьяра Корбеллетто для SCAPE Public Art.

Важна ли выдержка в скульптурной фотографии?

Я сторонник использования ISO 100 и умеренной / длинной выдержки в зависимости от уровня освещенности.Исключение составляют случаи, когда я фотографирую кинетические скульптуры или в художественных галереях.

Низкое значение ISO дает более чистое изображение и является хорошей дисциплиной для работы. Если это не движущаяся скульптура, она никуда не денется, так что вы можете не торопиться!

6. Необходимое оборудование для создания скульптуры Изображение

Нет смысла иметь модное снаряжение, если вы не уделяете внимания техническим основам.

Определенно есть оборудование, облегчающее фотографирование скульптуры.

Как сохранить неподвижность камеры?

При фотографировании скульптуры важно поддерживать идеально неподвижную камеру. Это также важно для создания композиций при пост-продакшене или захвата фонового движения. Купите штатив и спуск затвора.

Иногда оборудования недостаточно, чтобы избежать дрожания камеры. Нет ничего необычного в том, что я лежу на земле, цепляясь за ножки штатива при сильном ветре!

Какой объектив вы используете для скульптурной фотографии?

Выбор объектива зависит от цели фотографии и атмосферы, которую вы хотите создать.Есть только один объектив? Используйте это как можно лучше!

Мне нравится использовать разные линзы в зависимости от статуи. Чтобы показать более широкое окружение произведения искусства, обычно помогает фиксированный объектив 50 мм.

Для красивого крупным планом деталей я использую свой объектив 70-200 мм. Были времена, когда скульптура была настолько огромной, что годился только широкоугольный.

Кормление чипа для STAY 2015/2016 Энтони Гормли.

Какое дополнительное оборудование следует использовать для фотосъемки статуй и скульптур?

Ниже приведены некоторые дополнительные идеи для снаряжения, которое я использую:

• Лестница (высокая или короткая) — помогает фотографировать большие произведения искусства.Это также сокращает использование инструмента вертикального преобразования при постпроизводстве. Если вы едете в автобусе, лучше всего брать небольшую лестницу!
• Водонепроницаемый коврик — все время вам придется растянуться на земле, чтобы показать внушительную высоту статуи.
• Отражатель — для большего освещения объекта.
• Студийный свет — для скульптурной фотографии дома

7. Скульптуры и скульпторы

Моя любимая часть фотографирования скульптур и статуй — это узнать о художниках и их произведениях.Поищите в Интернете, чтобы понять их методы работы, мотивацию и влияние.

Если возможно, узнайте историю скульптуры, которую вы фотографируете, и ее интерпретации. Это поможет вам придать фотографиям нужное настроение.

Художник современный и местный? Обратитесь к ним и задайте им несколько вопросов.

Художница из Тонги Семиси Фетокай Потауайне на открытии выставки VAKA ‘A HINA, 2019, Крайстчерч, Новая Зеландия.

Как профессионалы фотографируют свои работы?

Хотите знать, как сфотографировать портфолио для скульптуры и художественных работ? Важно, чтобы вы отлично демонстрировали свою работу.

Попробуйте позаимствовать эти приемы у профессионалов:

Заключение

Фотографировать скульптуры и другие произведения искусства очень полезно. Это отличный способ узнать о традиционном и современном искусстве и о том, как они влияют на мир вокруг нас.

Ваши навыки скульптурной фотографии легко применить в натюрмортах, портретах, пейзажах и путешествиях. Так что возьмите с собой ланч-бокс, штатив и водонепроницаемое одеяло. Затем отправляйтесь исследовать местную скульптуру.

25 удивительных скульптур, которые заставят вас удивиться

В городах по всему миру можно увидеть прекрасные произведения современного искусства, выкованные из камня и металла мастерами-скульпторами и художниками. Независимо от того, где вы находитесь или куда вы путешествуете, вы найдете впечатляющие скульптуры, демонстрирующие творческие способности человеческого разума. От Сингапура до Швейцарии, от Нью-Йорка до Новой Зеландии — вот список из 25 таких шедевров, которые вас вдохновят. Ознакомьтесь с ними ниже.

1.Расширение Пейдж Брэдли

Местонахождение: Нью-Йорк, США,

2. Сила природы, автор Лоренцо Куинн,

Расположение: Доха, Катар,

3. Мустанги Роберта Глена,

Местоположение: Лас-Колинас, Техас, США,

4. Узловатый пистолет, Тертл-Бэй,

Местонахождение: Нью-Йорк, США

5. Памятник Михаю Эминеску

Расположение: Онешти, Румыния,

6. Les Voyageurs, автор Бруно Каталано,

. Место нахождения: Марсель, Франция,

7. Вырваться из формы Зенос Фрудакис

Расположение: Филадельфия, США

8.Келпи Энди Скотта

Местонахождение: Грейнджмут, Великобритания,

9. Черный призрак Клайпеды Сваюнаса Юркуса и Сергея Плотниковаса

Расположение: Клайпеда, Литва

10. Нельсон Мандела, Марко Чианфанелли

Местонахождение: Квазулу-Натал, Южная Африка,

11. Памятник анонимному прохожему, автор — Ежи Калина

Местонахождение: Вроцлав, Польша,

12. Превосходство, Кейт Джеллум,

Местонахождение: Портленд, США,

13. Ботинки на берегу Дуная. Автор: Кан Тогай и Дьюла Пауэр,

. Расположение: Будапешт, Венгрия

14.Люди реки Чонг Фа Чонг

Расположение: Сингапур

15. De Vaartkapoen, Tom Frantzen

Местонахождение: Брюссель, Бельгия

16. Тонущее здание возле государственной библиотеки

Расположение: Мельбурн, Австралия,

17. Cattle Drive, Роберт Саммерс,

Местонахождение: Даллас, США,

18. Горизонты Нила Доусона,

Местоположение: Кайпара, Новая Зеландия,

19. Избирательная кампания Исаака Кордала

Расположение: Нант, Франция,

20. Площадь Бегемота,

. Расположение: Тайбэй, Тайвань

21.Заботливая рука, Ева Эртли и Бит Хубер,

Место нахождения: Гларус, Швейцария,

22. Уменьшение и подъем, Дэвид МакКракен,

Местонахождение: Бонди, Австралия,

23. Истина — красота, Марко Кокрейн,

. Местонахождение: Burning Man, Невада, США

24. Любовь Александра Милова

Местонахождение: Burning Man, Невада, США,

25. Metalmorphosis, Дэвид Черны,

Расположение: Шарлотт, США

Наши фавориты: нет.1, 24 и 25. А как насчет вас? Поделитесь этим постом с любителем искусства и выскажите свое мнение в комментариях ниже.

Золотая птица | Чикагский институт искусств

Золотая птица

Дата:

1919/20 (база ок. 1922)

Автор:

Константин Бранкузи
француз, родился в Румынии, 1876–1957

Об этом произведении

Обученный как народным, так и академическим традициям, Константин Бранкузи начал свой путь в скульптуре примерно в 1907 году.Выйдя из течения времени, он применил прямую резьбу, сочетал разные материалы для отдельных работ и упрощал форму в поисках основных персонажей своих предметов. Его работы оказали глубокое влияние на развитие абстракции двадцатого века.

Больше, чем любая другая тема, серия Bird Бранкузи обобщает его поиски самодостаточной формы. «Всю свою жизнь я стремился передать сущность полета», — сказал однажды художник. Он начал первую из двадцати семи скульптур Bird примерно в 1910 году и завершил последнюю в 1940-х годах.Он назвал самые ранние вариации Maiastra , имея в виду птицу в румынском фольклоре, которая ведет принца к его принцессе. В коллекции Golden Bird Института искусств такие детали, как ступни, хвост и вздернутый клюв, предлагаются только в элегантном обтекаемом силуэте. Бранкузи расположил эту изысканную форму на грубо вытесанной геометрической основе, контрастируя бестелесную светоотражающую поверхность с земной массой. Центральный многогранник был вырезан из середины ствола дерева, а его круги (указывающие на возраст дерева) вращались, как солнце, как если бы они излучали свет над птицей.

Статус

На просмотре, Галерея 395

Отдел

Современное искусство

Художник

Константин Бранкузи

Название

Золотая птица

Происхождение

Франция

Дата

1919–1920 гг.

Средний

Бронза, камень и дерево

Надписи

Подпись внизу: «C.Бранкузи »

Размеры

217,8 × 29,9 × 29,9 см (86 × 11 3/4 × 11 3/4 дюйма)

Кредитная линия

Частичный дар Чикагского клуба искусств; приобретены на средства, предоставленные различными донорами; по наследству Артура Рублоффа; путем предварительной покупки на средства, предоставленные William E.Хартманн; через предварительный дар мистера и миссис Картер Х. Харрисон, мистера и миссис Арнольд Х. Маремонт через Фонд Кейт Маремонт, Вудраффа Дж. Паркер, миссис Клайв Раннеллс, мистера и миссис Мартин А. Райерсон и различные доноры

Регистрационный номер

1990,88

Авторские права

© 2018 Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк / ADAGP, Париж

Расширенная информация об этой работе

История публикаций

• Эзра Паунд, The Little Review 8 (осень 1921 г.), n.п. (илл., табл. 17, 24).
• Галерея скульптора, Выставка современного французского искусства exh. Кот. (Нью-Йорк: Галерея скульптора, 1922), н.п. (кат. 14), как Bird, 1921.
• Мина Лой, «Золотая птица Бранкузи», The Dial v. LXXIII (июль – декабрь 1922 г.), стр. 507-508 (илл.), как The Golden Bird.
• Пол Вестхайм, «Bildhauer in Frankreich», Das Kunstblatt 6, no. 2 (Потсдам, 1922), стр. 54–55, 57 (ил.), Как Der Goldene Vogel.
• Карл Эйнштейн и Пол Вестхайм, Europa Almanach: Malerei, Literatur, Musik, Architektur, Plastik, Bühne, Film, Mode (Potsdam: Gustav Kiepenheuer Publishers, 1925), стр.56 (ил.), Как Der heilige Vogel.
• Эзра Паунд, «Дополнение к произведениям искусства», This Quarter 1, no. 1 (1925), с. 289 (ил.), Как L’oiseau d’or, 1920.
• Карл Эйнштейн, Die Kunst des 20. Jahrhunderts (Берлин: Im Propyläen-Verlag, 1926), стр. 168, 526 (илл.), 569, как Der goldene Vogel.
• Роджер Фрай, Каталог выставки трехнационального искусства: французское, британское, американское exh. Кот. (Нью-Йорк: Wildenstein Galleries, 1926), n.p. (кат. 146), как Птица.
• Поль Моран, Бранкузи экс.Кот. (Нью-Йорк: Галерея Браммера, 1926), н.п. (кат. 20, илл., табл. 20), как «Золотая птица», 1919.
• Уолтер Пах, Мемориальная выставка репрезентативных работ, выбранных из коллекции Джона Куинна exh. Кот. (Нью-Йорк: Центр искусств, 1926), стр. 12 (кат. 85), как Bird.
• Возможно Форбс Уотсон, Джон Куинн 1870–1925 [так в оригинале]: Коллекция картин, акварелей, рисунков и скульптуры (Хантингтон, Нью-Йорк: Pidgeon Hill Press, 1926), с. 27, как Bird.
• К. Дж. Буллит, «Бесхитростный комментарий о семи искусствах», журнал искусств Chicago Evening Post (11 января 1927 г.), с.3, как Золотая Птица.
• Клуб искусств Чикаго, Выставка скульптуры Бранкузи exh. Кот. (Чикаго: Клуб искусств, 1927), n.p. (кат. 20), как «Золотая птица», 1919.
• Гарвардское общество современного искусства, выставка Парижской школы: 1910–1928 exh. Кот. (Кембридж: Гарвардское общество современного искусства, 1929), н.п., (категория 29), как Золотая птица.
• Клуб искусств Чикаго, Выставка современной скульптуры и рисунков скульпторов exh. Кот. (Чикаго: Клуб искусств, 1933), н.п. (Кот.8, ил.), Как Золотая Птица.
• E. W. S., Подборка произведений художников ХХ века exh. Кот. (Чикаго: Общество Возрождения, 1934), n.p. (кат. 3, илл.), как Flight of Bird, 1919.
• Christian Zervos, Cahiers d’Art 10, nos. 1-4, (Париж: Éditions Cahiers d’Art, 1935), n.p. (больной.).
• Общество современного искусства Цинциннати, четыре современных скульптора: Бранкузи, Колдер, Липшиц, Мур (Цинциннати: Общество современного искусства Цинциннати, 1946), n.p., как Bird in Flight.
• W. R. Valentiner, Истоки современной скульптуры exh.Кот. (Детройт: Детройтский институт искусств, 1946), стр. 6–7, как Bird in Flight.
• W. R. Valentiner, Истоки современной скульптуры exh. Кот. (Сент-Луис: Городской художественный музей Сент-Луиса, 1946 г.), стр. 19 (кат. 81), как Bird in Flight.
• В. Г. Палеолог, Бранкузи, 1947, стр. 39, 44.
• Эндрю Карндафф Ричи, Скульптура двадцатого века exh. Кот. (Нью-Йорк: Музей современного искусства, 1952), стр. 41 (кат. 10), как «Золотая птица», 1919.
• Ионел Цзяньоу, Константин Бранкузи, 1957, пл.46. ​​
• Ionel Jianou, Brancusi (New York: Tudor Publishing Co., 1963), стр. 55, 103 (№ II), 104, 170 (илл., Рис. 46), 171, как Bird in Space ( Золотая птица) II, 1919 г .; и «Птица в космосе» (Золотая птица), 1925.
• Чикагский клуб искусств, рисунки 1916/1966: выставка по случаю пятидесятилетия Чикагского клуба искусств exh. Кот. (Чикаго: Клуб искусств, 1966), н.п. (больной.).
• Сидней Гейст, Бранкузи: исследование скульптуры (Нью-Йорк: Grossman Publishers, 1968), стр.69 (илл., Рис. 117), 200, 223–224 (кат. 117), как Golden Bird, 1919.
• Б. Л. Рид, Человек из Нью-Йорка: Джон Куинн и его друзья (Нью-Йорк: Oxford University Press , 1968), стр. 473, как Bird.
• Сидней Гейст, Константин Бранкузи 1876–1957: ретроспективная выставка exh. Кот. (Нью-Йорк: Музей Соломона Р. Гуггенхайма, 1969), стр. 94–95 (илл.), Как Золотая Птица, 1919.
• Афина Т. Спир, Птицы Бранкузи (Издательство Нью-Йоркского университета для Ассоциации искусств колледжа, 1969 ), стр.12–3, 35, 46, 70 (илл., Табл. 13), 71 (кат. 8), 115, как Golden Bird, 1919.
• Афина Т. Копье, «Письмо в редакцию», The Art Bulletin 52, нет. 1 (март 1970 г.), стр. 111, как Золотая Птица.
• Сидней Гейст, «Птицы Бранкузи: критика каталога недавней монографии Бранкузи», Artforum 9, вып. 3 (ноябрь 1970 г.), стр. 77 (№ 8, илл.), 79, as Golden Bird, 1919.
• Афина Т. Копье, «Обзор выставки: Константин Бранкузи», The Art Quarterly XXXIV, 2 (1971 г.) ), п. 239, как Золотая Птица.
• Сидней Гейст, Бранкузи: Скульптура и рисунки (Гарри Н. Абрамс, 1975), стр. 91 (илл.), 183 (кат. 125), 195, как Золотая птица, 1919.
• Константин Бранкузи, Омагиу луи Бранкузи (Сибиу: Rivista Tribuna, 1976), np (илл.), как Pasarea de Aur, 1919.
• Возможно, Tretie Paleolog, De vorba cu Brancusi despre «Calea Sufletelor Eroilor» (Бухарест: Editura Sport-Turism, 1976), стр. 31 (ил.).
• V. G. Paleolog, Brancusi – Brancusi vol. I (Крайова: Scrisul Romanesc, 1976), стр.99, 100 (илл., Рис. 47), 102, как Pasarea de Aur / Golden Bird.
• Дэн Григореску, Brâncusi (Бухарест: Editura Stiintifica si Enciclopedica, 1977), стр. 41, как Золотая Птица.
• Джудит Зильцер, «Благородный покупатель»: Джон Куинн, покровитель авангарда exh. Кот. (Вашингтон, округ Колумбия: Smithsonian Institution Press, 1978), стр. 56 (илл., Рис. 43), 151, как Golden Bird, 1919.
• Мариэль Табар и Изабель Монод Фонтен, фотография Бранкузи (Париж: Национальный музей современного искусства, 1979), стр.11, 27 (илл., Фиг. 15), 38 (илл., Фиг. 26), 39 (ил., Фиг. 27), 118 (кат. 15), 119 (кат. 27), как L’oiseau d’or, 1919.
• Нина Станкулеску, Brâncusi (Бухарест: Editura Albatros, 1981), np (ил.), как Pasarea de aur, 1919.
• Сидней Гейст, Бранкузи: исследование скульптуры (Нью-Йорк: Hacker Art Books, 1983), стр. 69 (ил., рис. 117), 200, 223 –224 (кат. 117), 266 (кат. 125), как «Золотая птица», 1919.
• Ионел Цзяну, Константин Бранкузи: Viata si opera (Бухарест: Editura stiintifica si enciclopedica, 1983), n.п. (илл., рис. 46), как Pasarea in vazduh (Pasarea de aur), 1919.
• Дэн Григореску, Бранкузи и румынские корни его искусства (Бухарест: издательство Meridiane, 1984), стр. 102 (илл. ), 107–8, 122, as Golden Bird, 1919.
• Роберт Л. Герберт, Элеонора С. Аптер, Элиза К. Кенни, редакторы, Société Anonyme и Dreier Bequest в Йельском университете: Резюме каталога (New Haven: Yale University Press, 1984), стр. 85, как Золотая Птица, 1919.
• Галерея Тейт, Художники Паунда: Эзра Паунд и визуальные искусства в Лондоне, Париже и Италии exh.Кот. (Лондон: Галерея Тейт, 1985), стр. 103 (ил.), Как L’Oiseau d’Or, 1919–22.
• Клуб искусств Чикаго, Портрет эпохи: улица Винтерботэм Карпентер и Клуб искусств Чикаго, 1916–1931 гг. Кот. (Чикаго: Клуб искусств, 1986), np, (кат. 9, илл.), Как Золотая птица, 1919.
• Понтус Халтен, Наталия Думитреско и Александр Истрати, Бранкузи (Париж: Фламмарион, 1986), стр. 106 –107, 135, 180, 294 (кат. 108а, илл.), Как L’Oiseau d’or, 1919.
• Раду Вариа, Бранкузи (Нью-Йорк: Риццоли, 1986), стр.45 (илл.), 222, 232, 233 (ил.), Как Golden Bird, 1919.
• Фридрих Тея Бах, Константин Бранкузи: Метаморфозен пластиковая форма (Кельн: Dumont Buchverlag, 1987), стр. 155, 158 (илл. ., рис. 224), 340 (илл., рис. 369), 344 (ил., рис. 379, 380), 456, 457 (кат. 155), как Goldener Vogel, 1919.
• Ion Mocioi, Estetica Оперей Луи Константин Бранкузи (Крайова: Scrisul Romanesc, 1987), стр. 100 (рис. 45, илл.), Как Pasare de aur (Ib), 1919.
• Ричард Кристиансен, «Сделка за 12 миллионов долларов сохраняет скульптуру в Чикаго», Chicago Tribune (31 декабря 1989 г.), раздел 1, стр.1 (илл.), 10, как Golden Bird, 1919.
• Ричард Кристиансен, «Ценная скульптура, сохраненная для города», Chicago Tribune (31 декабря 1989 г.), раздел 1, стр. 1 (илл.), 10, as Golden Bird, 1919.
• Eric Shanes, Modern Masters Series: Constantin Brancusi (New York: Abbeville Press, 1989), стр. 34, 36 (илл., Рис. 31), 37, как Golden Bird, 1919.
• Альф Сиверс, «Институт получит Бранкузи в рамках сделки с Клубом искусств на 12 миллионов долларов», Chicago Sun-Times (31 декабря 1989 г.), стр. 4 (ил.), Как Золотая Птица.
• Алан Г. Артнер, «Институт искусств выставит на аукцион 11 работ», Chicago Tribune (26 апреля 1990 г.), раздел 15, стр. 7, как «Золотая птица», 1919 г.
• Сидни Гейст, «Бранкузи: The Бесконечная колонна », Музейное дело 16, вып. 1 (1990), pp. 71, 72 (илл., Рис. 2), 86, as Golden Bird, 1919.
• Friedrich Teja Bach, Brancusi: Photo Reflexion exh. Кот. (Париж: Didier Imbert Fine Art, 1991), стр. 12 (илл., Рис. 4), как L’Oiseau d’or.
• Флоренс М. Хетцлер, изд., Искусство и философия: Бранкузи, Мужество любить (Нью-Йорк: Питер Ланг, 1991), стр.112, как Золотая Птица, около 1919 года.
• Клуб искусств Чикаго, выставка к семидесяти пятой годовщине: 1916–1991 отл. Кот. (Чикаго: Клуб искусств, 1992), стр. 72, как Золотая Птица.
• Маргерита Андреотти, «Золотая птица Бранкузи: новый вид современной скульптуры», «Музейное дело», т. 19, вып. 2 (1993), стр. Обложка (ил.), 134 (ил.), 135-40 (ил.), 141-43 (ил.), 144 (ил.), 145 (ил.), 146-47 (ил.), 148-50 (ил.), 151 (ил.), 152 (ил.), 153 (ил.), 198-203, как Golden Bird, 1919.
• Дэн Григореску, Бранкузи и его век (Бухарест: Editura Artemis, 1993), стр.28, 31, н.п. (илл., табл. 49), как «Золотая птица», 1919.
• Чарльз Ф. Стаки, «Избранные недавние приобретения искусства двадцатого века в Институте искусств Чикаго», Burlington Magazine 135, 1087 (октябрь 1993 г.), п. 728, рис. 14, как Золотая птица, 1919-20.
• Мария Настасе, «Emotia întâlnirii cu Brâncusi la Chicago», Cotidianul (8 августа 1994 г.), n.p.? (ил.), как Pasarea maiastra.
• Сандра Миллер, Константин Бранкузи: обзор его работ (Нью-Йорк: Oxford University Press, 1995), стр.xviii, 151, н.п. (илл., табл. 112), 231, как Golden Bird, 1916.
• Маргит Роуэлл, Фридрих Тейя Бах и Анн Темкин, Константин Бранкузи: 1876–1957 exh. Кот. (Париж: Gallimard / Centre Georges Pompidou, 1995), стр. 58 (илл., Рис. 9), 62 (илл., Рис. 14), 172 (кат. 52, илл., Рис. 1), 173 ( ил.), 202 (ил.), 314–315 (ил., рис. 10), 380 (ил., рис. 33, 41), 381, как L’Oiseau d’or, 1919/1920.
• Мариэль Табар, Бранкузи: изобретатель современной скульптуры (Париж: Gallimard / Centre Georges-Pompidou, 1995), стр.61 (ил.), 72 (ил.), Как L’Oiseau d’or, 1919–1920.
• Джеймс Н. Вуд и Тери Дж. Эдельштейн, Чикагский институт искусств: живопись и скульптура двадцатого века (Чикаго: Институт искусств Чикаго, 1996), стр. 48 (илл.), 158, как Золотая птица, 1919 / 20.
• Артур С. Данто, Мадонна будущего: очерки в плюралистическом мире искусства (Нью-Йорк: Фаррар, Штраус и Жиру, 2000), стр. 182, 184, как Золотая птица, 1919-20.
• Мариэль Табар, Les carnets de l’atelier Brancusi, С уважением к историческим исследованиям: Бранкузи и Дюшан (Париж: Éditions du Centre Pompidou, 2000), стр.37 (илл., Рис.19).
• Джеймс Н. Вуд и Дебра Н. Манкофф, Сокровища Чикагского института искусств (Чикаго: Институт искусств Чикаго, 2000), n.p. (ил.), как Золотая Птица, 1919/20.
• Илари Хиновяну, Memorialul Brancusi: pasi pe nisipul eternitatii sau cazna legamantului cu demiurgul (Крайова: Literatorul, 2001), стр. 20-1, as Golden Bird.
• Мариэль Табар, L’Oiseau dans l’espace (Париж: Éditions du Centre Pompidou, 2001), стр. 8 (илл., № 105), 10, 15 (ил., Рис.2), 26 (ил., №8), 27, 42, 47 (ил., Рис. 1), 64, 74 (кат. 4), 75 (кошки. 5-7, ил.), 76 ( кат. 8, илл.), 101 (кошки. 101-104, илл.), 102 (кат. 105), as L’Oiseau d’or, 1919.
• Константин Бранкузи, La dation Brancusi: dessins et archives exh . Кот. (Париж: Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, 2003 г.), стр. 132, 144–147, 148, как «Золотая птица», 1919.
• Раду К. Вариа, Бранкузи: Photographe exh. Кот. (Париж: Galerie Hopkins Custot, 2003), стр. 42 (кат. 18), 43 (илл.), Как L’Oiseau d’or, около 1921 г.
• Паола Мола, изд., Бранкузи: Белая работа exh. Кот. (Милан: Skira, 2005), стр. 113 (илл., Рис. 63), 158-9, как «Золотая птица», 1919.

История выставки

• Нью-Йорк, Галерея скульптора, Выставка современного французского искусства, 24 марта — 10 апреля 1922 г., n.p. (кат. 14), под именем Bird, 1921.
• Возможно, Нью-Йорк, Центр искусств, Мемориальная выставка репрезентативных работ, выбранных из коллекции Джона Куинна, 7–30 января 1926 г., с.12 (кат. 85), как Bird.
• Возможно, Нью-Йорк, Wildenstein Galleries, Выставка трехнационального искусства: французское, британское, американское, февраль – 3 марта 1926 г., n.p. (кат. 146), как Птица.
• Нью-Йорк, Галерея Браммера, выставка Бранкузи, 17 ноября — 15 декабря 1926 г., n.p. (кат. 20, ил., табл. 20), как «Золотая птица», 1919; ездил в Чикаго, Клуб искусств, Выставка скульптуры Бранкузи, 4–18 января 1927 г., n.p. (кат. 20).
• Кембридж, Массачусетс, Гарвардское общество современного искусства, выставка Парижской школы: 1910–1928, 20 марта — 12 апреля 1929, n.п. (кат. 29), как Золотая Птица.
• Чикаго, Клуб искусств, Выставка современной скульптуры и рисунков скульпторов, 2 июня 1933 г., н.п., (кат. 8, илл.), Как «Золотая птица».
• Чикаго, Общество Возрождения, Чикагский университет, Подборка работ художников ХХ века, 20 июня — 20 августа 1934 г., n.p. (кат. 3, илл.), как «Полет птицы», 1919.
• Детройт, Институт искусств, «Истоки современной скульптуры», 22 января – 3 марта 1946 г., стр. 6–7, как «Птица в полете»; поехал в С.Луи, Городской художественный музей, 30 марта — 1 мая 1946 г., стр. 19 (кат. 81), как Bird in Flight.
• Общество современного искусства Цинциннати / Курт Валентин, организаторы; Четыре современных скульптора: Бранкузи, Колдер, Липшиц, Мур, н.п., в роли Bird in Flight; посетил Художественный музей Цинциннати, 1 октября — 15 ноября 1946 года.
• Филадельфия, Художественный музей и Художественная ассоциация парка Фэрмаунт, организаторы, Скульптура двадцатого века, с. 41 (кат. 10), как «Золотая птица», 1919; ездил в Чикаго, Институт искусств, 22 января — 8 марта 1953 г. (только в Чикаго).
• Музей Соломона Р. Гуггенхайма (организатор), Константин Бранкузи 1876–1957: ретроспективная выставка, стр. 94–95 (илл.), Как «Золотая птица», 1919; ездил в Художественный музей Филадельфии, 23 сентября — 15 ноября 1969 г .; Нью-Йорк, Музей Соломона Р. Гуггенхайма, 21 ноября 1969 г. — 15 февраля 1970 г .; Институт искусств Чикаго, 14 марта — 26 апреля 1970 г.
• Филадельфия, Художественный музей, Константин Бранкузи 1876–1957: ретроспективная выставка, 23 сентября — 30 октября 1969 г., стр. 94–95 (илл.), как Золотая Птица, 1919; побывал в Нью-Йорке, музей Соломона Р. Гуггенхайма, 25 ноября 1969 г. — 15 февраля 1970 г .; Чикаго, Институт искусств, 11 марта — 26 апреля 1970 г.
• Чикаго, Клуб искусств, Портрет эпохи: Рю Винтерботэм Карпентер и Клуб искусств Чикаго, 1916–1931, 15 сентября — 1 ноября 1986 г., np, ( кат.9, илл.), как Золотая птица, 1919.
• Париж, Национальный музей современного искусства, Центр Жоржа Помпиду, Константин Бранкузи, 14 апреля — 21 августа 1995 г., стр. 58 (ил., рис.9), 62 (ил., Рис. 14), 172 (кат. 52, ил., Рис. 1), 173 (ил.), 202 (ил.), 314–315 (ил., Рис. 10) , 380 (илл., Фиг. 33, 41), 381, как L’Oiseau d’or, 1919/1920; посетил Художественный музей Филадельфии, 8 октября — 31 декабря 1995 г.
• Форт-Уэрт, Художественный музей Кимбелла, «Эпоха Пикассо и Матисса: современные мастера» из Института искусств Чикаго, 6 октября 2013 г. — фев. 16, 2014, нет кат. нет.

Происхождение

Художник; Джон Куинн (умер в 1924 г.), Нью-Йорк, ноябрь.24, 1920 [Художественная книга Джона Куинна, Vol. 2, копия в кураторском файле]; по происхождению в поместье Джона Куинна, Нью-Йорк, 1924 [Zilczer 1978; Андреотти 1993]; продан Чикагскому клубу искусств, январь 1927 г. [Hulten 1986; Андреотти 1993]; продан Чикагскому институту искусств в 1990 году.

Мультимедиа

Информация об объекте находится в стадии разработки и может обновляться по мере появления новых результатов исследований.Чтобы помочь улучшить эту запись, напишите нам. Информация о загрузке изображений и лицензировании доступна здесь.

Кеннет Джозефсон и современная фотография

Изображения окружают нас ежедневно — от искусства до рекламы и социальных сетей.Но как эти образы соотносятся с реальностью? Фотограф из Чикаго Кеннет Джозефсон (американец, 1932 г.р.) изменил наше представление о фотографиях. Его так называемая концептуальная фотография раздвигает границы среды, демонстрируя, что фотографии не нейтральны; напротив, они передают идею в дополнение к картинке. Работа Джозефсона сосредоточена на уникальных качествах фотографии, особенно на том, как она кадрируется, воспроизводится, распространяется или архивируется. Используя визуальные приемы, такие как фотографирование фотографий, его изображения часто комментируют сами себя с искаженным чувством юмора.

Джозефсон провел свою карьеру, тщательно изучая строительные блоки фотографии и оказал влияние на художников всех мастей. Он познакомился с экспериментальной педагогикой Ласло Мохоли-Надя, будучи студентом Института дизайна Иллинойского технологического института, где он также учился у пионеров фотографии Гарри Каллахана и Аарона Сискинда. Позже Джозефсон продолжал преподавать в Школе Художественного института Чикаго почти 40 лет. Название « Picture Fiction », взятое из представленной на выставке работы Роберта Камминга, демонстрирует умение Джозефсона искажать правду, чтобы раскрыть внутреннюю работу фотографических изображений.

Основанная в основном на постоянной коллекции MCA, Picture Fiction: Kenneth Josephson and Contemporary Photography рассматривает работы художника в более широком контексте концептуального искусства. Ядром выставки являются четыре основные серии, сделанные примерно между 1960 и 1980 годами: изображений в изображениях , знаков и свидетельств , серия истории фотографии и серия археологических раскопок . Выставка также подчеркивает связи между Джозефсоном и другими современными художниками, работающими в области фотографии, кино и скульптуры, в том числе Роу Этридж, Джессика Лабатте, Марло Паскуаль, Джимми Роберт и Ксавьера Симмонс.Вместе их работа проливает свет на то, как изображения сегодня имеют значение.

Выставка организована Майклом Дарлингом, главным куратором Джеймса У. Олсдорфа, и Лорен Фултон, бывшим научным сотрудником куратора. Он представлен в галереях Сильвии Нил и Даниэля Фишеля на втором этаже музея.

Современный Остин

НОВОСТИ

Атуи получит неограниченное денежное вознаграждение, наряду с производственными расходами на премьеру персональной выставки в The Contemporary Austin, штат Техас, и поездку в The FLAG Art Foundation, Нью-Йорк, а также сопроводительный каталог выставки.

The Contemporary Austin рада сообщить, что Тарек Атуи (родился в 1980 году в Бейруте, Ливан; живет и работает в Париже, Франция) стал лауреатом премии Suzanne Deal Booth / FLAG Art Foundation 2022 года. Помимо получения денежного вознаграждения в размере 200 000 долларов, Атуи представит персональную выставку, премьера которой состоится в Остине весной 2022 года в центре города, Центре Джонса на Конгресс-авеню, в центре The Contemporary. Затем выставка отправится в The FLAG Art Foundation в Нью-Йорке, где откроется осенью 2022 года.Помимо выставки и денежного вознаграждения, приз включает каталог научной выставки и публичные программы, посвященные выставкам на обоих площадках.

The Contemporary Austin объявляет о получении гранта в размере 35000 долларов от Национального фонда искусств в поддержку предстоящей выставки Дебора Робертс: Я , которая откроется в центре Джонс-центра в центре города 23 января 2021 года. Премия Art Works входит в число грантов на 84 миллиона долларов, объявленных сегодня утром председателем Национального фонда искусств Мэри Энн Картер в рамках второго крупного объявления о финансировании Arts Endowment на 2020 финансовый год.

«Для нас большая честь получить эту награду Art Works от имени The Contemporary и очень важную выставку работ Деборы Робертс», — сказала Марджи Райн, временный исполнительный директор. «Практика Робертса направлена ​​на решение вопросов, которые, как мы надеемся, будут способствовать важным обсуждениям в нашем сообществе во время выставки. В ее увлекательных работах переплетаются история и культура, прославляется Черное тело и Черная идентичность, а также привлекается внимание к истории расизма в нашей стране.Мы благодарны Национальному фонду искусств за поддержку и признание художника такого авторитета и востребованности, как Робертс ».

Полный текст пресс-релиза можно прочитать здесь.

Валери Армстронг, президент попечительского совета The Contemporary Austin, объявила сегодня, что sharon maidenberg была назначена новым исполнительным директором и генеральным директором музея Эрнестом и Сарой Батлер после международного поиска.Майденберг пришла в The Contemporary Austin из Центра искусств Хедлендс в Национальной зоне отдыха Золотые Ворота, к северу от Сан-Франциско, где она занимала должность исполнительного директора с 2010 года. Она вступит в должность в Остине 1 сентября, сменив Луи Грахоса, покинувшие музей в июне 2019 года.

«Я очень рада воспользоваться своей следующей профессиональной возможностью в одном из самых динамичных и быстро развивающихся городов страны», — сказала Шарон Майденберг. «Как и район залива, Остин — одно из самых инновационных мест в стране, и это очевидно. что культура, сообщество и творчество высоко ценятся.Я очень хочу стать частью богатой экосистемы искусства в Остине в это критическое для мира время — время, когда искусство может и должно играть неотъемлемую роль в обществе. Во время моей работы в Headlands я работал напрямую с артистами, построил стратегическую культуру актуального и заставляющего думать аудиторию и вложил большие средства в развитие значимых отношений. Я с нетерпением жду возможности применить свой опыт и точку зрения к уже и без того сильным программам The Contemporary, а также поработать с замечательным персоналом и Советом директоров над написанием следующей главы для организации.«

Полный текст пресс-релиза можно прочитать здесь.

В качестве лауреата премии Suzanne Deal Booth / FLAG Art Foundation 2020, нью-йоркская художница Николь Эйзенман (американка, родившаяся в 1965 году в Вердене, Франция) представит выставку в Центре Джонса, расположенном в центре города, в центре Остина. Avenue), с скульптурой под открытым небом, которая будет установлена ​​в парке скульптур на четырнадцати акрах в Лагуна Глория (3809 West 35th Street). Эта выставка, охватывающая рисунок, живопись, скульптуру и видео, исследует двух- и трехмерные работы художника за последние три десятилетия и включает в себя презентацию ее недавних крупномасштабных антимонументальных скульптур. Николь Эйзенман: буря и натиск — первая полномасштабная персональная выставка художницы в Техасе и первая презентация ее работ в Остине.

Осенью 2018 года Эйзенман был выбран для присуждения премии Suzanne Deal Booth / FLAG Art Foundation 2020 независимым консультативным комитетом, состоящим из известных кураторов и искусствоведов со всех концов США, во главе с Хизер Песанти, главным куратором и директором по кураторским вопросам в The Современный Остин. В качестве лауреата 2020 года Эйзенман получает неограниченную награду в размере 200000 долларов, а также персональную выставку, соответствующие публичные программы и научный каталог.Выставка будет представлена ​​в The Contemporary Austin с 27 февраля по 16 августа 2020 года, а соответствующая выставка отправится в The FLAG Art Foundation в Нью-Йорке, которая откроется 3 октября 2020 года и закроется 23 сентября 2021 года. с выставкой, публичными программами и призом можно ознакомиться здесь.

Полный текст пресс-релиза можно прочитать здесь.

Contemporary Austin и галерея grayDUCK рады представить выставку Crit Group 2019, на которой представлены работы восьми художников, которые участвовали в этом году в музейной группе Crit Group — программе, сочетающей групповую критику с профессиональным развитием для поддержки целостной художественной практики местных художников. .Эта восьмимесячная программа направлена ​​на создание поддерживающего сообщества художников Остина и укрепление их практики за счет вклада друг друга и признанных профессионалов в этой области.

Торжественная церемония открытия состоится в субботу, 27 июля, с 14 до 16 часов в галерее grayDUCK. Кроме того, участвующие художники расскажут в галерее о своей работе и своем творческом росте во время программы в субботу, 25 августа, в 15:00. Выставка находится в галерее grayDUCK до 25 августа 2019 года.Обычные часы работы галереи: четверг – суббота с 11:00 до 18:00 и воскресенье с 12:00 до 17:00. Все события являются бесплатными и открытыми для общественности.

Кульминация программы Crit Group, выставка включает в себя разнообразный спектр живописи, скульптуры, фотографии, гравюры, рисунка, видео, звукового искусства и инсталляций, созданных в рамках программы Crit Group. В динамичном и удивительном фильме представлены работы восьми талантливых художников из Остина, которые поставили перед собой задачу развивать свои художественные практики по-новому: Вероника Сеси, Мадлен Ирвин, Палома Майорга, Вирджиния Ли Монтгомери, Майкл Мюлхаупт, Маник Радж Накра, Мэтью Стейнке, и Дженн Уилсон.

Полный текст пресс-релиза можно прочитать здесь.

Выставленная в музее с 2017 года пронзительная монументальная скульптура, созданная одним из самых влиятельных художников мира, теперь является частью постоянной коллекции музея, и посетители могут оценить ее при каждом посещении музея Бетти. и Парк скульптур Эдварда Маркуса.

Приобретение Iron Tree Trunk , 2015 стало возможным благодаря щедрым пожертвованиям более семидесяти частных лиц и фондов в Остине и по всей стране.

Мелба Уотли, председатель Фонда Эдварда и Бетти Маркус, сказала: «Что может быть прекраснее, чем участие в приобретении уникальной работы Ай Вэйвэя Iron Tree Trunk . Мы верим, что великое искусство поднимает всех нас. С помощью монументальной скульптуры Ай Вэйвэя мы сталкиваемся с Китаем, иммиграцией, гражданскими правами, природой и впечатляющими гранями гения. Все остинцы могут гордиться тем, что это сообщество соответствовало финансовой поддержке Фонда Маркуса для этого важнейшего дополнения к культурному ландшафту города.”

The Contemporary также объявляет о продлении срока аренды велосипеда Forever Bicycles , 2014 художника, который теперь будет выставлен на обозрение до июня 2019 года в центре Уоллер-Дельта.

Эйзенман получит неограниченную денежную премию вместе с производственными расходами на научную публикацию и персональную выставку, премьеру которой состоится в The Contemporary Austin, штат Техас, с версией выставки, которая затем отправится в The FLAG Art Foundation в Нью-Йорке.

Луи Грахос, исполнительный директор Эрнеста и Сары Батлер и генеральный директор The Contemporary Austin, рад сообщить, что художница из Нью-Йорка Николь Эйзенман стала лауреатом премии Suzanne Deal Booth / FLAG Art Foundation 2020. Помимо получения денежного вознаграждения, она представит персональную выставку, премьера которой состоится в феврале 2020 года в центре города, в Центре Джонса на Конгресс-авеню, с возможностью расширить выставку на 14-акровый парк скульптур в Лагуна Глория.Выставка должна открыться для публики в Остине в четверг, 13 февраля 2020 года. Соответствующая выставка затем отправится в The FLAG Art Foundation в Нью-Йорке, где она откроется осенью 2020 года. В дополнение к выставке и денежной награде , приз включает научную публикацию и разработку публичных программ вокруг выставок.

Престижный грант будет направлен на поддержку крупной групповой выставки, которая откроется осенью 2019 года на обоих площадках The Contemporary Austin.

Луи Грахос, исполнительный директор Эрнеста и Сары Батлер и генеральный директор Contemporary Austin, рад сообщить, что The Contemporary Austin получил грант в размере 100000 долларов от Фонда визуальных искусств Энди Уорхола для проведения предстоящей осенью 2019 года выставки The Sorcerer’s Бремя . Это второй грант Фонда Уорхола, полученный учреждением, которому уже пять лет. Ранее Фонд Уорхола выделил музею грант на поддержку выставки 2015 года Strange Pilgrims .

Исследуя пересечение искусства и антропологии, The Sorcerer’s Burden представит новые и существующие работы начинающих и молодых художников со всего мира. Финансирование Фонда Уорхола будет направлено на поддержку новых работ на конкретных объектах, направленных на активизацию городских и открытых объектов музея: Центра Джонса на Конгресс-авеню и лагуны Глория на берегу озера Остин. Грант также поможет финансировать научный каталог, изданный в партнерстве с Radius Books, Санта-Фе. Бремя чародея курирует Хизер Песанти, главный куратор и директор по кураторским вопросам в The Contemporary Austin.

Contemporary Austin и Фонд искусства FLAG рады объявить об учреждении приза Suzanne Deal Booth / FLAG Art Foundation.

Благодаря дополнительному финансированию, предоставленному Гленном и Амандой Фурман, новая премия превратит существующую премию Сюзанны Дил Бут в размере 100 000 долларов США, которая в настоящее время отмечает свою первую выставку, в одну из крупнейших наград, присуждаемых художникам.Премия Suzanne Deal Booth / FLAG Art Foundation Prize будет финансировать неограниченную премию в размере 200000 долларов США художнику, выбранному независимым консультативным комитетом, в который входят известные кураторы и историки искусства со всех концов США и других стран, научное издание и все производственные расходы на создание нового Работа для персональной выставки, премьера которой состоится в The Contemporary Austin в Техасе, а затем будет представлена ​​в The FLAG Art Foundation в Нью-Йорке.

Мы рады сообщить, что мы завершили сбор средств для Фазы I генерального плана Laguna Gloria! Фаза I этого многолетнего проекта с рядом новых удобств для посетителей и новым входом изменит впечатления посетителей от излюбленного музея искусства в природе на берегу озера Остин.Проект откроется этой весной благодаря гранту в размере 3 миллионов долларов от фонда Moody Foundation и дополнительным грантам от Still Water Foundation, Edward and Betty Marcus Foundation, The Meadows Foundation, Austin Community Foundation и The O’Shaughnessy-Rivers Family. Fund вместе с подарками от попечителей правления Жанны и Микки Кляйн, Кэтлин Ирвин Лафлин и Криса Лафлина, а также Джаннетт и Пэт Китинг. Присоединяйтесь к нам на торжественном праздновании первого этапа в среду, 21 марта.

Репортер Los Angeles Times Каролина А. Миранда рассказывает о работе и идеях, стоящих за нашей первой выставкой художественной премии Сюзанны Дил Бут, Родни Макмиллиан: против гражданской смерти , которая откроется в Центре Джонса на Конгресс-авеню 1 февраля 2018 года.

Поздравляем LTL Architects, получивших награду The Architect’s Newspaper за лучший дизайн 2017 года за адаптивное повторное использование за потрясающую реконструкцию Центра Джонса на Конгресс-авеню! По словам члена жюри конкурса Эрика Бунге, директора nARCHITECTS, «одновременно серьезный и причудливый, проект является маяком не только для Остина, но и для адаптивного повторного использования в целом, вдохновляя своей изобретательностью.