Картины в технике: Что понадобиться для создания картины в технике «папертоль»

 Бумажное творение папертоль – новое забытое искусство. Картины в технике трёхмерного декупажа настолько удивительны, что возникает желание прикоснуться к ним, а лучше, создать такую же красоту своими руками. И это не сложно! Давайте разберёмся, как делать папертоль.

История папертоль кратко

 Точно неизвестно откуда появился папертоль. Считается, что он потомок декупажа, который в свою очередь произошёл от оригами. Японцы, в своей любви к бумажному искусству, дали начало практически всем современным бумажным техникам.

 В семнадцатом веке в Европу привезли технику декупажа. Особенно полюбили её в Италии. При помощи этой техники стали украшать мебель. Наклеивали на деревянную поверхность изображение на бумаге, а затем покрывали лаком в несколько слоёв. Так же из Японии в средние века привезли картины с объёмными бумажными деталями. Они были похожи на оригами, приклеенные к фону картины.

 Со временем мастера смешали эти техники, отточили мастерство и получили новый вид искусства – папертоль. От декупажа ему перешло вырезание деталей и формирование композиции из бумаги, от оригами – объёмность изображения. Название произошло от французского папье толе – бумаготерпение. В процессе изготовления такой картины требуется внимательность, усидчивость и терпение, отсюда и название. Так же эту технику называют арте-франчез и трёхмерный декупаж.

 В двадцатом веке этим искусством увлекались пенсионеры и домохозяйки. За основу брались одинаковые почтовые открытки. Из них вырезались детали и крепились в определённом порядке на основу. Получалась объёмная поздравительная открытка.

 В наше время благодаря развитию рукоделия, доступности материалов и производству наборов для папертоль эта техника возродилась и превратилась в достаточно популярное и модное искусство. Сейчас арте-франчез относится к таким видам рукоделия, которое обязательно нужно попробовать.

19682

Папертоль своими руками с чего начать

 Для изготовления объёмной картины нужно не очень много. Бумага с изображениями, двусторонний толстый скотч или клеящиеся подушечки, клей, ножницы, фломастеры и жидкое стекло или специальный лак. Вот только всё это должно соответствовать определённым требованиям.

 Бумага с рисунком, из которой вырезаются детали, должна быть плотной. Не толстой, как картон, а плотной настолько, чтобы не промокала от клея и лака.

 Скотч нужен на вспененной основе, чтобы создавать небольшой зазор между склеенными слоями. От этого зависит объёмность картины. Можно использовать силиконовый клей, но удобнее пользоваться специальными клейкими подушечками или двусторонним скотчем.

 Для скрепления очень мелких деталей используется силиконовый клей. В его составе не должно быть уксусной кислоты, иначе на бумаге останутся разводы, что испортит работу.

 Ножницы должны быть очень острыми, чтобы удобно было вырезать мелкие детали.

 Фломастеры разнообразных цветов понадобятся для закрашивания среза бумажных деталей, чтобы придать картине более реалистичный вид.

 Лак или жидкое стекло используется для покрытия готовой работы. Они должны быть абсолютно прозрачны, чтобы не испортить впечатление от картины, а наоборот подчеркнуть её положительные качества. Покрытая жидким стеклом работа приобретает завершённый вид и выглядит великолепно.

19664

Читать так же: Что понадобиться для создания картины в технике «папертоль»

Техника папертоль, придающая картине объём

 Картины папертоль не похожи ни на одну другую технику. В них передаётся глубина изображения, при чёткости основных линий. В этих картинах можно различить основной фон, второстепенные и главные объекты. Основные детали сюжета максимально приближены к зрителю, второстепенные – отдалены. А фон создаёт перспективу.

 Такой эффект достигается благодаря нескольким слоям карт. Эти карты вырезаются из шести-семи печатных копий картины и наклеиваются друг на друга в определённом порядке, создающем объём. Главное при достижении объёма правильно расположить объекты и создать природную перспективу, такую, какой её привыкло воспринимать человеческое зрение. Из слоёв бумаги мастер создаёт маленькую скульптуру и этим привносит реальность в изображение.

 Можно создать папертоль своими руками не имея навыков, но это будут маленькие открытки или небольшие картинки с одним основным сюжетом. Например, одним цветком или фруктом. Пейзаж или другую картину большого размера лучше составлять из готового набора. В нём уже продуманы до мелочей все детали сюжета и подобраны правильные карты и цвета. Наборы объёмного декупажа доступны всем желающим. Они имеют самые разнообразные сюжеты. Каждая рукодельница найдёт картину по вкусу.   Порядок изготовления картины из набора прост в исполнении и принесёт удовольствие и шикарный результат.

 Перейти к выбору наборов папертоль

19657

Как делать папертоль пошагово

 Картина составляется послойно. Первый слой картины Papertole не вырезается. Он приклеивается на основу полностью или является самой основой картины.

 Второй слой уже необходимо аккуратно и тщательно вырезать. Сначала ножницами вырезается основной фон. Затем маникюрными ножничками или художественным ножом вырезаются детали этого слоя.

 Края срезов желательно закрасить фломастером. Можно этого не делать, но закрашенные срезы делают изображение реалистичнее и добавляют эффект тени. Поэтому лучше набраться терпения, и закрасить края. Есть два варианта выбора цвета. Можно подобрать цвет фломастера в тон к близким к срезу деталям. Не менее эффектно выглядит сюжет со срезами, окрашенными в один цвет. Коричневый, серый или кофейный цвета создают универсальный теневой цвет. Можно закрасить все срезы картины одним из них.

 Следующий этап – наклеивание. Вырезанный второй слой с закрашенными краями необходимо приклеить на основной фон. Для этого нужно подготовить квадратные кусочки скотча на вспененной основе. Их равномерно распределяют по всей задней поверхности второго слоя. Важно располагать скотч на расстоянии не меньше пяти миллиметров от края детали. Иначе он будет виден на готовой картине.

 На детали маленького размера скотч нужно выбрать тоньше и отрезать от него маленький кусочек при помощи острых ножниц.

 Новый слой наклеивается на предыдущий. Нужно тщательно сопоставлять контуры деталей с нижним слоем. От этого зависит объёмность и реалистичность будущей картины.

 Рекомендуется вырезать детали по слоям, чтобы не было путаницы. Когда второй слой уже на своём месте, приступаем к третьему.

 Этапы те же. Вырезать, закрасить срез, распределить на изнанке скотч, сопоставить контуры и приклеить к предыдущему слою.

 В этом порядке составляются все слои картины.

 Детали верхнего слоя, как правило, очень мелкие. Приклеить их при помощи даже самого маленького кусочка скотча бывает невозможно. В таком случае используется силиконовый клей.

 Готовую работу покрывают жидким стеклом. Покрытие придаст картине завершённый вид, защитит от повреждений, выгорания цветов и пыли. Обработанный жидким стеклом папертоль не нужно оформлять под стекло. Достаточно глубокой рамки или правильно подобранного паспарту в виде туннеля.

 Чтобы окончательно решить для себя, покрывать картину жидким стеклом или нет, прочтите нашу статью на эту тему. Ссылка на статью чуть ниже.

 Творчество в технике папертоль увлекает с первых минут и приносит удовольствие в течение всего процесса. Чтобы рукоделие было в радость, рекомендуется приобрести готовый набор папертоль. С ним рукоделие будет бесхлопотным и приятным.

19637

Читать так же: Папертоль – за и против покрытия жидким стеклом

Картины папертоль наборы

 Набор для рукоделия папертоль содержит плотный фон и карты на специальной бумаге. Это не картон, но и не обычная бумага. Она достаточно плотная, чтобы сохранить форму при объёмном приклеивании на скотч и выдержать покрытие жидким стеклом. При этом она достаточно тонкая, чтобы её слои были не заметны, и создавалась видимость реального изображения. В наборе карты слоёв содержат только необходимые детали, напечатанные на белом фоне. В слоях легко разобраться. Благодаря этому с набором легко работать.

 В наборах папертоль собраны необходимые материалы, но в них нет инструментов. Производители не хотят навязывать рукодельницам своё мнение по выбору инструментов. У каждой мастерицы есть свои любимые ножницы, которыми она привыкла работать. Скотч так же следует выбирать на своё усмотрение, так как количество нанесенного на слой скотча не установлено. Его нужно определять в процессе работы. То же самое и с фломастерами. Срезы закрашивать рекомендуется, но не является обязательным действием.

 Жидкое стекло так же в набор не входит. Так как покрытие им картины рекомендуется, но не есть обязательным.

 Благодаря тому, что в наборах только самые необходимые материалы, они недорогие и доступны всем желающим. А все необходимые инструменты, скотч и жидкое стекло можно заказать на нашем сайте.

 Зато в каждом наборе есть инструкция и пошаговое описание процесса. Техника папертоль мастер-класс для начинающих подробно описана в инструкции каждого набора. Это особенно важно для начинающих рукодельниц. Знакомиться с техникой папероль желательно с набора именно потому, что в нём всё подробно описано и собраны все необходимые материалы.

19648

Советы папертоль для начинающих

 Процесс изготовления папертоль имеет свои хитрости.

 Один из основных секретов техники – плавное погружение в объёмное изображение. Настолько неспешное, что требует терпения и усидчивости.

 Для знакомства с техникой лучше выбрать маленький набор с небольшим количеством слоёв и крупными деталями.

 Окрашивать срезы нужно до приклеивания их на картину. Можно делать это на весу. Так же можно поместить деталь на столе, подложив под неё чистый лист бумаги, и обводить фломастером по контуру плотно прижимая его к срезу.

 Если с первого раза не получилось сопоставить края слоёв, не страшно. Можно аккуратно не спеша отсоединить слой, отклеить скотч, в крайнем случае, срезать его ножом. Следующие кусочки скотча разместить в других местах. Сопоставить края, и заново приклеить деталь.

 Если картина должна быть в стиле «под старину», обрабатывать её жидким стеклом не нужно. В этом случае необходимо оформить её в рамку под стекло.

19722

Папертоль практическое применение

 Техника объёмного декупажа настолько уникальна, что с её помощью можно создавать картины, открытки, рамки для фотографий, украшать шкатулки, бутылки, декоративную посуду и многое другое. Изделия папертоль – отличный вариант для богатого и уникального подарка. Набор папертоль станет отличным подарком рукодельнице. Даже если она ещё не знакома с этой техникой. С набором даже начинающая мастерица сможет с лёгкостью разобраться в технике и сотворить объёмную реалистичную картину.

 Папертоль – находка для тех, кто хочет почувствовать себя художником. С этой техникой можно создать потрясающую картину, даже не умея рисовать. Хорошим стартом в рукоделии так же является папертоль. Он прост в исполнении, а результат замечательный. С его помощью можно украсить практически любое помещение. Можно подобрать сюжет для кухни, спальни, детской, гостиной и даже офиса.

 Наборы в технике Papertole можно использовать в детском творчестве. Этим интересным видом рукоделия можно занять школьников на каникулах. Процесс объёмного декупажа научит усидчивости, терпению, потренирует мелкую моторику и привьет любовь к прекрасному. Среди разнообразия наборов смогут найти сюжет для себя как девочки, так и мальчики.

20500

 Картины в технике папертоль – увлекательное и интересное творчество. Это тот случай, когда лучше один раз попробовать, чем много раз об этом услышать и увидеть. Стоит один раз прочувствовать процесс арте-франчез от плоских распечаток до объёмной картины, как появится новое любимое увлечение, если не на всю жизнь, то на очень долгое время.

 Выбирайте наборы папертоль на свой вкус на сайте нашего магазина. В ассортименте магазина есть морские и городские пейзажи, цветы, букеты, портреты красивых девушек, котики, птицы, бабочки, весёлые сюжеты, картины известных художников, корабли, автомобили, открытки к любому празднику и детские сюжеты.

 Желаем Вам приятного рукоделия и новых открытий.

Мастер-класс: Картины в технике пейп-арт

Автор: Татьяна Сорокина

Блог автора

Я вам уже рассказывала о своей авторской технике «пейп-арт», показывала работы и даже один МК по оформлению бутылочки.

А сегодня я расскажу, как я делаю картины или гобелены, потому что они больше похожи на ткачество. Но главное их достоинство, что они долго сохраняются, как и писанные маслом картины. Потому что мы можем их покрыть хорошим акриловым лаком.

Для картины нужно нарисовать цветной эскиз, чтобы было легче подбирать цвета. Я нарисовала простую композицию из ромашек.
Эскиз должен быть в размере будущей работы. На картон ДВП переводим наш эскиз. Можно обвести его фломастером для дисков, главное, чтобы он не пачкал потом салфетки.

Теперь мы должны подобрать салфетки по цветовой палитре будущей работы. Салфетки должны быть однотонными, 3-х слойными.

Нарезаем салфетки на полосы, Окунаем полоски в воду и скручиваем нитки. Подробное описание процесса скручивания ниток из салфеток вы найдёте в моём МК по оформлению бутылочки ко Дню Влюблённых.

Нитки наклеиваем влажными, если высохли — ещё раз смочите и прокрутите между ладонями, отжимая воду.
Смазываем клеем ПВА картон и выкладываем белыми нитками лепестки ромашек по контуру. Контур должен хорошо высохнуть, для крепости, я и сверху покрываю нитку клеем.

Синюю нить для маленьких цветов нарываем на небольшие кусочки и пальцами скатываем шарики.

Маленькие цветы выкладываем из синих шариков, вставляя в серединку жёлтый шарик. Помогаем себе ножиком или пилкой для ногтей.
Вот вы уже узнали два способа в Пейп-арте: нитка и зерно (шарики).

Я решила на одной работе показать вам три способа и следующий — это «жатка» или велюр. Таким способом мы будем делать фон.

Старайтесь, чтобы рисунок велюра был в одну сторону.

После высыхания фона, можно приступать к цветам.
Влажные салфеточные нити закладываем по цвету в форму лепестков, отрывая лишнее. Помогаем себе имеющимися инструментами, поправляем, заправляем…

Таким же способом заполняем листья и бутоны. осталось сделать только серединки ромашек.

И тут мы снова катаем шарики или зерно и заполняем серединки ромашек.

Мне захотелось ещё добавить зерна и на фон. И вот моя картинка готова.

Теперь вы видите, что это вовсе не декупаж и ничего общего Пейп-арт с ним не имеет. Я использую салфетки, как краски или пряжу и рисую ими свои картины. Окрашивать салфетки нельзя (я пробовала), цвет потом пачкает всю работу, поэтому, самое главное — это найти палитру цвета из однотонных салфеток.

Еще раз повторюсь: самое главное найти всю палитру цвета. Я на это потратила очень много времени, но у меня есть все основные и очень много дополнительных цветов. На первых порах можно использовать и мягкие тонкие салфетки и туалетную бумагу — просто они очень рвутся при скручивании.

Это одна из моих работ.
Красные маки (пейп-арт) Татьяна Сорокина.

Картины в технике осиэ

Изначально для создания осиэ — картин использовали обрезки тканей, из которых шили традиционные японские кимоно. Японские мастерицы давали своим старым кимоно новую жизнь, используя ее при создании картин. Местным мастерицам было жалко выкидывать их, поэтому они оборачивали кусочки картона в эту ткань и составляли из них картины.

В тот момент, когда в Японию была завезена первая бумага из Китая, осиэ уже было достаточно популярным видом рукоделия, и понятно, что остатков ткани от кимоно попросту не хватало на всех, а покупать дорогую ткань не каждому было по карману. Вот тогда-то мастера осиэ и решили, что китайская бумага может стать замечательной альтернативой дорогостоящим тканям. Но оказалось, что все не так просто: китайская бумага была хрупкой, неэластичной, легко рвалась на сгибах и была полностью непригодной для создания осиэ — картин.

Когда японцы придумали свою собственную бумагу васи, в основу которой они заложили не древесную целлюлозу, а волокна тутового дерева (кодзо), мицумата, гампи и ряда других растений, что сделало японскую бумагу прочным и эластичным материалом, по свойствам, напоминающим ткань, кусочки картона стали обклеивать тканью или бумагой васи. При этом мягкая прокладка (поролон или ватин) должна быть равномерной по толщине и обязательно должна находиться между тканью (бумагой) и картоном, ведь именно она придаёт картине – осиэ объёмный эффект.

Традиционно на картинах в технике осиэ изображались маленькие дети в национальных костюмах, гейши, самураи, сказочные сцены. Сегодня эти темы не принципиальны, ведь главное здесь – техника.

Для создания осиэ-картин понадобится картон, японские ткани или японская бумага васи, мягкий нетканый материал, например, ватин или поролон, ножницы, клей.

Использование японских материалов, а именно ткани и бумаги, при работе в технике осиэ принципиально важно.

Чтобы создать картину в технике осиэ понадобятся два одинаковых рисунка.

1. На плотный, не очень толстый лист картона при помощи клея ПВА необходимо наклеить тонкий слой поролона. Клей должен быть равномерно распределен по всей поверхности картона, причем даже самые маленькие участки не должны быть пропущены.

2. Одну копию рисунка наносим на плотную бумагу, другая копия рисунка должна быть нанесена в зеркальном отражении. Эту копию приклеивают на картон с поролоном со стороны картона, после чего разрезают рисунок на отдельные детали.

3. Для того, чтобы облегчить процесс вырезания, можно применить маленькую хитрость: все детали переносим маркером на кальку, но так, чтобы они находились на некотором удалении друг от друга. После этого переворачиваем кальку, накладываем ее на картон и при помощи какого-нибудь тяжелого предмета прижимаем с обратной стороны кальку настолько плотно, чтобы контуры от маркера остались на картоне.

4. Разрезая картинку на детали, внимательно следите за нумерацией деталей – она должна неуклонно сохраняться. Это касается абсолютно всех деталей рисунка, даже самых мелких.

5. Далее дублируем каждую картонную деталь на японской бумаге васи, но делаем это с припусками приблизительно в 0.5 см с каждой стороны. Все припуски аккуратно подворачиваем и приклеиваем с обратной стороны картонных деталей.

6. С рисунком и цветом бумаги для каждой детали необходимо определиться заранее. В нашем случае для данной детали одежды была использована цветочная бумага васи, на которой по контуру была обведена точно такая же деталь, но вырезали ее с припуском в 0.5 см. Картонную деталь кладут на изнаночную сторону бумаги поролоном вниз так, чтобы попасть в контуры рисунка. Затем загибают припуски на обратную сторону картона и приклеивают их.

7. Если заранее в нескольких местах надрезать припуски, то это в значительной степени облегчит процесс приклеивания элементов рисунка, особенно на округлых линиях и в углах. Надрезы делают под прямым углом к контуру рисунка.

8. После того, как все детали обклеены, их наклеивают на первую копию рисунка, выполненную на плотной бумаге. Для того, чтобы не запутаться, какую и куда деталь приклеивать, необходимо четко следовать нумерации. Когда все детали приклеены к основе, рисунок-осиэ вырезают по контуру и наклеивают на фон картины.

Работы в технике осиэ для вдохновения.

техника своими руками, схемы из бумаги, мастер-класс с пошаговым фото, большие для начинающих

Картины, сделанные в технике квиллинг, способны существенно улучшить эстетические качества интерьера

Содержание материала:

Создаем картины из квиллинг

Такое прикладное творчество, как квиллинг, сейчас набирает обороты популярности за счет своей красочности и увлекательности. Оно подходит как взрослым, так и детям, при условии, что им будут помогать взрослые. В технике квиллинг могут создаваться картины различных тематик.

Это может быть картина, стиль которой отражает темы:

• Природа;
• Сезон года;
• Животные и т.д.

Для начала давайте рассмотрим, что же представляет из себя квиллинг: это один из видов ручного рукоделия, которое представляет собой создание картин из тонких полос бумаги, путем закручивания и придания бумажным кружочкам различной формы.

Сделать квиллинг картины можно любого размера

Многие называют квиллинг филигранью из бумаги, ведь такие картины смотрятся не менее прекрасно, нежели классическая филигрань в ювелирном деле.

Данному искусству довольно много лет. Первые упоминания о нем варьируются от 14 до 15 века, и распространено оно было в монашеских кругах на базе различных монастырей. Монахи создавали витиеватые бумажные украшения. Все это объяснялось тем, что обычный люд не мог себе позволить такой дорогой на тот момент материал, как бумага, которая сейчас доступна практически всем.

Картины в стиле квиллинг популярны за счет своей тонкой красоты, которая больше напоминает тончайшее кружево, но имеет приятный объем, нежели обычное классическое кружево из ниток. Существует большое количество разнообразных обучающих видео. Любой такой видео матер-класс поможет людям, начинающим осваивать квиллинг, ознакомиться со всеми базовыми приемами, какими-либо тонкостями данного ручного труда, а так же, известные мастера квиллинга нередко делятся своими секретами, которые помогут в последующей самостоятельной работе с бумажными полосками.

Картины в технике квиллинг: что необходимо для работы

Итак, если вы решили, что квиллинг является для вас самым интересным видом прикладного искусства, можно пробовать самим создавать картины и поделки из бумажных полос. Для этого необходимо как следует подготовиться.

Для работы понадобятся:

1. Бумажные полоски специальной бумаги. Это двусторонняя цветная бумага. Она может быть уже нарезанной на тонкие полоски, а может быть цельными листами и тогда вам понадобится специальное приспособление для ровной резки бумаги.
2. Инструменты для работы с бумагой: пинцеты, ножницы, иглы. Также, на современном «рынке» можно приобрести специальные приспособления, разработанные для лучшего придания бумаге нужных вам форм, для быстрой скрутки бумажных полос и так далее.
3. И что самое главное: много терпения и аккуратность в работе, что особенно важно для начинающих.

Все необходимые материалы для квиллинга продаются в магазине для рукоделия

Картины, выполненные в технике, могут быть как большими, так и маленькими, все зависит от фантазии и темы, которая отображается на полученной в итоге картине.

После окончания работы, готовые картины можно, и даже нужно, оформить в рамки и повесить на стену или подарить близкому человеку.

Это замечательный подарок на день рождения или на другой праздник. Кроме того, как можно понять из выставок современных талантливых мастеров квиллинга, подобные объемные кружева из бумаги можно продавать. Для этого в помощь начинающим мастерам могут послужить различные ресурсы и выставки.

Выбираем картины для начинающих: квиллинг

Для начинающих работа в стиле квиллинг на первых парах может казаться сложной, но так бывает с любым искусством. Потому, начинать лучше всего с уже готовых схем картин для бумажной филиграни. Сейчас существует не одна тысяча разнообразных схем для начинающих. Лучше всего, в начале пути, брать небольшие схемы, на которых хорошо проработаны все основные виды скруток из бумажных полос, а их можно найти довольно много. И прежде чем враться за серьезные красочные работы, стоит хорошенько отработать каждый вид.

Начинающим рекомендуется делать квиллинг картины, которые не содержат сложных элементов

Давайте рассмотрим, почему квиллинг так популярен среди жителей современного мира, на это есть целый ряд причин:

1. Доступность материалов для вашего хобби. Как мы уже говорили, на данном этапе современного развития индустрии, цветная бумага не роскошь и доступна она практически каждому, даже специальная бумага для квиллинга, нарезанная на уже готовые полоски «бери и делай». Бумага может быть сделана не только на территории нашей страны, но изготавливать ее может и заграничная страна. Все зависит от ваших собственных пожеланий. Производитель иностранной бумаги может быть, к примеру, китайский, а может быть японский. Такая бумага считается одной из лучших для работ.
2. Простота в работе и сборке изготавливаемой картины. Стоит только освоить азы и основные виды элементов. Они доступны как для взрослых, так и для детей.
3. Польза. Квиллинг заставляет быть внимательным, что поможет ребенку развить усидчивость и мелкую моторику рук, а взрослому на время уйти от ежедневных стрессовых ситуаций. Некоторые предпочитают тратить деньги на психологов, а многие предпочтут потрать эту сумму и даже меньше на материалы для своего творчества, которое, к тому же, потом можно продать.
4. Результат. Что может быть приятнее, чем закончить долгую творческую работу и увидеть полученный результат, который порадует своей красотой?

Красивые работы начинающих мастеров оцениваются по достоинству опытными людьми, давно создающими объемные картины из бумажных полосок. Также, начинающие мастера могут многое подчеркнуть в мастер-классах Ларисы Засадной.

Схемы картин из квиллинга своими руками

К выбору схемы для картины стоит подходить вдумчиво не только начинающим, но и уже опытным людям. А в зависимости от желания, готовые схемы можно дополнять элементами или компоновать несколько схем между собой.

Схемы для квиллинг картин можно найти в интернете и распечатать на принтере

Разберем основные виды бумажных элементов в технике квиллинг:

• Спираль: всего два основных вида свободная и тугая;
• Капля;
• Треугольник;
• Стрела; Она моделируется из треугольника;
• Листок; Его же по-другому называют «глаз»;
• Прямоугольник;
• Полукруг;
• Полумесяц; Получается из элемента полукруг;
• Рожки;
• Завиток;
• Веточка;
• Сердечко.

При желании и особом вдохновении из этих основных элементов, комбинируя изготовление их из тугой или свободной спирали, можно создавать новые виды элементов для более сложных картин и объемных поделок.

Для проработки каждого из них на первоначальных порах можно использовать разнообразные трафареты, особенно, если необходимо соблюдать какой-то стандартизированный размер.

Дальше, когда человек набирается опыта, он может уже сам создавать схемы своими руками для будущих картин, соответствующих его пожеланиям и фантазии. Таким образом, каждый может прикоснуться не только к искусству квиллинга, но и к самому таинству создания работы «с нуля».

Изучаем технику квиллинг: схемы картин

Если рассматривать современные схемы для бумажных работ в стиле квиллинг, можно заметить, что большинство из них сопровождается пошаговым описанием каждого действия, что помогает сделать создание бумажных кружев проще и приятнее. Стоит сказать, что при изготовлении картин в стиле квиллинг может использовать не один вид квиллинга.

Перед началом изготовления картины в технике квиллинг рекомендуется посмотреть обучающее видео с мастер-классом

Какие же виды могут быть задействованы в работе:

• Квиллинг, основанный на, так называемых, ролах, то есть скрутках бумаги;
• Силуэтный квиллинг; Он же контурный или графический;
• Петельчатый;
• Квиллинг бихайв;
• Смешанный.

Каждый мастер решает сам, какой из этих видов он собирается применять в своей работе, ведь для каждого из шаблонов картины можно использовать свой. К примеру сделать деревья в одном стиле, а, к примеру, ромашки в другом. Главное тут чтобы используемые виды техники подходили друг к другу и смотрелись гармонично, иначе результат ваших трудов будет не таким, на какой вы рассчитывали в своих представлениях.

Тематика квиллинг: картины из бумаги

Темой для будущей картины может быть что угодно, тут фантазия мастера ничем не ограничивается, лишь бы он сам мог составить схему по которой будет работать. Кстати, некоторые опытные мастера обходятся без схем, создавая объемные работы прямо в течение самого процесса и, только, когда закончат, видят, что из этого получилось в конечном итоге.

Идеи по тематике могут быть совершенно разные: от простых до самых смелых, сложных и ярких.

Выбирать цвет бумаги и стиль картины следует, исходя из места, в котором будет расположена композиция

К примеру:

1. Классическая зима. Зимние работы могут так же быть как легкие, так и сложные, смотря, что именно хочет отобразить автор.
2. Девушка – это один из распространенных мотивов работ в стиле квиллинг.
3. Весенние мотивы.
4. Цветочные букеты, для примера можно взять герберы.

Для всего этого можно применять какие-либо шаблоны и трафареты, а можно полагаться только на свое умение и опыт. Также, при работе с тонкими бумажными полосками и создании из них картин, можно экспериментировать с фоном, но все же лучше подбирать фон, который будет гармонировать с самой работой, хотя не стоит исключать и того, что некоторые работы полностью раскрываются только при использовании радикально контрастного им фона.

Квиллинг: большие картины бихайв для вдохновения

Бихайв представляет собой работу в стиле квиллинг из элементов, похожих своим видом на соты пчелиных ульев.

Такой стиль прекрасно подходит для созданий панно и картин, главным центральным звеном которых являются деревья.

Квиллинг картина, вставленная в объемную рамку золотого или коричневого цвета, отлично смотрится в классическом интерьере

Благодаря сотовой структуре элементов, такие деревья будут выглядеть очень объемными и оттого наиболее эффектными. Поэтому именно для деревьев и цветов бихайв лучшее решение.

Элементами бихайв квиллинга считаются:

Сейчас создаются новые схемы для работ в этом сотовом стиле. Идея работы из бихайв квиллинга, как и для любого другого вида, может быть совершенно любой, как пожелают ваше сердце и душа.

Квиллинг картины (видео)

Не смотря на вид бихайв квиллинга, изделия получаются красивые, а схемы не смотря на это относительно простые.

Подробно: квиллинг картины и мастер-класс пошагово (фото примеров)

Картины из гвоздей и ниток или Техника Стринг Арт (String Art) во всей красе с шаблонами, схемами и мастер-классами

Стринг Арт (String Art) — достаточно популярное и необычное искусство, которое позволяет сочетать, казалось бы, несочетаемые вещи: мягкие нитки и жесткие гвозди. Собственно говоря, оно так и называется — искусство создавать картины из гвоздей и ниток.

Историческая справка

При переводе с английского, слово «String» означает «веревка», или «струна», или «натягивание». Соответственно String Art – нитяное искусство или разновидность изонити. Изонить – это вышивка на картоне, т. е. на твердой поверхности, а Стринг Арт – это уже переплетение ниток на гвоздиках.

Автор — Вероника Запша (@veronittta)

Стринг Арт — творчество совсем не новое, однако очень известное в виду своей красоты и оригинальности!

Пришло это искусство из Англии. Четыре века назад английские ткачи таким образом с помощью гвоздей и ниток украшали свои жилища. Они вбивали в деревянные дощечки гвозди и в определенной последовательности натягивали на них нити. Так получались ажурные изделия для украшения стен.

Потом изобретенная техника нитевого плетения преобразовалась и усовершенствовалась с помощью английской исследовательницы Мэри Буль. С помощью нитей и гвоздей она обучала детей алгебре и геометрии, так и появилась техника стринг-арт от Мэри Буль.

Предлагаем посмотреть краткий экскурс по технике String Art и мастер-класс Дианы Киселевой:

Материалы и инструменты для Стринг Арта

Чтобы создать свою первую картину в технике String Art, ознакомьтесь со списком необходимых материалов и инструментов:

В первую очередь подберите деревянную, пробковую или картонную основу, на которой собираетесь разместить рисунок.

Основа для Стринг Арта

В качестве основы взяты грубые, неошкуренные доски

В качестве основы — деревянная заготовка в виде сердечка

Наждачная бумага необходима, чтобы зачистить основу для панно.

Молоток (чтобы вбивать гвозди) и непосредственно сами гвозди (подойдут мебельные, столярные или любые другие декоративные гвозди).

Их должно быть много! Даже для самой маленькой картинки необходимо приготовить не менее 20 гвоздиков

Краска, лак или клейкая пленка пригодятся в случае, если основе необходимо добавить цвета.

При использовании фанеры или деревянной основы для окраски идеально подойдет водная морилка

Нитки для наматывания (по плотности и цветовой гамме идеально подходят вязальные, но также можно использовать мулине, ирис, крученые нитки).

Важно, чтобы нити были крепкими(!), это облегчит Вашу работу, т. к. в процессе плетения не придется связывать разорванные нити!

Нитки мулине часто используют для наматывания

Бумажный шаблон с рисунком (или точечная схема). Его можно скачать в Интернете, купить готовую схему в магазине, нарисовать самому или взять готовое изображение и самостоятельно нанести на него точечный рисунок.

ВАМ ПРИГОДИТСЯ

Для создания картины из гвоздей и ниток скачайте шаблоны и схемы, собранные в данном архиве. Это бесплатно)

Ручка без стержня или другая зауженная полость для более удобного наматывания нитей (может облегчить процесс натягивания).

Посмотрите, как быстро можно наматывать нитки, используя в работе этот незамысловатый инструмент:

Ножницы, плоскогубцы (помогут, если гвоздь будет вбит не на свое место).

Anna art рассказывает, как и из чего делаются картины в стиле Стринг Арт, где купить материалы для Стринг Арта:

Чем полезно искусство Стринг Арт?

Если вы решили сделать картину из гвоздей и ниток своими руками , то от Вас потребуется очень много терпения, внимательность и усидчивость. Но результаты того стоят: декор в технике Стринг Арт смотрится очень стильно!

Различные панно и картины, выполненные в этом стиле, украсят любой интерьер, будь то уютное кафе, кухня или другая комната.

Автор — Юля Сорокина (Котон Арт)

Чашка кофе

И еще немного кофе!

Такой самодельный подарок удивит и обрадует любого, поскольку такое изделие точно не купишь в сувенирной лавке.

Каждый из нас ежедневно подвергается различным стрессам: на работе, дома, в семье. Плетение из ниток и гвоздей успокаивающе действует на психику, данный вид искусства включен в перечень приемов арт-терапии.

Поэтому в результате выполнения поделок в данном стиле Вы получите не только колоссальное эстетическое удовольствие, но и благотворно повлияете на свое эмоциональное здоровье!

Основные приемы: угол, круг, окружность, дуга

Осваивать искусство создания картин из гвоздей и ниток стоит с изучения основных принципов заполнения угла и окружности. Все остальные формы (круг, овал, квадрат) являются производными.

Основные шаблоны техники стринг-арт

Чтобы отработать навыки, вы можете начертить на бумаге прямой угол, (длина сторон 10 и 5 сантиметров). Длинную полосу разделите на 10 одинаковых частей по 1 сантиметру и каждый из них пронумеруйте. Короткую полосу разделите на 10 частей поменьше и тоже пронумеруйте. Таким образом Вы подготовите себе мини-схему. Далее начинаете работать нитью: ведете её от одной точки к другой (см. схему ниже):

Схема заполнения всех видов углов (острого, прямого, тупого)

После этого можно аналогично отработать навыки работы с окружностью и далее приступать к поделкам в технике Стринг Арт посложнее.

Круг символизирует совершенство и законченность

Своё мастерство предлагаем Вам отточить на изготовлении круглого панно с использованием ниток разных цветов.  Мастер-класс Diônatan Bertelli.

А вот прекрасный пример заполнения дуги:

Дополнительно хочется отметить, что не обязательно строго следовать вышеописанным правилам заполнения углов, окружностей и прочих форм.

Стринг Арт допускает и произвольное наматывание нитей на гвозди.

Шаблон рисунка Вы можете нарисовать сами. Лучше начинать с простых рисунков:

Геометрические волны

Русалочка

Особенности плетения из гвоздей и ниток

Выполняя изделия в технике Стринг Арт, хотим обратить Ваше внимание на следующие моменты.

Как глубоко вбивать гвозди

Гвозди необходимо аккуратно вбивать по периметру рисунка на ту длину гвоздя, на которой Вам будет удобно наматывать нити.

Чем многослойнее и объемнее рисунок, тем вбитые гвоздики должны торчать выше.  Высота гвоздей  может быть разной в зависимости от задуманного рисунка.

Для того, чтобы вбивать гвозди на одинаковую длину, можно использовать пассатижи, т. е. держать ими вбиваемый гвоздь. Так и пальцы будут целы и гвозди вбиты одинаково.

Целесообразнее использовать пассатижи при вбивании гвоздей

Вбивать или не вбивать гвоздики поглубже после того, как рисунок уже намотан, зависит от Вашего эстетического восприятия панно.

Как сменить цвет ниток

Приступая к наматыванию нитей на гвозди, первую нить привяжите к первому гвоздику и начинайте работу по наматыванию. Когда необходимо сменить данную нитку на другой цвет, обязательно завязывайте узелок на гвоздике, закрепляя этим самым сделанный рисунок. Далее проделываете все то же самое с новой нитью: узелок в начале работы, узелок в конце. По окончании работы не забудьте аккуратно обрезать и спрятать все лишнее. Наглядно всё это представлено в МК:

Способы заполнения рисунка нитками

По одному и тому же шаблону можно сделать совершенно разные картины из гвоздей и ниток.

Шаблон LOVE

Когда гвозди уже размещены на основе, т. е. у вас готов точечный рисунок, можете наматывать нити, заполняя ими непосредственно сам рисунок:

Заполняем рисунок…

Либо можете заполнять нитями фон, как бы обволакивая сам рисунок.

…или фон вокруг

Третьим вариантом может быть заполнение нитями разных цветов  и фона, и рисунка. Особенно эффектно будет смотреться сочетание контрастных нитей.

Пример реверсивного и традиционного наматывания рисунка по шаблону

Способы наматывания ниток на рисунок с сердечком могут быть такими:

Заполнено пространство между двумя сердечками

Сердце внутри переплетений

В работе могут использоваться тонкие швейные нитки в катушках, тогда картина получается невероятно изящной и легкой:

Если же взять толстые нитки типа Ириса и наматывать их плотным слоем, то можно добиться эффекта полного объёма:

Окантовка рисунка

Основной рисунок можно украсить окантовкой. Окантовку надо делать после заполнения «тела» рисунка, наматывая нитки того же или другого цвета «змейкой» по контуру рисунка. В этом случае жёлтая окантовка украшает синие буквы:

Как сделать картину с использованием разных цветов ниток, а потом дополнить её окантовкой контрастного цвета, можно увидеть в данном МК:

Последовательность создания многослойных композиций

Как сделать сложный рисунок с использованием нескольких  цветов ниток, рассмотрим на примере этой рыжей лисички.

Для её плетения понадобится три цвета: рыжий, белый и синий. Последовательность наматывания ниток такова. Сначала плетем тельце лисы из рыжих и белых ниток. Контур лисы оплетаем рыжими нитками, белые щечки тоже оплетаем сверху рыжим цветом. Контур белого кончика хвоста оплетаем сверху белыми нитками. В конце плетем голубые глазки, которые так же сверху оплетаем голубыми нитками. Лиса готова!

По такому же принципу сделаны эти зверушки:

Применяя многослойность в натягивании ниток, Вы можете смастерить такого морского конька. Сначала заполните «тело» конька, потом сверху внахлест можно сделать такой рисунок на нем.

Продолжая игру с нитками, можно выполнять такие замысловатые цветовые переходы:

Наутилус

Разноцветные волны

Нитки и гвозди способны на многое!

Выполнить многослойную картину из ниток и гвоздей можно и без основы, но с использованием деревянной рамки или каркаса.   В этом случае облегчить Ваш труд поможет пистолет для гвоздей. Смотрим МК:

Буквенный дизайн в сочетании со String Art

Буквенный дизайн  — давно известный интерьерный тренд, его привнесли западные дизайнеры. Буквы, слова, словосочетания — все эти элементы достаточно уместны в декоре, а в сочетании с нитями и гвоздями они превращаются в стильные объемные украшения для дома.

Абсолютно любые буквы на стене оживят интерьер! А если они складываются в слово, например, в многозначительное «ОК» — это ещё лучше)

Пошаговый мастер-класс по созданию такой картины смотрите по ссылке, там же вы сможете скачать бесплатный шаблон с буквами.

Оригинальный мастер-класс на английском языке, поэтому для вашего удобства мы предлагаем краткий перевод процесса создания этой картины.

Материалы и инструменты стандартные: нитки сине-голубых тонов, кисть, молоток, ножницы, гвоздики, точечный эскиз на бумаге, скотч.

Распечатайте шаблоны, склейте слово из листов формата А4. Положите эскиз на основу и вбивайте гвоздики по точкам на рисунке. Снимите эскиз с основы.

Завяжите узелок на первом гвоздике и по периметру рисунка (букв «ОК») начинайте наматывать нить.

Создаем контуры букв

Далее наматывайте нити вокруг получившихся букв, постепенно заполняя фон. Наматывать нить Вы можете хаотично, а можете в определенном заданном порядке. Не забыть поменять цвет ниток в соответствии с выбранной цветовой гаммой!

Заполняем фон

По такому же принципу выполнена и эта композиция. Морская тематика в буквенно-ниточном исполнении понравится всем, кто любит нежное сочетание цветов синего и белого)

Такой сердечный именной подарок обязательно приятно удивит)

Автор — белорусский умелец Александр Андриянов

Яркий акцент в нежной детской комнате может придать панно с оооочень важным словом на нем!) Альтернативой может быть аналогичное панно с именем хозяина комнаты или другими теплыми словами)

Не смотря на острые гвозди, стиль Стринг Арт может быть очень нежным)

Нежность — в твердости

Любовь можно выразить чем угодно

А как вам такое яркое приветствие в гостиной?)

Или душевная картина в прихожей:

Дом, милый дом

Табличка для прихожей

Как говорится «Don’t worry – be happy!». String Art поможет привнести позитив в каждый дом!)

Стринг Арт для детей

Искусством плетения очень полезно заниматься вместе со своим ребенком. Плетение нитями будет воспитывать в нем внимательность и усидчивость, даст представление о сложных геометрических фигурах и разовьет мелкую моторику, и просто приобщит к прекрасному!)

Начните плетение, используя в качестве основы пенопласт. Он имеет мягкую текстуру, что без труда позволит ребенку вставить в него гвоздики.

Не стоит слишком сильно натягивать нити на основе из пенопласта, поскольку гвоздики могут выскочить, и вся композиция разрушится.

Ребенок с Вашей помощью может намотать очень простые, но в то же время милые вещи:

Черный кот (слева — автор — Вероника Запша (@veronittta))

Дельфин (автор — Вероника Запша (@veronittta))

Рыбка

Тучка

Обратите внимание, что шляпки гвоздей могут быть покрашены в цвет ниток. Можно воспользоваться, например, лаком для ногтей.

Слоники с воздушными шариками

Мишка с большим сердцем

Такую хрюшку-копилку мало у кого найдешь!)

Мальчики могут сделать картину с любимым героем, например, Человеком-пауком или Штурмовиком. Искусство Стринг Арт идет в ногу со временем!

Человек-паук…

…и имперский штурмовик

Анимализм в Стринг Арте

Очень часто с использованием техники плетения из ниток и гвоздей изображают различных животных и птиц. Анимализм, как направление декора, никогда не выходит из моды, поэтому такие изделия всегда актуальны.

Не составит большого труда сделать самому такого изящного оленя, тем более для этого понадобится один-два цвета ниток, гвозди, контрастная основа.

Цветочные рога

Благородный олень

Оригинальную картину в виде профиля лошади Вы можете изготовить с использованием толстых ниток. Клепки и кусочек кожи дополнят образ лошади.

Полоска черная, полоска белая – вот и готова эффектная зебра! Для этого потребуется белая основа, гвоздики и черные нитки, смотрится очень стильно!

Вот такие птички-невелички разных цветов могут украсить интерьер детской!)

Слон во многих народах означает мудрость, силу и благоразумие. Серьезный носатый друг с бивнями — прекрасный презент в офис серьёзного мужчины!)

Задумчивая мартышка и милые косули — эти работы выполнены настоящими мастерами своего дела!

Она что-то замышляет

Косуля с детенышем

«Рыба ищет где глубже, человек – где лучше» — с такими словами можно подарить вот такое панно с рыбешкой!)

Тема Африки по-прежнему актуальна и колоритна. Как вам идея триптиха?

Волк на фоне завораживающей Луны не останется без внимания, если «поселится», например, в гостиной заядлого холостяка:

Портреты, сплетенные из ниток и гвоздей

Техника плетения Стринг Арт увлекает очень многих людей, они начинают заниматься этим профессионально: делают изделия на продажу, выполняют огромные работы, с которыми участвуют на конкурсах и выставках. Конечно, такого мастерства добиться очень сложно, но именно этот масштаб, этот размах особенно впечатляет!

Узнаёте портреты кумиров?!)

Мэрилин Монро

Леонардо ДиКаприо

Юрий Никулин

Владимир Путин

Юрий Гагарин

На примере портрета Джастина Тимберлейка вы можете посмотреть, как делаются такие грандиозные работы (видео от канала wearts ru):

Направления Стринг Арт творчества очень разнообразны, данную технику используют даже в плетении икон:

Дополнительный декор композиций

Хочется сказать несколько слов и о дополнительном декоре, который может использоваться при создании StringArt-картин.

Начнём с того, что одно и то же изделие, выполненное разными цветами – уже и смотрится совсем по-другому.

Но есть и другие способы декора готовых картин. Например, картины, сделанные по одному шаблону, одинаковым цветом ниток, будут смотреться по-разному, если взять гвозди разных цветов:

В работе слева используются гвозди стального цвета, справа — чёрного

Также картины можно декорировать различными элементами: джутом, цветами, бусинками, клепками, стразами и пр.

Декорируем веревкой…

…шнурами… (автор — Вероника Запша (@veronittta))

…и светодиодами

Искусственные цветы могут служить центральным элементом композиции, а вот ваза, выполненная в технике String Art в данном случае сама выступает, как дополнительный декоративный элемент:

Небольшая дощечка, схематический рисунок ключа, гвозди, нитки и небольшие крючочки помогут Вам создать оригинальную ключницу для прихожей:

Автор — Александр Андриянов

Ключницу можно сделать более функциональной и стильной:

Когда в одном изделии ручной работы объединяются и красота, и функциональность, то получаются по-настоящему стОящие, уникальные вещи!

Двигаясь от простого к сложному, можно сотворить даже такие шикарные часы! Кто бы мог подумать, что часы можно сделать из ниток и гвоздей!)

Мария Смолот предлагает в своем МК сделать такие настенные часы:

Очень много красивых и нереально милых изделий есть и в данном ролике:

Вдохновения Вам! Автор статьи — Татьяна Бабикова (под ред. Анны Ганьжиной)

Авторский мастер-класс «Картина в технике мастихин и масло»

Нарисуйте картину маслом в необычной технике всего за 1,5 часа с гарантией результата!

Все материалы входят в стоимость.

Опыт рисования не требуется!

Программа мастер-класса уже зарекомендовала себя международно, сейчас она активно используется в Гонконге, а уже в этом году мы рады представить её в России.

Что будет на мастер-классе?

🤍все необходимые расходные материалы: холст на подрамнике 20*30, качественные масляные краски, мастихин, кисти и палитра, перчатки, маски и бумажные салфетки, картонная коробочка для безопасной транспортировки готовой картины;

🤍необходимые теоретические материалы в формате иллюстрированных инструкций для дальнейшего использования;

🤍разработанная и многократно проверенная международной практикой программа;

🤍место в мини-группе (до 6 человек) с предусмотрением всех мер гигиены и безопасности;

🤍опытный и внимательный педагог, который советом поможет вам нарисовать картину с нуля;

🤍обратная связь с автором проекта после мастер-класса;

🤍купон на скидку на онлайн ресурсы для самых увлеченных;

🤍ваша картина, которую вы гарантированно нарисуете за время мастер-класса!

О нашей программе

Одна из самых важных и обязательных частей программы — это вводная часть, она займет тридцать минут. Здесь изучим основную, базовую информацию, которая необходима всем тем, кто решил открыть для себя уникальный инструмент мастихин. Далее расскажем, как добиться красочности и яркости цвета, что так характерно для этой техники. Затем перейдем к практике — написанию картины, которая занимает один час. На опыте убедились, что это именно тот период времени, когда человек может максимально сконцентрироваться и получить наилучший результат.

▪С какого возраста можно прийти на ваши мастер-классы?

С 9 лет, для каждого возраста своя группа (дети/взрослые).

▪Если я никогда не рисовал, получится ли у меня создать картину за 1.5 часа?

Наши авторские мастер-классы подготовлены профессиональными художниками таким образом, чтобы вы смогли нарисовать шедевр с нуля.

▪Где проходят мастер-классы?

Мастер-классы проходят в кафе Jungle

📍 г.Самара, ул. Самарская, 203

▪Сколько стоит участие?

*680р цена по предоплате;

780р в день проведения мастер-класса.

▪Как записаться?

Записаться на мастер-класс можно в WhatsApp по тел. 8 927 602 14 94

Живопись действия | искусство | Британника

Живопись в движении , прямой, инстинктивный и очень динамичный вид искусства, который включает спонтанное нанесение энергичных размашистых мазков и случайных эффектов капель и разливов краски на холст. Этот термин был введен американским искусствоведом Гарольдом Розенбергом, чтобы охарактеризовать работу группы американских абстрактных экспрессионистов, которые использовали этот метод примерно с 1950 года. Живопись действия отличается от тщательно продуманных работ «абстрактных имажистов» и «цветового поля». «Художники», что составляет другое главное направление, имплицитное в абстрактном экспрессионизме, и напоминает живопись «боевик» только в ее абсолютной преданности свободному личному выражению, свободному от всех традиционных эстетических и социальных ценностей.

Работы художников-боевиков Джексона Поллока, Виллема де Кунинга, Франца Клайна, Брэдли Уокера Томлина и Джека Творкова отражают влияние «автоматических» техник, разработанных в Европе в 1920-х и 30-х годах сюрреалистами. В то время как сюрреалистический автоматизм, который состоял из каракулей, записанных без сознательного контроля художника, был в первую очередь предназначен для пробуждения бессознательных ассоциаций у зрителя, автоматический подход художников-экшн-художников был в первую очередь задуман как средство, дающее инстинктивным творческим силам художника свободу действий и свободу действий. раскрывая эти силы непосредственно зрителю.В живописи действия сам акт рисования, будучи моментом творческого взаимодействия художника с его материалами, был столь же значим, как и законченная работа.

Общепризнанно, что абстрактные картины Джексона Поллока, написанные с 1947 года, открыли путь к более смелым техникам жестов, характерным для живописи в жанре экшн. Энергичные мазки из серии «Женщина» де Кунинга, начатой ​​в начале 1950-х годов, успешно развили богато эмоциональный экспрессивный стиль. Живопись в жанре экшн имела большое значение на протяжении 1950-х годов в абстрактном экспрессионизме, самом влиятельном художественном движении того времени в Соединенных Штатах. К концу десятилетия, однако, лидерство движения перешло к художникам-цветоводам и абстрактным образным художникам, чьи последователи в 1960-х годах восстали против иррациональности художников-экшенов. См. Также Тахизм.

Вид с воздуха | искусство | Британника

Воздушная перспектива , также называемая атмосферная перспектива , метод создания иллюзии глубины или рецессии на картине или рисунке путем модуляции цвета для имитации изменений, оказываемых атмосферой на цвета предметов, видимых на расстоянии.Хотя использование воздушной перспективы было известно с древних времен, Леонардо да Винчи впервые использовал термин воздушная перспектива в своем Трактате о живописи , в котором он писал: «Цвета становятся слабее пропорционально их расстоянию от человека, который находится глядя на них ». Позже было обнаружено, что присутствие в атмосфере влаги и крошечных частиц пыли и подобных материалов вызывает рассеяние света при его прохождении через них, причем степень рассеяния зависит от длины волны, соответствующей цвету свет. Поскольку свет с короткой длиной волны — синий свет — рассеивается больше всего, цвета всех далеких темных объектов имеют тенденцию к синему; например, далекие горы имеют голубоватый оттенок. Свет длинной волны — красный свет — рассеивается меньше всего; таким образом, далекие яркие объекты кажутся более красными, потому что часть синего рассеивается и теряется в свете, в котором они видны.

Атмосфера, возникающая между зрителем и, например, далекими горами, создает другие визуальные эффекты, которые могут имитировать художники-пейзажисты.Атмосфера заставляет далекие формы иметь менее четкие края и очертания, чем формы вблизи зрителя, а детали интерьера аналогичным образом смягчаются или размываются. Далекие объекты кажутся несколько светлее, чем объекты аналогичного тона, лежащие ближе, и в целом контрасты между светом и тенью кажутся менее резкими на больших расстояниях. Все эти эффекты более очевидны у подножия горы, чем на ее пике, поскольку плотность промежуточной атмосферы выше на более низких высотах.

Пейзаж с бегством в Египет , картина Иоахима Патинира, масло, 1520 г .; в Конинклийском музее в Шоне Кунстен, Антверпен, Бельгия.17 × 21 см.

Предоставлено Конинклийским музеем для Schone Kunsten, Антверпен, Бельгия.

Примеры воздушной перспективы были обнаружены в древних греко-римских настенных росписях. Эти техники были утеряны из европейского искусства в «темные» и средние века и были заново открыты фламандскими художниками 15 века (такими как Иоахим Патинир), после чего они стали стандартным элементом технического словаря европейских художников. Британский художник-пейзажист XIX века Дж. М. У.Тернер, пожалуй, наиболее смело и амбициозно использовал воздушную перспективу среди западных художников. Воздушная перспектива использовалась с большой изысканностью и живописной эффективностью китайскими пейзажистами примерно с 8 века.

Эта статья была последней отредактирована и обновлена ​​Наоми Блумберг, помощником редактора.

Узнайте больше в этих связанных статьях Britannica:

• перспектива

  … как китайские, так и европейские художники, воздушная перспектива — это метод создания иллюзии глубины за счет модуляции цвета и тона.…

• Леонардо да Винчи

  Леонардо да Винчи (итал. «Леонардо из Винчи») итальянский художник, рисовальщик, скульптор, архитектор и инженер, чьи навыки и ум, возможно, более высокие, чем у любой другой фигуры, олицетворяли гуманистический идеал эпохи Возрождения. Его…

• перспектива

  перспектива, метод графического изображения трехмерных объектов и пространственных отношений на двухмерной плоскости или на плоскости, которая является более мелкой, чем оригинал (например, в плоском рельефе).Перцептивные методы представления пространства и объема, которые визуализируют их так, как они видны в определенном…

7 известных техник рисования, которые вы захотите попробовать

Оцените секретные техники рисования самых известных художников мира, от Леонардо да Винчи до Ван Гога, в этой захватывающей демонстрации.

«Было сказано: чтобы знать, куда вы идете, вам нужно понять, где вы были», — говорит художник Марк Менендес. «Мы можем многому научиться у художников прошлого, техникам, которые мы можем включить в наше собственное искусство. Когда я учился под ученичеством своего наставника, меня научили приемам некоторых из величайших художников, которые когда-либо жили ». Вот некоторые идеи из видео-семинара Марка Менендеса Техники рисования мастеров , где он делится секретными техниками рисования некоторых из самых влиятельных художников мира. Наслаждаться!

---

Дымовые эффекты Леонардо да Винчи

Сфумато — любимая секретная техника Марка Леонардо да Винчи.«Сфумато по-итальянски означает« дымный », и это качество вы можете увидеть во многих его картинах, особенно в Моне Лизе, — объясняет он. После грунтования панели, переноса рисунка, создания подмалевка и нанесения глазури — все в стиле, похожем на стиль да Винчи — Марк демонстрирует технику сфумато, смешивая телесный оттенок, чтобы создать световой акцент. Он наносит этот свет на контуры картины, добавляя медиум (смесь льняного масла, скипидара и небольшого количества лака), чтобы создать мягкий молочный край, который деликатно сливается с фоном.

СМОТРИ ТАКЖЕ: Что с тобой сфумато?

---

Линия Микеланджело

Далее Марк демонстрирует, как Микеланджело Буонарроти мог передать скульптурную сущность, создав динамический контур / форму в своих картинах. «В первую очередь он был скульптором, но он создал одну из величайших картин, когда-либо созданных. Это не на холсте; это не на какой-либо панели; [это] на потолке, и это называется Сикстинской капеллой ». Посмотрите, как Марк создает смелую форму, объясняя, как Микеланджело использовал технику фрески — рисование по мокрой штукатурке — для рисования по одной части за раз, работая быстро, чтобы штукатурка не высохла до того, как он закончил.

СМОТРИ ТАКЖЕ: Живопись как скульптор | Уроки Леонардо и Микеланджело

---

Змеиные контуры Рубенса

В этом увлекательном уроке Марк демонстрирует ключевую технику Питера Пауля Рубенса, которого считают «принцем художников», который включает змеевидные контуры или S-образные линии. «Это похоже на изменение того, как что-то на самом деле выглядит — его контуров — для создания движения и жизненной силы», — делится Марк.«Рубенс также был известен тем, что использовал много ярких цветов, и это тоже усиливает тот эффект». Марк использует эти змеиные изогнутые мазки, чтобы создать формы и детали, создавая реалистичный портрет, который, кажется, оживает прямо у вас на глазах!

---

Кьяроскуро Рембрандта

В этой главе Марк создает очаровательный портрет, используя технику Рембрандта Ван Рейна, называемую светотенью. «Это итальянский. Это означает «тьма и свет», и он действительно это подчеркивал », — объясняет Марк.«Итак, он был художником света задолго до того, как кто-либо получил этот титул». Начиная с темного фона, Марк работает от темного к светлому, используя рваные мазки, чтобы добиться впечатляющих результатов! Следуя этой быстрой и увлекательной демонстрации, вы можете создать свою собственную версию «Menendbrant» Марка!

---

Реализм Вермеера

Используя методичный подход, Йоханнес (Йохан) Вермеер рисовал очень ровно, лишь слегка смешивая цвета, сохраняя при этом мягкие края. «Его краски часто не были такими смешанными, как это сделали бы другие художники.Он просто как бы блокировал переход от темноты к свету, и настоящий тон сидел рядом », — заявляет Марк. Он отмечает, что Вермеер запечатлел фотографический реализм в своих картинах с помощью камеры-обскуры: коробка с линзой спереди и зеркало, расположенное под углом 45 градусов внутри; матовое стекло в верхней части коробки проецирует желаемое изображение. Развивайте свои навыки рисования для получения реалистичных результатов, овладев ровными тонами Vermeer и методами мягкого моделирования, продемонстрированными в этом простом уроке с Марком!

---

Выразительная кисть Хальса

Хотите создавать более выразительные картины? Посмотрите этот урок рисования с Марком, чтобы изучить энергичные техники мазков Франса Халса.Марк показывает, как Хальс работал бы alla prima, используя «быстрые и яростные» мазки в свободном и свободном стиле для создания резких угловатых линий, контрастирующих с серпантинными контурами Рубена. «Одно можно сказать о картинах Франса Хальса: они никогда не выглядят перегруженными», — восклицает Марк. «Они всегда свежие и [выглядят] так, как будто их нарисовали только вчера».

Линия и цвет Ван Гога

Уникальный и узнаваемый стиль Винсента Ван Гога продолжает набирать популярность.С цветами, вдохновленными Вермеером, картины Ван Гога наполнены энергией, яркостью и очаровательными линиями — они целенаправленно используются повсюду, чтобы направить вас обратно к фокусу. «Возможно, он продал только одну картину в своей жизни», — говорит Марк. «Но сегодня его картины продаются по самым высоким ценам на аукционах». Следуйте за Марком, который показывает, как подражать технике Ван Гога, дважды загружая плоскую кисть густой краской (используя разные цвета с каждой стороны), чтобы установить два цвета рядом с каждым быстрым мазком.

---

О художнике

Работы известного художника Марка Менендеса хранятся в многочисленных постоянных коллекциях, как частных, так и корпоративных. Он иллюстрировал книги для широкого круга изданий, включая книгу Энн Райс «Мумия », а также несколько детских книг. Он проводит множество художественных классов и семинаров в год, которые охватывают широкий спектр сред и стилей, помогая студентам развивать свои навыки, не привязываясь к одному жанру или среде.

Различные средства и техники рисования и рисования — ARTDEX

Живопись всегда была одним из самых выразительных средств искусства, позволяющих художникам экспериментировать с различными стилями и техниками, пока они не найдут свое собственное уникальное художественное выражение. Все началось в доисторические времена, когда люди использовали пигментированный порошок для рисования сцен из повседневной жизни на стенах пещер. Можно сказать, что эти более ранние художники умело использовали средства и техники, чтобы сохранить свои произведения искусства по сей день.

С тех пор художники всего мира постоянно совершенствовали техники и стили живописи, чтобы наилучшим образом выразить свои эстетические принципы. Этот постоянный поиск привел к появлению различных методов и стилей живописи, рисования. Эта статья проведет вас через историю живописи, представив различные стили и методы рисования, используемые во всем мире, включая историю западного и восточного искусства.

Рождение Венеры, (1485), темпера, холст Сандро Боттичелли, Уффици, Флоренция, Италия | Источник: italian-renaissance-art.ком

Техники и стили живописи в западной цивилизации

Здесь вы найдете различные среды для рисования, расположенные в хронологическом порядке, чтобы сформировать временную шкалу. Это должно помочь вам проследить развитие живописи на протяжении всей истории искусства как средства и формы искусства.

1. Энкаустика

Этим термином обозначают картины, содержащие горячий пчелиный воск в качестве связующего материала. Художники наносили эту картину энкаустикой или горячим воском на поверхность (обычно деревянную панель), а затем повторно нагревали картину, чтобы получить глянцевую поверхность. Одним из преимуществ этого вида живописи, родом из Греции, является короткое время высыхания. Его также можно переделать и переделать, чтобы он вписался в коллаж или другую форму смешанной техники. Эта художественная среда не только легко адаптируется, но и экологична благодаря органическому происхождению связующего материала. Многие средневековые иконы — прекрасные образцы энкаустики.

2. Фресковая живопись

Это метод окраски, при котором краски смешиваются только с водой и без дополнительных связующих веществ.Эта характеристика делала его идеальным для покрытия оштукатуренных стен, потому что цветные пигменты проникали в стену по мере высыхания краски. Самыми известными образцами фресковой живописи являются работы Микеланджело Бытие и Страшный суд , которые покрывают стены и потолок Сикстинской капеллы.

3. Темпера

Вместо пчелиного воска в качестве связующего, художники использовали смесь воды и яичного желтка в темперной живописи. Перед нанесением темперной краски в несколько тонких прозрачных слоев необходимо было подготовить поверхность.Хотя темпера не может достичь глубины цвета, характерной для масляной живописи, она по-прежнему предлагает множество преимуществ, благодаря которым этот метод рисования сохранялся на протяжении веков. Одно из главных достоинств темперной живописи — выносливость. Картины темперой остаются свежими в течение долгого времени, в отличие от картин, написанных маслом, которые со временем темнеют и цвета которых постепенно тускнеют. Темпера была доминирующим средством в средневековом искусстве, использовалась для икон или иллюстраций религиозных книг, известных как иллюминированные рукописи.

Упадок темпера начался с появлением техники масляной живописи, которая придала произведениям искусства новое выразительное качество.Фламандские художники первыми отказались от темперной живописи в пользу масляных красок, затем последовали итальянские художники эпохи Возрождения.

4. Масляная живопись

В масляной живописи использовались льняное, маковое и ореховое масло в качестве сушильного и связующего вещества. Он появился в 16 веке, когда многие художники восприняли его как доминирующую художественную среду. Масляная живопись стала широко распространенной живописной средой из-за богатства красок и глянцевой отделки, чего не могла обеспечить темпера.Это также облегчило работу с мелкими деталями, допустив технику сфумато. Сфумато — это деликатное смешение цветов для получения «дымчатого» эффекта. Леонардо да Винчи применил эту технику в создании вневременной Моны Лизы .

Помимо сфумато, масляные краски также идеально подходили для «импасто» (нанесение неразбавленных красок толстыми слоями для создания эффекта рельефа). Художники любили использовать технику импасто за ее многочисленные преимущества. Во-первых, свет по-разному отражался от поверхности картины, придавая ей особую нарушенную текстуру.Во-вторых, его возвышающаяся поверхность придавала картинам ощущение трехмерности. И, наконец, этот привлекательный вид с толстыми слоями позволил художникам-экспрессионистам, таким как Ван Гог, точно передать свои мысли и эмоции на холст.

Некоторыми другими известными художниками, которые использовали технику импасто, были Джексон Поллок, Ли Краснер, его жена и Виллем Де Кунинг из эпохи абстрактного экспрессионизма. Мы также можем включать художников-импрессионистов, таких как Сезанн, Моне, Дега и многих других.

5. Акварель

Как следует из названия, это водорастворимые красители со встроенным связующим. Использование акварели требует отличных художественных навыков, потому что после того, как вы нанесете их на бумагу, вам уже не будет места для исправления. Преимущество акварельных картин в том, что они быстро сохнут и идеально подходят для добавления мелких деталей. Хотя многие относят акварель только к бумаге, вы можете использовать их на камне, холсте, дереве или ткани.

Однако существенным недостатком этого художественного средства является то, что цвета блекнут под воздействием света в течение некоторого времени. Различные акварельные техники, также известные как свиток и рисование тушью, были частью китайских и японских художественных традиций на протяжении тысячелетий. С другой стороны, западные художники использовали акварель для подготовительных набросков до 18 века, когда многие художники обнаружили, что они идеально подходят для пейзажной живописи.

Когда вы добавляете белый цвет в акварельные краски, они становятся непрозрачными, и этот материал известен как гуашь. Этот вариант акварели обладает четырьмя основными преимуществами, которые добавляют особого качества произведениям искусства, выполненным гуашью.Из-за непрозрачности мазки остаются скрытыми. Кроме того, гуашь — это быстросохнущая краска, которая оставляет гладкое матовое покрытие, и ее можно наносить слоями от супертонких до импасто. Гуашь может иметь широкий спектр цветов, включая флуоресцентную и металлическую отделку.

6. Акриловая краска

С момента появления акриловой краски в 40-х годах она завоевала значительное внимание в мире искусства благодаря своим многочисленным положительным характеристикам. Акриловая краска быстро сохнет, а после высыхания становится водостойкой.Вы можете нанести столько слоев, сколько вам нужно, и на любую поверхность, которую вы только можете себе представить. По всем этим причинам акрил был предпочтительным материалом для многих художников, включая Энди Уорхола, Кеннета Ноланда и многих других современных художников.

Чжу Вэй (朱伟) Альбом весеннего равноденствия, № 13 (图 册 页 之 十三 2011), Бумага, тушь и цвет | Источник: artsy.net

Типы живописи и стили, характерные для восточного искусства

Китайская роспись

Метод китайской живописи включает те же техники, что и каллиграфия, поэтому основан на аккуратности, точности и внимании к деталям.Китайские художники использовали акварельные техники смывной тушью задолго до европейцев, делая крохотные точные мазки кистью на бумаге или ткани. Китайцы используют духовность в своих произведениях искусства, веря, что каждый объект, который они рисуют, имеет душу. Таким образом, основная задача живописи — запечатлеть душу нарисованных предметов.

Японская живопись

Японцы не только имеют необычайно богатые традиции живописи, но и придерживаются нетрадиционных художественных принципов.Японские стили живописи впитали китайское и западное влияние, оставаясь при этом аутентичными. Важные черты японского искусства — достижение глубины в живописи и выражение прямого художественного послания.

Самые важные стили и приемы рисования

Рисование всегда считалось фундаментальным видом искусства, которому нас учили в детстве. Вот основные стили и методы рисования.

Рисование карандашом

Как следует из названия, этот метод предполагает создание эскизов графитным карандашом.Этот стиль рисования берет свое начало из Франции 17-го века, и некоторые известные художники-зарисовщики — Жан-Огюст-Доминик Энгр и Поль Кадден.

Рисунок углем

Это древняя техника рисования, которая, вероятно, возникла в Японии. Набросок и растушевка углем придают произведению удивительное впечатление удивительной глубины. Вы можете применять различные техники рисования углем, такие как штриховка, растирание или смешивание, для достижения различных эффектов.

Рисунок мелом

Это еще одна техника рисования, восходящая к древним временам.Художники использовали мел только для рисования до эпохи Возрождения, когда он стал важным средством искусства. Рубенс и другие художники 16-17 веков создавали рисунки черным и белым мелом. Эта техника рисования также известна как рисование мелками aux deux. Художники 18 века усовершенствовали эту технику, добавив в смесь сангина и мелки, и начали рисовать мелками aux trois. Многие художники-авангардисты 20-го века, такие как Генри Маттиз и Пикассо, использовали мел в качестве художественного средства.

Эдгар Дега, Танцоры в голубом, пастель, ГМИИ им. Пушкина, Москва, Россия | Источник: eclecticlight.co

Рисунок и живопись пастелью

Эта художественная техника предполагает использование пастельных мелков для создания художественных работ. Пастель состоит из цветного пигмента и бывает разных версий. Мягкая пастель — лучший выбор для растушевки или растушевки, в то время как люди используют твердую пастель для набросков и контуров своих работ. Форма искусства зависит от того, как вы используете пастель. Когда вы наносите пастель путем растушевки или растушевки, вы создаете пастельный рисунок.Однако когда вы рисуете короткие линии пастелью, это считается пастельным рисунком. Техники рисования пастелью и живописи достигли своего пика в 18 веке, а затем возродились в следующем веке с такими художниками, как Эдгар Дега и Тулуз-Лотрек.

Перо и чернила

Художники используют различные типы перьев, чтобы наметить желаемые формы и заполнить их чернилами. Привлекательность этого метода рисования заключается в грамотно созданном контрасте между цветными и пустыми полями.Чернила — непростительный материал, поэтому вам нужно иметь отличные навыки, чтобы овладеть этой техникой рисования.

Краткое описание

Цель этой статьи — расположить в хронологическом порядке все значимые средства и техники живописи и рисунка, которые сформировали историю искусства. Это своего рода универсальный глоссарий живописи для тех, кто входит в завораживающий мир искусства.

9 альтернативных техник рисования, которые должны знать художники

Сколько разных техник рисования вы знаете? Помимо традиционных, существует множество революционных техник рисования , которые избегают использования кисти, подталкивают к авангардным идеям и экспериментам в изобразительном искусстве.Стремясь оторваться от традиционного понимания роли искусства, которое заключается в воспроизведении реальности до максимально возможного подобия, художники 20-го века с энтузиазмом принимали новые эксперименты, которые включали использование всего тела художника, включение найденных предметов и материалов. и использование промышленных инструментов вместо кисти.

Мексиканский художник-монументалист Давид Альфаро Сикейрос был одним из первых авторов, которые публично избегали кисти, назвав инструмент орудием из волос и дерева в век стали. Желая исследовать границы техники рисования, художник основал радикальную Экспериментальную мастерскую в Нью-Йорке в 1936 году. В этом месте некоторые из самых знаменитых имен в истории искусства, такие как Джексон Поллок, встретились, чтобы залить аэрографом. , соскребать, разбрызгивать пигменты и использовать промышленные материалы в своей практике.

Некоторые из живописных техник, которые захватили воображение мира, перечисленного ниже, являются продуктом богатой истории художественной живописи, а некоторые — истинные свидетельства глобализированного, оцифрованного и изолированного мира, который мы в настоящее время разделяем и переживаем.

Прокрутите вниз, чтобы узнать больше о различных техниках художественной росписи!

Изображения ALI используются только в иллюстративных целях. Featured image: Различные техники и инструменты рисования. Изображения через pinterest.com

Брызги и капли

В то время как Джексон Поллок считается самым известным художником, который создавал свои абстрактные работы, капая краску на плоский холст, многие до него также экспериментировали с этими необычными техниками рисования. Японские дзен-буддийские художники исследовали разбрызгивание чернил еще в 15 веке, в то время как различные авторы из движений дада и сюрреалистов также использовали этот выразительный и очень экспериментальный процесс. Отвергая традиционные методы живописи, брызги и капли фокусируются на связи между автором и его / ее телом , и многие считают полотна Поллока следами жизни художника и определенного момента творчества. Тесно связанные с идеями философии экзистенциализма, его картины передают сущность жизни не только из-за ее взрывного качества, но также благодаря случайным событиям и включению многочисленных найденных предметов, таких как металлические стержни, кухонные инструменты, полотенца, палки. , и окурки художника.

Показанное изображение: Ханс Намут — Джексон Поллок в своей студии. Изображение взято с flickr.com

Заливка

Подобно другим техникам рисования, использующим краску или любую другую жидкую среду, техника рисования заливкой основана на экспериментах с материалами и цветами . Эта техника включает в себя заливку краски прямо на холст и проливание разных цветов друг на друга, чтобы создать неожиданные завитки. Хотя истоки этого метода восходят к экспериментам Дэвида Альфаро, он стал популярным во время абстрактного экспрессионизма.Известные авторы, такие как вышеупомянутый художник Джексон Поллок, Моррис Луи и Хелен Франкенталер , использовали его для создания плавных, чаще всего абстрактных картин и композиций, которые отмечали чистый цвет или чистое качество поверхности холста, как это было раньше. случай во время движения пост-живописной абстракции.

Обязательно посмотрите работы Хелен Франкенталер на нашей торговой площадке!

Показанное изображение: Луи Моррис — Альфа Пи. Изображение через pinterest.ком

Вытягивание и слом

Методы рисования вытягиванием и скребком часто включают протягивание краски по двухмерным поверхностям или удаление краски мастихином или ракелем. Часто этот метод ассоциируется с голландским абстрактным экспрессионистом Виллемом де Кунингом . Художник создал многие из своих знаменитых абстрактных портретов, накладывая толстые слои живописи и используя метод вытягивания и скрепления.Немецкий художник Герхард Рихтер часто ассоциируется с этой практикой. Тайна его техники ломки вдохновила режиссера Коринну Белц на создание одного из многих интересных документальных фильмов о художниках. Снимая художника за работой в своей студии и размышляя о жесте вытягивания как о физически истощающем действии, режиссер демонстрирует различные части различных техник рисования, таких как перетаскивание, размазывание и соскабливание слоев влажной краски, во время которых автор оставляет следы своей движения по поверхности холста.

Показанное изображение: Герхард Рихтер работает над «Абстрактной живописью, кадр из фильма. Изображение взято с gerhardrichterpaintings.com

Печать на теле

В методе телесного принта или слепка художники используют человеческую фигуру как штамп, создавая слепок или слепок тела. Процесс литья тела — это многовековая техника, которая использовалась для изготовления посмертных масок. На арену изобразительного искусства она вошла как спорная техника рисования в 1960-х годах.Известный благодаря таким именам, как Брюс Науман и Алина Шапочников , французский автор Ив Кляйн продолжил раскрывать художественный процесс и роль тела в процессе творчества. В 60-е годы Кляйн представил публике свои картины «Антропометрия ». В его выступлениях участвовали обнаженные девушки-модели, которых художник называл человеческими кистями. Раскрашивая его модели в черный цвет или в его знаменитый синий художественный пигмент International Klein Blue, модели создавали отпечатки своих тел на гигантских листах бумаги.Эти действия и перформансы, которые многие теперь считают возмутительно сексистскими, демонстрируют полный отказ от традиционной живописи кистью, но также и новую озабоченность телом и, как таковое, идентичностью произведения искусства.

Показанное изображение: Ив Кляйн — Перформанс «Антропометрии голубой эпохи». Изображение с pinterest.com

Техника Импасто

Мы уже упоминали метод вытягивания и скрепления как одну из техник рисования, которые манипулируют краской.В отличие от множества художественных методов, которые лишают художника следов руки, метод импасто-живописи создает не только трехмерность и высокую текстуру поверхности картины, но также добавляет к работе высокий элемент драматизма и экспрессионизма. . Большинство маляров, работающих с этим методом, наносят краску либо прямо из тюбика, либо мастихином. Различные слои создают ощущение глубины и позволяют поиграть со светом, недоступным в других техниках рисования.Таким образом, конечный результат часто существует на арене между живописью и скульптурой, где картина в некоторых случаях рассматривается как объект, а не окрашенная поверхность.

Показанное изображение: Деталь картины, созданной в технике масляной живописи импасто. Изображение с pinterest.com

Аэрография

Обычно известная как инструмент для ретуши фотографий, техника аэрографии привлекает различных авторов, которые предпочитают избегать живописных мазков и поверхностей.Используя сжатый воздух для распыления краски на поверхность, аэрограф создает плавные переходы, напоминающие фотографии. В своем интервью 1970-х годов Artforum Чак Клоуз сказал, что, чтобы избежать мазков, он обращался к различным устройствам, таким как бритвенные лезвия, электродрели и аэрографы. Этот промышленный инструмент — один из многих, используемых художниками для экспериментов и развития своего творчества. Многие из гиперреалистичных изображений, набирающих популярность в современном мире искусства, создаются с помощью этого устройства.

Показанное изображение: Чак Клоуз — Художник, работающий в своей студии в технике аэрографии. Изображение взято с сайта chuckclose.com

Цифровая живопись

Благодаря доступности компьютерной графики и развитию технологий, живопись смогла перейти с холста на экран. В настоящее время современные творческие люди могут получить доступ к различным цифровым инструментам, таким как настраиваемые кисти и виртуальные палитры, которые позволяют создавать точные живописные эффекты.«Типичный» живописный жест фиксируется с помощью команд клавиатуры, в то время как достижения в области струйной печати дают возможность печатать такие произведения искусства и обитать в физическом пространстве галереи. Многие из «традиционных» авторов воспользовались достижениями и возможностями, которые предлагает цифровой мир. В недавней серии «Прибытие весны » известного британского художника Дэвида Хокни представлены рисунки на iPad, выполненные на пленэре.

Featured image: Дэвид Хокни — Картина из серии «Прибытие спринта».Изображение с сайта pinterest.com. Все изображения используются только в иллюстративных целях.

7 инновационных методов рисования, для которых не требуется кисть

Фото: Unsplash

На протяжении всей истории многие художники-новаторы находили инновационные способы создания картин, часто отказываясь от традиционного метода рисования кистью на холсте. Одним из первых был мексиканский художник-монументалист Давид Альфаро Сикейрос, который публично избегал кисти, называя ее «орудием из волос и дерева в век стали».«Стремясь еще больше расширить границы техники рисования, художник основал радикальную Экспериментальную мастерскую в Нью-Йорке в 1936 году. Здесь собрались некоторые из самых знаменитых имен в истории искусства, чтобы налить, соскоблить и разбрызгать пигменты по холсту. .

От новаторских стилей рисования абстрактных экспрессионистов до современных художников, расширяющих границы, — экспериментирование является ключом к созданию великих произведений искусства. Если вы хотите запачкать руки рисованием пальцами или познакомиться с новыми инструментами и стилями, вот 7 творческих техник рисования, для которых не нужна кисть.

Брызги и капли

Джексон Поллок, пожалуй, самый известный художник, разбрасывающий пигменты на холсты путем случайных движений. Его культовая техника заключалась в том, чтобы положить холсты на пол, а затем разбрызгивать, капать и разбрызгивать на них промышленную краску с помощью палок, кухонных инструментов и даже голых рук. Отвергая традиционные методы живописи, экстрактные экспрессионистские работы Поллока, как считается, визуализируют энергетическую сущность самой жизни.

Однако задолго до того, как Поллок продемонстрировал свои взрывные композиции в середине 1940-х годов, японские дзен-буддийские художники в 15 веке экспериментировали с брызгами чернил. И сегодня многие художники продолжают экспериментировать с версиями этой техники, демонстрируя картины произвольной формы как вневременной стиль.

Узнайте, как современная художница по капельнице Эми Шеклтон использует силу гравитации.

Вытягивание и очистка

Фото: Кадр из «Живописи Герхарда Рихтера» (2011)

Техника вытягивания и соскабливания в основном ассоциируется с голландским абстрактным экспрессионистом Виллемом де Кунингом, который вытягивал краску мастихином, и современным немецким художником Герхардом Рихтером, который часто использовал ракель. Подобно разбрызгиванию и капанию, идея состоит в том, чтобы позволить среде определять результат работы. «С кистью у вас есть контроль», — однажды объяснил Рихтер. «Краска ложится на кисть, и вы оставляете отметку… С ракелем вы теряете контроль».

В документальном фильме Коринны Белц « Gerhard Richter Painting » (2011) режиссер провел три года в студии Рихтера, запечатлевая художника, растягивающего краску на своих больших холстах. Рихтер тащит, царапает и размазывает слои влажной краски, оставляя следы своих движений по поверхности.

Понаблюдайте за работой мастера.

Заливка

Фото: Кадр из «Живописи Холтона Роуэра»

Как следует из названия, техника заливки включает в себя проливание краски разных цветов непосредственно на холст друг на друга для получения неожиданных, завихренных узоров. Происхождение экспериментального процесса началось с мексиканского абстрактного экспрессиониста и основателя экспериментальной мастерской Дэвида Альфаро Сикейроса в 1930-х годах. Называя свои работы «случайными картинами», художник влюбился в процесс заливки жидкими пигментами деревянных панелей и наблюдения за тем, как цвета растекаются и размываются друг в друге.

Работа

Сикейроса вдохновила таких художников, как Моррис Луи, Хелен Франкенталер, а позже и современных художников, таких как Холтон Роуэр, который использует эту технику для создания плавных абстрактных картин и композиций, восхваляющих чистый цвет.

Посмотрите, как художник Холтон Роуэр создает свои уникальные плавные картины.

Покраска пальцами

Рисование пальцами предназначено не только для детей — современный художник-импрессионист Айрис Скотт показывает, что эта классическая форма медитативной «игры» действительно может дать невероятные результаты. Используя свою руку вместо кисти, Скотт создает яркие, крупномасштабные портреты животных и многое другое, полные потрясающих деталей и текстуры.

Хотя подход художника кажется свободным, каждое полотно всегда тщательно продумано.«Зарисовки и фотография очень важны, — говорит Скотт. «Иногда вдохновением служит фотография, а иногда я просто начинаю делать наброски и разрабатывать композицию».

Посмотрите на Айрис Скотт в действии.

Ebru Painting

Пример техники Эбру Джи-Элле. (Фото: Wikimedia Commons [CC BY-SA 3.0])

Особенно популярные в Турции и Центральной Азии картины Эбру (также известные как бумажная мраморность) создаются с использованием красителей, раствора на водной основе и уникального набора инструментов.Цветные красители добавляются на жидкую поверхность до того, как художник использует заостренный инструмент, называемый шилом или гребнем, чтобы манипулировать жидкими оттенками, создавая закрученные узоры и узоры. Затем сверху аккуратно кладется лист бумаги для переноса изображения.

Средневековые путешественники привезли технику Эбру из Турции в Европу, а позже она стала ассоциироваться с искусством переплетного дела — сегодня вы можете даже найти старые мраморные обложки для книг в старых книжных магазинах и на блошиных рынках. Хотя эбру — древняя техника, многие современные художники продолжают создавать завораживающие узоры, используя тот же подход.

Узнайте, как можно рисовать на воде.

Аэрография

Аэрограф

был первоначально разработан в 1800-х годах для использования в качестве инструмента для ретуши фотографий, но сегодня многие художники выбирают технику тонкой окраски распылением, чтобы добиться плавных, фотореалистичных градаций. Такие художники, как Чак Клоуз, используют промышленный инструмент для создания картин, которые совсем не похожи на картины. Чтобы добиться фотографической отделки в своей работе Mark (1978-9), он распылял светлые слои четырех основных цветов, используемых в цифровой печати: голубого, пурпурного, желтого и черного (CYMK), в результате чего получались невероятно гиперреалистичные портреты. .В интервью Artforum в 1970 году он сказал: «Чтобы избежать живописного мазка и поверхности, я использую довольно хитрые средства, такие как бритвенные лезвия, электродрели и аэрографы».

Сегодня многие современные художники используют аэрограф для создания столь же гиперреалистичных творений.

Художник Рафа Фонсека использует аэрограф для своего портрета вымышленного персонажа Харли Куинн.

Цифровая живопись

С развитием цифровых технологий и быстрым совершенствованием компьютерного программного обеспечения художники теперь могут отказаться от традиционного холста в пользу экрана компьютера.Доступны различные учебные ресурсы и цифровые инструменты, которые позволяют технически подкованным творческим людям создавать живописные эффекты с помощью настраиваемых кистей и виртуальных палитр.

Хотя цифровая живопись не для всех, даже традиционные художники переняли новую среду. Известный британский художник Дэвид Хокни, например, недавно создал серию ярких пейзажей, «нарисованных» на улице или на пленэре с помощью iPad, стилуса и приложения «Кисти». «Люди из деревни подходят ко мне и дразнят меня:« Мы слышали, что вы начали рисовать на своем телефоне », — написал Хокни в каталоге Музея де Янга.«И я говорю им:« Ну, на самом деле нет, просто иногда я говорю в своем блокноте ».

Узнайте несколько основных советов о том, как создать свою собственную цифровую картину.

Бонус: бокс

Статьи по теме:

Потрясающие картины Холтона Роуэра

9 художников-абстракционистов, изменивших наш взгляд на живопись

На персональном шоу Ирис Скотт представлены новые картины на пальцах «Космический пэчворк»

Невероятный портрет живописи Чака Клоуса

Эволюция гиперреализма: от религиозных картин к имитации реальности

Техники рисования 5 известных художников

Первоначально называвшаяся Девушка в тюрбане , эта картина, вероятно, представляет собой трони : портрет персонажа, созданный в качестве эталона для других картин, хотя в то время использовались не все трони . другие работы, как, кажется, имело место здесь.Модель могла быть дочерью Вермеера Марией (ок. , , 1654 — после 1713 года) или дочерью его покровительницы, Магдалены ван Рейвен (1655–1682), но ее личность почти не имеет значения, поскольку картина обычно рассматривается как этюд в мимика и экзотический костюм, а не портрет. Простой темный фон помогает визуально спроецировать голову девушки вперед и сосредоточить внимание на сине-золотом тюрбане, огромной жемчужной серьге и золотом жакете с ярко-белым воротником. В отличие от многих героев Вермеера, она не занята, но, по-видимому, застряла в мимолетном моменте, поворачивая голову, чтобы посмотреть через плечо на зрителей.Ее глаза широко открыты, а губы слегка приоткрыты, как будто она собирается что-то сказать.

Как и многие художники голландского золотого века, Вермеера восхищало изображение света, и эта работа демонстрирует его техническое мастерство в передаче сияющих эффектов света на различных тканях, лице девушки и большой жемчужной серьге, отражающей свет на различных тканях.